Wégimont Culture

Paul Mahoux

2026-03-02T14:25:50Z

Commissaire : Dominique Mathieu

Du 13 avril au 28 juin 2026
Vernissage le jeudi 16 avril à 18h

Paul Mahoux

Paul Mahoux, un marcheur brouilleur de pistes

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Si Paul Mahoux n'avait pas été enseignant à l'Académie royale de Beaux-Arts de Liège, dessinateur et peintre, il aurait pu être archiviste, chroniqueur bibliothécaire ou bio- graphe. D'ailleurs, réflexion faite, n'était-il déjà pas tout cela à la fois ?
Se promener dans le réel pour le transformer, faire surgir l'intime en décodant l'histoire et les échos du monde, détourner le sens du temps qui fuit en y créant des correspondances, inverser les points de vue, fixer une émotion fugace, tout cela tisse, il me semble, le canevas d'une inspiration foisonnante dont les sources sont multiples.
Cependant, à l'inverse de certains, Paul Mahoux ne s'est jamais intéressé au passé en tant que tel, il ne part pas à sa recherche et si il le fige, c'est pour lui imaginer un futur à travers ses écrits, ses peintures, ses dessins, ses photos.
En me rendant chez lui pour préparer son exposition au Churchill, toutes ces idées me traversaient l'esprit. Nous avions souvent travaillé ensemble lorsque je m'occupais de la programmation artistique du Centre d'art contemporain « Les Brasseurs ». Paul y avait exposé une série d'œuvres où les couvertures de journaux « Le Soir » et « Libération » accrochées aux trois étages du bâtiment servaient de toile de fond à ses interventions picturales. Nous étions en 1998 …
Vingt-huit ans plus tard, même si nous nous sommes souvent croisés, c'est la première fois que je découvrais son nouveau havre, un petit appartement surplombant Liège avec une large part de ciel dont la lumière inonde des bibliothèques surchargées de bouquins, des étagères croulant sous le poids de ses collections d'archives, de projets, d'ouvrages auxquels il a participé. Il m'en sort quelques-uns et je m'installe dans sa cuisine, où je prends des notes en l'écoutant parler :
J'ai réalisé plusieurs projets avec Pascal Leclercq, poète et éditeur. Ensemble, nous avons notamment crée la revue littéraire et graphique « Boustro », un ovni créatif dont la liberté est la règle d'or. Karel Logist et Laurent Danloy étaient aussi de la partie.
J'ai également illustré certains de ses poèmes, publiés par Tetras Lyre. Pour son poème « Vous êtes nous serez vous sommes » où il brouille les règles grammaticales pour démontrer l'impossibilité et l'absurdité de tenter de cerner l'identité de quelqu'un, j'ai peint, à partir d'articles de journaux, des aplats aux couleurs de l'argile qui s'opposent à des masses bleutées, reflets des nuances de nos milliards d'écrans, le tout est traversé par la ligne blanche d'un cardiogramme qui s'emballe.
La terre, notre origine. Les bruits du monde. Moi, ce que je suis. Les autres… Toutes ces interférences m'intéressent, j'essaie d'y voir plus clair et ce n'est pas facile. Ma mémoire est un fouillis, elle ressemble à mes caves.
C'est peut-être pour cette raison que je me suis obligé, chaque jour, à laisser une trace, j'ai alors utilisé comme supports des agendas moleskine, en 2014, il était en noir et blanc, en 2020, je me suis autorisé la couleur.
La page de gauche était strictement utilitaire : dates d'anniversaire, rendez-vous, listes de courses… sur la page de droite, c'était un dessin, une peinture, un évènement, une phrase, je les compare à des flashs d'infos, à des news, ça part dans tous les sens.
Un peu plus tard, la même année, me dit-il, à partir du texte qu'elle venait de terminer et dont le titre était « 10 ans », Caroline Lamarche m'a proposé d'illustrer son récit par mes dessins. Elle souhaitait établir des parallèles et des croisements entre l'intime et l'universel à partir de deux pôles : l'évolution du désastre climatique planétaire et celle du drame qui avait frappé sa famille en plein cœur à la naissance de sa fille atteinte de mucoviscidose, maladie des poumons extrêmement grave et incurable à l'époque. Les médecins lui donnent dix ans à vivre…. Nous avons travaillé des heures et des heures ensemble, j'ai divisé son texte magnifique où elle se glisse dans la peau de son enfant, en petites bulles de pensées et de phrases qui évoquent sa course contre le temps, ses essoufflements, ses traitements, ses colères, ses rêves.
Comme toile de fond, j'ai dessiné des forêts, des arbres dont les ramifications me font penser à celles des poumons, eux aussi, ils sont fatigués, essoufflés, torturés. Cette petite fille et ces arbres suivent la même course contre le temps avec, parfois, l'espoir de résister à la disparition qu'on leur a prédit.
Épuisé par l'énergie que lui a demandé tous ses derniers travaux, la violence des thèmes abordés et certains évènements personnels, Paul décide alors de prendre l'air. Il marche. Chaque jour, il augmente ses kilomètres, son Gsm lui sert d'outil, il va prendre des photos partout, il cherche ce qu'il fait sans gouvernail, sans boussole.

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Une nuit, devant sa télévision, Gsm à la main, il photographie Moby Dick, film culte de John Huston, sorti en 1956 et inspiré par un des phares de la littérature américaine, Herman Melville.
Des photos de ce récit hallucinatoire opposant le bien et le mal, à travers le déchaînement d'un homme et ceux des océans, Paul Mahoux créera soixante « dessins » d'une force hypnotique en parfaite symbiose avec ce texte du romancier navigateur qui terminera le mien... Accrochez-vous ! Plein cap vers le grand large !

Dominique Mathieu

Une nuit avec Moby Dyck

Une nuit avec Moby Dyck

Extrait du journal de Paul Mahoux

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

« C'était un samedi, au milieu de l'été, le 19 juillet 2019. Les enfants étaient chez leurs mères respectives, j'étais seul chez moi. Juillet n'était pas mon mois préféré bien que j'aime l'été et la chaleur. Impossible de comprendre pourquoi, je me sens fragilisé, par moments à cette époque précise de l'année. Chaque année. Autant j'aime août, autant juillet me perturbe, chaque fois. Mystère des perturbations du calendrier psychique ou d'invisibles actions climatologiques particulières en cette saison précise…
Ce jour-là, je vois que Moby Dick est au programme télé en soirée. Je vais chercher une bouteille de vin rouge, ce que je ne fais jamais quand je veux regarder un film. Je m'installe dans mon divan et je prends des photos de l'écran avec mon portable.
Quelques centaines de photos, trois ou quatre cents, du début à la fin du film. La bouteille de vin entière y passe. Moby Dick. Violence et Plénitude. Pas « ou » mais « et ».
Les photos restent dans la mémoire de mon portable. Je les garde, sans trop savoir ce que je vais en faire, mais en pensant les utiliser, un jour, d'une manière ou d'une autre, pour un travail pictural ou graphique.
Ce sont des fantômes, ces photos, et les fantômes, ça me parle. Le 21 décembre 2024, je réalise une première double page. Deux A5, une image coupée en deux par le pli du futur bouquin, ce sera le code graphique, si je trouve un éditeur intéressé par le projet. Dès le départ, je pense plutôt livre que projet d'expo. Moby Dick, dans mon parcours, c'est avant tout un film, vu à plusieurs reprises depuis mon enfance. Un film adoré par mes copains, par mes proches et moi. J'ai lu le livre plus tard, à l'âge adulte mais il m'est difficile de me souvenir quel âge j'avais à cette époque.
Par contre, je me souviens des heures de route de détours nécessaires pour voir le « Musée de la Baleine » à New-Bedford en partant de New-York pour retrouver des amis à Montréal ainsi que des milliers de kilomètres ajoutés au trajet New-York – Montréal pour apercevoir peut-être des baleines dans le Saint-Laurent à Tadoussac.
Plus tard, bien plus tard, à l'âge adulte, il y eut la découverte des livres d'un autre auteur américain Cormac Mc Carty dont la lecture de « La route », par la manière dont il arrive à traduire la plénitude et la violence du monde, m'a également profondément marqué.
Non pas plénitude ou violence, mais plénitude et violence.

Paul Mahoux

Luigino de Zotti

2026-01-20T21:27:25Z

Commissaire : Dragana Bojic
À la galerie du cinéma Churchill
Du 2 février au 12 avril 2026

Luigino

Luigino de Zotti, Diptyque IV, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Celui qui n'a pas passé une soirée avec Luigino de Zotti ne le saura sans doute pas - mais je vous en informe -, il n'est pas du genre à vous faire de grands discours. Tout le monde n'a pas non plus eu la chance d'avoir des parents communistes, Luigino si, au moins par son père. De l'union de ses parents est sorti un couple paradoxalement royal : une fille, Nadia, un fils, Lui.
Un grand cœur aux artères lisses, et à l'amitié fiable, un esprit subtil, friand de dialogues et prêt à l'écoute. Une bienveillance manifeste, et le goût du travail bien fait.

Luigino de Zotti, Dyade, fusain sérigraphique, 50 x 80 cm, 2017

Les gestes sont précis, décidés et économes, comme ceux de tout bon ouvrier. On ne fait jamais n'importe quoi, n'importe comment. L'oeil distingue, en collaboration avec les autres sens et un cortex attentif, ce que le corps est en train de faire, et ajuste l'idée à la réalité qui se crée. Pas le temps d'hésiter, la nourriture doit rester fraîche. Les aplats, les traits éventuels s'agencent, comme naturellement, pour former des harmonies bien construites où la solidité ne verse pas dans la lourdeur, où le chant des tons ne verse pas dans la pompe, mais garde vie, fraîcheur et profondeur. C'est juste juste. C'est la dose recommandée.
C'est du bon. On peut regarder, on ne va pas tomber malade, on ne va pas s'ennuyer, ni faire une attaque nerveuse. C'est là pour faire du bien, et ça marche, toujours, parce que le travail est bien fait - Luigino et Luigi me pardonneront l'expression - Come dio comanda.
J'ai testé pour vous : on ne s'en lasse pas. Vous pouvez regarder, savourer, encore, encore. Profitez et pensez à votre chance ; comme l'homme qui le produit, l'œuvre est unique, rare.
Et il ne vend pas cher. C'est comme si vous aviez eu la chance d'avoir un papa communiste.

Julien Barzin, un matin de novembre, le 14

Luigino de Zotti, Diptyque II, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Les images de Luigino soulignent un fait artistique digne de mention : économie de moyen n'est pas synonyme d'ascèse ou de sévérité. C'est en ce qu'elles sont profondément vivantes, généreuses, épicuriennes, que ces compositions nous touchent. Le jeu qui consiste à construire
pour se construire, nous rappelle, avec bienveillance, à nous-mêmes.
L'art traite-t-il d'autre chose ?

Julien Barzin, il y a quelques années

Luigino de Zotti, Diptyque I, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

FRANÇOISE DEPREZ

2025-12-01T10:53:29Z

Il y a quarante ans, le film Quadrophenia immortalisait les Mods des années 1960. Cette jeunesse anglaise, insolente et nonchalante, porte la modernité comme on porte un regard. Elle aime la vitesse, la musique qui fait vibrer le cœur, et les nuits où tout semble possible.
Aujourd'hui, les Mods ont vieilli mais restent terriblement stylés et leurs descendants perpétuent avec élégance leur look so British. Sur leurs Lambretta et Vespa rutilantes et ultra-chromées, ils déboulent par centaines le long du front de mer de Brighton.

Françoise

À la galerie du cinéma Churchill
Du 24 novembre au 1^er février 2026

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Dès qu'elle le peut, Françoise Deprez prend rendez-vous avec la Mer du Nord pour y vivre au rythme des lumières qui s'y reflètent, mêlant les roses, les parme, les gris profonds et toute la gamme des bleus, sa couleur préférée.
Elle fuit les plages bondées, les paysages dénaturés par les immeubles en béton car, à quelques kilomètres de cette mutation architecturale, il existe encore des endroits sauvages où elle croise, dès l'aube, des pêcheurs ramenant avec leurs vieux chevaux des filets de crevettes.
Guidée par une boussole magique, son appareil en bandoulière, elle s'infiltre dans les interstices, les chemins abandonnés, les lieux à l'écart, à la rencontre de ceux qui y vivent et ne semblent plus intéresser personne. Vous la cherchez ? C'est par là que vous la trouverez souvent accompagnée de sa fille Charlotte, photographe elle aussi, et de leur chien Agathe, un trio qui travaille en symbiose et se serre les coudes lorsque le vent se lève.

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Françoise, je la connais depuis des années, elle m'envoie, d'où qu'elle soit, les photos de ses découvertes et de ses éblouissements. Si je devais la définir rapidement, je dirais qu'elle s'apparente à une journaliste poète, humaniste et bienveillante, sachant saisir aussi bien la beauté d'une vague, la tendresse d'un geste ou la détresse d'un silence pour proposer des images où la narration et le sens de l'écoute occupent toujours une place centrale.
Son papa l'a initiée très jeune à la photographie, qui va devenir pour elle au fil du temps une véritable vocation. Françoise s'inscrit à des ateliers et des workshops, elle y rencontre des photographes reconnus tels Sandrine Lopez, Philippe Herbet, Sébastien Van Malleghem, qui l'aident à affiner ses choix. Son travail, dès lors, atteint une reconnaissance que son curriculum reflète.
Néanmoins, aucun effet de style, aucun « truc tendance » n'entameront sa démarche ; l'authenticité de son travail reste sa marque de fabrique. En témoignent ses reportages lors de « thés dansants » organisés par une maison de repos, non loin de chez elle, où chacun se met sur son « 31 » pour se lancer dans une valse ou risquer un twist.
Et puis, il y a aussi ses portraits d'une tendresse merveilleuse sur les gens seuls et leurs animaux, ou encore ces images bouleversantes des victimes des inondations de juillet 2021, à la rencontre desquelles elle part avec l'autrice Caroline Lamarche. Ces photos accompagnées par les textes figeront à jamais le désespoir, la fatigue et la boue dans le livre paru à cette occasion Toujours l'eau aux Éditions du Caïd.
Pour cette exposition que Wégimont Culture propose au Churchill, changement de cap, nous retrouvons la mer en franchissant la Manche, nous sommes à Brighton. Chaque année s'y déroule le rassemblement des Mods qui ont marqué par leur excentricité, leur style vestimentaire, leur musique et leur excès en tous genres, une époque aujourd'hui révolue et sans doute inconcevable, les années 60.
Sea, free and style made in England…que la fête commence.

Dominique Mathieu

Brighton

Brighton.

Françoise Deprez, Brighton, 2019, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

J'y retourne chaque année.
C'est une ville qui danse entre la mer et la campagne,
entre le passé et le présent, entre la nostalgie et la gaieté.
Les Mods s'y retrouvent, fiers de leurs scooters luisants,
héritiers d'une époque révolue mais toujours vivante.
Leur passion, leur style et leur sens de la fête créent une
atmosphère particulière.
Ils sont là, sur la jetée, sous le regard des goélands, des oi
seaux qui semblent tout savoir de la ville.
Brighton, ce n'est pas seulement le bord de mer, le Pier,
les lumières, les couleurs.
C'est aussi la campagne anglaise, toute proche, verddoyante,
silencieuse, presque trop calme après l'agitation de la ville.
Les gens ici sont différents.
Ils parlent, ils rient, ils viennent de partout.
J'aime cette convivialité, ce mélange de cultures, ce senti
ment qui fait de Brighton un endroit unique, où l'on se
sent libre d'être soi.
Je pense à Virginia Woolf, qui a vécu ici.
À Lee Miller, qui aurait su saisir cette lumière, cette étrangeté.
Je pense aussi à Chris Killip, à Tish Murta, à Vanessa
Winship, dont les images m'ont appris à regarder
le monde autrement.
Mes photos sont en noir et blanc.
Parce que la vie ici est faite de contrastes, de nuances, de
moments suspendus entre la mer et la ville.
Brighton, c'est tout cela.
Un lieu où l'on croise des Mods, des goélands, des rêveurs,
des photographes.
Un lieu où la mer est toujours là, silencieuse, indifférente,
fascinante.

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2023, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Illustration et bande dessinée

2025-09-10T12:04:57Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 30 juin au 28 septembre 2025

Deux sections de l'ESA Saint-Luc, Illustration et Bande dessinée, une seule exposition !

David Ghaye, Bac 2 BD, Errances, 2024, risographie

Il y a là comme une évidence tant ces disciplines sont proches. Le dessin bien sûr ! En noir
et blanc, en couleur, au pinceau, tramé, ombré, à la plume, au crayon gris ou de couleur, au Bic, à l'encre, à l'aquarelle, au fil, au feutre, à l'aide d'une tablette graphique… Mais aussi, et peut-être même surtout, la narration. Les outils et les techniques diffèrent mais toujours avec cette volonté commune et irrépressible de raconter, émouvoir, distraire, faire rire, sensibiliser, surprendre, tisser des liens… Si la sororité de ces deux disciplines est indéniable, elles ne sont pas jumelles pour autant. La perméabilité des frontières entre l'illustration et la bande dessinée n'occultent pas les spécificités de chacune d'elles et cette exposition est une magnifique occasion de les mettre en lumière. L'illustration, par sa faculté à aimanter l'œil, couvre un large domaine. Qu'elle soutienne un recueil poétique, une manifestation culturelle, le conditionnement d'un jeu, une couverture de livre ou de magazine… elle se fait complice, séduit, attire, inspire. Mais là où l'illustration trouve son plus beau compagnonnage, c'est dans le domaine de l'album où elle enrichit et fait résonner les mots.

« Le livre est mon outil et je l'interroge » [1]

Qu'on ne s'y trompe pas ! Si l'image illustrée aime la beauté, elle s'est émancipée aujourd'hui de la facture classique d'antan et des dictats du « beau dessin ». Quelques traits suffisent parfois à exprimer avec force de grandes idées. Son charme agit par la vibration d'une couleur, l'association de matières ou encore le sensible d'une technique. Dans son carnet de recherche, l'illustrateur·trice cherche son langage. Patiemment, il-elle construit, interroge, jongle, dose, ose pour donner à voir, à entrevoir, à s'émouvoir et parfois même à réfléchir. La ligne claire, les gros nez, le réalisme, l'heroic fantasy, le comics, le manga, le roman graphique, la bande dessinée, pur imaginaire ou ancrée dans le réel, interpelle le lecteur, le questionne, le prend à témoin, l'in- forme, le surprend, le distrait, avec drôlerie ou sérieux.

« Intimité, simplicité, authenticité » [2]

Art séquentiel tel que défini par Will Eisner, la bande dessinée raconte
à partir d'images et de mots, alterne les pleins et les vides, donne l'illusion du continu dans le discontinu, s'amuse et s'étonne des cases fantômes. Inspirée, adaptée, héritière ou émancipée de ses modèles, novatrice ou classique, distrayante ou réflexive, bien souvent savourée imprimée, la bande dessinée, d'aventures ou introspective, est une écriture qui s'apprend et qui donne à voir le monde, à l'imaginer. Des cases, avec cadre et sans cadre, des strips, des planches, des gaufriers. Des dessins, tremblants ou hachurés, stylisés, complexes, simples ou virtuoses, moches, séduisants, élégants, grossiers. Des Grrr, haaaa, pouet pouet, plouf, glou glou glou. Des bulles. Du rythme, de la surprise, du mystère, une invitation à tourner la page… L'alchimie opère sans grand spectacle, sans budget hollywoodien, avec discrétion et de soi à soi. “Raconter un récit en bande dessinée du début jusqu'à la fin et que ce soit lisible par tous, que les étudiants soient les plus professionnels possible au niveau de leurs dessins et de leurs manières de raconter.” [3] Il ne faut pas avoir peur, le dessin s'acquiert. Il ne faut pas se poser de question et foncer, oser aller vers, on en apprend à travers le dessin des autres. Le dessin nous offre un éventail extraordinaire de possibilités.

« Aucune image n'est immédiate, toutes sont dans le loin, le tôt, le proche ou le tard. » [4]

Les travaux présentés ici sont issus des deux sections et des trois années de formations. Les enseignants ont sélectionné une panoplie de réalisations suffisamment variées pour laisser deviner le champ des possibles des deux disciplines et installer doutes, sur- prises et questionnements. La formation proposée à l'ESA offre la possibilité de toucher à différentes techniques, outils et moyens d'expression. Au contact des nombreux professionnels venus rythmer le cursus par le biais de rencontres et de workshops, les étudiants nourrissent leur démarche au contact des auteur.e.s dont le point de vue est personnel et singulier. L'école accueille souvent des étudiant.e.s d'horizons très différents et une formation artistique n'est pas indispensable pour démarrer.
En revanche, le moteur indispensable sera la passion curieuse, l'ouverture d'esprit, l'engagement et l'envie d'apprendre.
Les travaux présentés dans cette exposition sont en cheminement. Ils ne sont pas parfaits et ne correspondent peut-être pas tout à fait à l'idée que vous vous faites de ces disciplines. Ils reflètent néanmoins la diversité et la sincérité de parcours engagés et assumés où le rêve, l'intime, l'étrangeté et l'aventure sont encore de mise.

Francine Zeyen, Frédéric Hainaut et Pierre Colin

[1] Anne Herbauts, La tête dans la haie - dialogue avec Frédérique Dolphijn - éditions Esperluète

[2] Emma Dexter, extrait de la préface de Vitamine D : Nouvelles Perspectives en Dessin, éditions Phaidon, 2006

[3] Philippe Sadzot dit Fifi, extrait d'une capsule vidéo visible sur le site de Saint-Luc

[4] Jacques Prévert, Imaginaires, Skira, 1970

CATHERINE BARDIAU

2025-09-09T15:25:27Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 29 septembre au 23 novembre 2025

Un salon légèrement enfumé et, dans l'ombre que projette une lampe de chevet, un homme assis sur un strapontin fait face à une femme lovée dans un canapé de velours… Fait-il nuit ou est-ce l'après -midi, une aventure de quelques heures volées au rythme lassant du quotidien ? In the mood for love. Deux êtres se cherchent dans le trouble de l'attirance et du désir. Un lit défait. Et cet instant figé sur la toile nous laisse imaginer tout ce qu'ils se sont dit dans le secret de cette alcôve.

Catherine Bardiau, Conversation, 2023, acrylique sur MDF, 30 x 35 cm

Plus loin, trois hommes en smoking discutent dans un salon feutré, porte-cigarette à la main, jaugeant une silhouette féminine d'une rare élégance, juchée sur ses hauts talons.
Catherine Bardiau saisit un instantané, elle nous laisse interpréter les non-dits et murmures de la toile. Et l'on se prend à explorer l'expression des yeux de ses portraits désuets, à longer dans la mélancolie d'une époque révolue, celle des années folles ou de l'après-guerre.
Elle aime le raffinement des situations comme celui des sentiments, faire l'apologie des corps sculptés par le sport ou des costumes cintrés, revisiter les jardins luxuriants ou les piscines à la Hockney, les villas hollywoodiennes à la Hopper, l'architecture New-yorkaise du XIX^e siècle.
C'est en déambulant dans les ateliers de confection de son père et grand-père à Binche, en scrutant les dessins et croquis de mode et en palpant les rouleaux de fines étoffes que l'artiste a puisé son inspiration première.
Attirée aussi par les portraits d'avant-guerre du photographe Auguste Sander1 et par le cinéma, elle peint ainsi des arrêts sur image, introduit sur la toile des éléments insolites telle la présence de son chien, suggérant le frôlement des tissus ou la brise d'un été au bord de l'Océan Pacifique.
L'on se prend à rêver aux beaux jours, à la douceur de vivre, à l'amour en retenue et délicatesse, à la paix dans une nature florifère.
Son jardin personnel rejoint par ailleurs celui qu'elle cultive sur les hauteurs de Tihange, lequel lui apporte équilibre et force. Elle le peint aussi, luxuriant, opposant les couleurs des massifs aux ombres du soir, les parterres fleuris aux pelouses parfaitement tondues.
Tout est question d'harmonie, de soin du détail, d'ambiance et de mystères à découvrir au détour d'un buisson.
Le parcours professionnel scientifique de Catherine - elle est pharmacienne biologiste - n'est sans doute pas étranger à la rigueur et le soin qu'elle met à peaufiner le détail, cet infime élément souvent narrateur de son propos.
Dès lors, quel meilleur cadre espérer que la galerie du cinéma Churchill pour découvrir son univers feutré et sensible ?
Laissons notre regard plonger dans la piscine, dans les plis de ces draps de lits défaits, caressons ce chien endormi au soleil et retrouvons nos rêves et sentiments anesthésiés par notre époque déboussolée.

Cécile Dumortier

Nadine Fabry

2025-05-03T08:59:52Z

« L'art, et rien que l'art !
C'est lui qui nous permet de vivre, qui nous persuade de vivre, qui nous stimule à vivre.
L'art a plus de valeur que la vérité ».

Friedrich Nietzsche

À la galerie du cinéma Churchill
Du 28 avril au 29 juin 2025

Nadine Fabry

Dans un atelier perché sur les hauteurs du Condroz liégeois, se trouve l'antre de Nadine Fabry. Une ancienne ferme avec des étables, un potager, des poules, une grange à foin et Bloche, un sympathique bouvier bernois. L'atelier domine les champs et regorge de trésors, peintures, sculptures, livres et travaux d'élèves. Il fait calme etnature dans cet environnement rural et tout respire la liberté et l'accueil. Les passions de Nadine sont innombrables et son ouverture au monde émerveille par sa pugnacité et sa force vitale.

Née dans une famille d'artistes, elle porte cette hérédité forte avec enthousiasme comme une forme d'énergie de vie. Ses parents l'ont encouragée à peindre, l'amenant tous les mercredis dès l'âge de 11 ans dans l'atelier de Paul Daxhelet, et l'image forte de son enfance est celle de sa grand-mère paternelle, Lucy Fabry (peintre de l'École liégeoise du paysage, disciple de Richard Heintz), artiste sensible dont Nadine parle avec émotion. Car c'est Lucy Fabry qui, veuve très jeune, fit l'acquisition juste avant la Guerre d'une maison à Stoumont, dominant la tumul- tueuse Amblève, lieu de toutes les créations sur le motif, que la famille rejoignait par la vallée et qui aujourd'hui encore est le berceau de l'inspiration de Nadine ; son refuge, une simple cabane, à la lisière d'un bois d'où elle contemple les couchers de soleil sur les vallons et villages voisins.
C'est à une peinture naturaliste que nous invite Nadine Fabry, faite de bois, de brou de noix, de fusain et d'encres, une peinture profondément ancrée dans l'humus des sous- bois, le silence des clairières, à l'écoute de la faune et dans l'espoir de la rencontre d'une laie et ses petits. On marche à pas feutrés et discrets dans cette campagne ardennaise, les seuls bruissements des feuillages et craquements de feuilles et branchilles accompagnent un errement salvateur et purifiant. Oui, l'Ardenne et le retour aux sources sont profondément ancrés en elle ; celle des collines boisées et de la Fagne de Spa, est le sujet du travail qu'elle nous invite à découvrir à la galerie du Churchill, comme une méditation profonde sur l'im- portance de la connexion à la terre.
On connaît de Nadine Fabry toute une palette de talents : peintre, illustratrice, dessinatrice dont les croquis de nus furent à la base de nombreuses compositions, directrice du CEC Atelier Graffiti, organisatrice de nombreux stages et formations en arts plastiques pour enfants et adultes, elle a abordé toutes les techniques en arts plastiques et continue à dispenser ses conseils et sa pratique à des adultes.
Et puis, comment ne pas évoquer son talent d'écriture ?
« Écrire, c'est l'idée de quelque chose à raconter qui m'emmène au fil du récit sans savoir où cela me mène…. », dit-elle. Elle attache beaucoup d'importance au travail d'écriture, qu'il s'agisse de ses albums pour enfants ou de ses romans, dont le dernier Nanas raconte une histoire de nanas, de celles qui gravitent autour d'elle, ses filles et petites filles, et des différentes femmes qu'elle fut, toujours avec l'âme de cette enfant volontairement différente, de la jeune fille indépendante et créative, imaginative et résiliente, qui explosait les barrières familiales, en recherche de sens et de décou- vertes. On sent l'aventurière, l'adolescente rêveuse et révoltée, la femme accomplie par ses maternités et son métier, les joies et les doutes, la mère et la grand-mère proche et soucieuse, bref, là où chaque personnage nous ramène à elle, à ses combats, à son identité fière.
Et dans ce tourbillon de vie et de créations, l'Ardenne l'apaise.
C'est un tout nouveau projet, bel opuscule intitulé L'aube du bois, écrit et illustré par ses soins et publié aux éditions Le Caïd, qu'elle présente à l'occasion de son exposi- tion. J'aime reproduire ici quelques lignes de Nanas, son roman qui nous emmène au Mexique, le pays de
la couleur et de la créativité : « …Une porte se ferme, une autre s'ouvre : la municipalité de San Cristobal lui a commandé une fresque murale. Et là, il rêve, cherche une idée. Exprimer oui, mais quoi ? Ce grondement sous sa peau comme un feu de tourbe. Peindre. Crier la puissance du vivant. Oui. C'est ça. Hurler la vie sauvage. Honorer la fascinante beauté des animaux qui y vivent. On y est. Laisser venir et il ne restera plus qu'à réaliser. Il la voit cette gigantesque tête de jaguar dans le feuillage luxuriant, et un peu partout parmi les formes , il tracera des motifs, des symboles, des glyphes, tous ces signes oubliés, transformés et redécouverts. L'art, n'est-ce pas manipuler les traits, les signes, les formes et les couleurs, pour changer les consciences ? ... » (Nanas, Éditions Chat Ailé, 2024, p.259)
Nadine Fabry n'a pas fini de nous emmener en voyage, c'est une sacrée nana….

Cécile Dumortier

Extraits de L'aube du bois

« Et moi toujours moi dans une cabane de bois à l'aube du bois un tas de bois pour la flamme mes rêves de feu mes godasses fatiguées mes envies de cailloux foulés de rus enjambés de vent furibond mèches rebelles sous mon bonnet de laine et ces fades re- lents de métamorphose de crottes animales d'herbes écrasées d'écorces ambrées de tourbe noire d'épicéas abattus de mycélium de pierres de schiste et puis ces surprises de bruits furtifs dans mon dos la bergeronnette perchée et l'orvet serpent de verre sitôt aperçu aussitôt disparu ».
« Et là tout au bout l'horizon plan ultime d'un possible tableau ligne qui sépare le haut du bas et qui même souvent les réunit les englobe comme l'encre dans la marre à s'y perdre s'y noyer oui à l'immensité com- ment dire l'immense mariage des gris des bleus des roses ouatés et ces restes de vie abandonnés dans les plis des collines ces pourritures d'écorces de souches de poils de plumes et d'os ces creux tempérés cernés de taillis ces coins de sommeil pour le vent égaré pour la bête hagarde mulot lièvre ou le cerf et sa harde ou qui sait peut-être un loup ».

Roland Castro

2025-03-03T09:27:31Z

Galerie Churchill, du 10 mars au 27 avril 2025

Regard inversés

C'est en tant qu'élève de Roland Castro et en collaboration
avec Marie son épouse que je voudrais évoquer ici le travail et la démarche de Roland dans le cadre de l'ex- position qui se tiendra à la galerie du cinéma Churchill. Cette présentation se fera en deux temps.

Roland Castro, Ruelle, 2005

Tout d'abord, je parlerai des souvenirs du professeur et de son enseignement, de sa méthode pédagogique. En- suite j'aborderai son travail de photographe, de cher- cheur sur la pratique de l'image et des tirages ainsi que du provocateur d'accidents photographiques.
Il y avait d'abord l'homme et ensuite l'enseignant. Mes premiers souvenirs, le regard de Roland, sa voix, son calme… Roland a toujours voulu donner, partager, faire de ses étudiants des personnes se posant des questions sur l'art, la photographie, le sens à donner à un travail. L'enseignant poussait les étudiants à donner du caractère à l'image, à réfléchir sur comment l'imprimer et à quel format. Sans insister, mais en donnant et en posant les bonnes questions, Roland faisait et donnait confiance aux jeunes que nous étions. Il a toujours sou- tenu et défendu les travaux des élèves tant que ceux-ci savaient expliquer la démarche et pouvaient ainsi conti- nuer à évoluer dans l'univers des arts. Par des exemples donnés, des rencontres organisées, des échanges, il ouvrait toujours des pistes de réflexions pour permettre à chacun de poursuivre sa pratique artistique, sa dé- marche, son écriture, son regard.
Il n'est jamais facile de parler du travail d'un artiste. Dans cette deuxième partie, je vais vous le décrire comme lui le percevait et nous le transmettait.
Le travail de Roland Castro est multiple. Au début de ce que j'ai pu voir et découvrir, il voyageait pour trouver des pierres, des parties d'édifices, des tranches d'histoire ou des rencontres fortuites. Avant de déclencher son appareil, il mimait un cadrage avec ses mains afin de donner un point de vue sur ce que l'image révélera par la suite. La lumière, la forme, les ombres sont les trois aspects essentiels lors de la prise de vue. Au moment du tirage, la recherche d'un noir intense et profond sera primordiale de façon à donner un aspect velouté à ses images réalisées selon le procédé à la gomme bichromatée. Si par exemple, le motif de la pierre peut sembler froide, cassante, tranchante, l'interprétation au laboratoire des images nous donnera à regarder une autre pierre transformée, une pierre nouvelle.
Roland aimait aussi “provoquer” les émulsions photosensibles, le papier, les techniques anciennes. Il cherchait à comprendre, à reproduire des erreurs pour mieux avancer dans son écriture artistique personnelle. La pratique de la photographie ne s'arrêtait pas à la prise de vue et au tirage. Roland allait chercher ce que le papier pou- vait rendre en tant que matière et support. Il composait des images sur support 2D, mais s'amusait aussi à les exposer sous un nouvel aspect, la 3D. Lors d'une visite d'une exposition, j'ai ainsi pu voir des coussins-images, où il avait réussi à transformer l'image en volume. Quelle audace, mais surtout, quel résultat ! Roland Castro était habité par le besoin de transmettre des images, des sentiments, des instants captés dans le viseur de son appareil photographique. Il aimait surtout faire réfléchir le spectateur par sa démarche de déstruc- turer le procédé pour mieux le comprendre et ainsi rendre visible ce qui ne l'était peut-être pas au départ.

Roland Castro, Ruelle, 2005

Un autre aspect de l'univers de Roland Castro est de conduire le spectateur dans les profondeurs de ce que la valeur du noir peut montrer. On peut y découvrir en fonction de la lumière des noirs chauds, des noirs froids. Il a aussi donné une vision moderne du portrait, ceux-ci ne sont visibles qu'après un temps d'arrêt. Roland ne met pas de limite à son écriture artistique, il ose le portrait à l'envers et presque sous le mode de la silhouette. On retrouve aussi cette manière de photographier, dans les compositions de façades de divers bâtiments, presque comme un contre-jour forcé. Les noirs, encore, sont bien présents et le cadre peut faire une rotation de 180° pour orienter le spectateur dans un nouvel univers. Celui-ci plonge alors le regard dans un cadre où la perspective peut désorienter le visiteur.
On trouvera une série de portraits en format panoramique vertical et la ville sous un angle personnel et abstrait. On n'identifiera pas toujours le sujet comme il apparait lors de nos rencontres visuelles, mais Roland cherchait avant tout à éveiller, réveiller le regard du spectateur, à faire en sorte que notre perception revienne à sa première fonction : lire sans code, sans préjugé, sans artifice. Les valeurs noires et blanches accentuent et dramatisent la profondeur des photographies, elles donnent à voir le sujet sans emballage, ni manipulation numérique.

Frédéric Materne

Le paradoxe de l'ombre

Roland Castro, Ombre, s.d.

La lumière est un phénomène naturel ; l'ombre est l'absence de ce phénomène. La lumière est ce qui fait exister les choses, c'est la vie ; l'ombre, c'est le vide, le néant, la mort. En photographie, le rapport s'inverse. La lumière c'est le blanc de la page, le rien. Et l'ombre, le noir, assure corps et matérialité à l'image. La photographie fixe la trace matérielle de l'ombre, c'est d'elle que jaillit la forme. Ainsi saisie, l'ombre furtive devient substance solide. Roland Castro s'est joué de ce paradoxe dans la série des Ombres. Tout en marchant, l'objectif orienté vers ses pieds, il a photographié son ombre portée sur le sol. Le traitement de l'image fait apparaître le modèle et son ombre comme deux ombres inversées se ren- voyant l'une à l'autre. La pointe du pied qui se soulève, le talon qui se pose sur le sol ne tiennent qu'à un point mais sont indéfectiblement liés. L'ombre agace son modèle, marche à ses côtés, le poursuit ou le précède. Mais le modèle, lui-même trace fantomatique, et son reflet ont la même densité et semblent réversibles. Ici encore, comme dans beaucoup d'autres œuvres de l'artiste, les papiers et textures superposés, enche- vêtrés, les noirs veloutés ou goudronneux confèrent une plasticité à l'ombre qui se fait corps sur le sol pavé ruisselant de lumière. L'ombre alors se redresse dans l'espace, l'occupe et le traverse. Son « propriétaire » a cédé la place. Impalpable, mouvante, évanescente dans la réalité, l'ombre se fait ici vérité, tels les personnages de Platon du Mythe de la caverne. Ne voit-on donc ja- mais que l'ombre de la vérité ? Son simulacre ?

Anne Gersten

Jean-Claude Salemi

2024-12-17T16:20:17Z

Dans le cadre de la Fête de la gravure et à l'occasion de la Triennale de Gravure qui se tiendra au Musée de La Boverie du 29 novembre 2024 au 16 mars 2025, l'asbl Wégimont Culture a souhaité s'associer une nouvelle fois à cette Fête de la gravure qui propose, à travers la ville et aux alentours, une vingtaine d'expositions. Lors de la dernière édition en 2022, Anne Leloup avait occupé les cimaises de la galerie avec une exposition de lithographies intitulée Nos abris, nos rivières. Pour cette nouvelle édition, place aujourd'hui aux linogravures en noir et blanc de Jean-Claude Salemi.

L'exposition

Les Chefs-d'œuvre gravés

À la galerie du cinéma Churchill
Du lundi 2 décembre 2024 au dimanche 23 février 2025
Prolongation jusqu'au dimanche 9 mars 2025
L'artiste sera présent le 2 décembre 2024, dès 16h

Il n'est pas fréquent qu'une institution culturelle, quelle qu'elle soit, parvienne à réunir dans une même exposition ce que d'aucuns considèrent comme les plus grands chefs d'œuvre de l'histoire de la peinture. C'est pourtant ce que se propose de faire Jean-Claude Salemi, artiste bruxellois protéiforme (graveur, illustrateur, graphiste, musicien… ) à la galerie du cinéma Churchill.
Doué d'un sens aigu de l'observation et d'un humour à la fois respectueux et espiègle, Jean-Claude Salemi nous invite à redécouvrir près d'une cinquantaine de tableaux, véritables jalons de l'histoire de l'art, inscrits dans la mé- moire collective et que nous croyons connaître. Il nous en restitue l'essence même au travers du prisme de son imaginaire et de ses questionnements d'artiste du XXI^e siècle. Comment ne pas s'interroger sur le regard qu'aurait porté Bruegel sur le monde d'aujourd'hui ? Comment aurait-il rendu compte des évolutions et des bouleversements de notre société ? Bruegel ou encore Vermeer, Manet, Matisse, etc… dont les images – c'est bien de cela qu'il s'agit – se retrouvent rassemblées au sein de cette exposition peu banale, exploration du monde gravé de Jean-Claude Salemi où, dépouillées de leurs couleurs, revisitées, agrémentées de petits détails saugrenus et judicieux, elles acquièrent une nouvelle présence, inattendue et éminemment jouissive. Un chauffe-eau chez David, des éoliennes chez Millet, un poste transistor chez Vermeer. Il y a de quoi sourire, en effet. Facétieux, Jean-Claude Salemi se glisse au sein même de l'œuvre, derrière les personnages, pour observer l'artiste au travail. Audacieux, il imagine des œuvres à quatre mains réunissant Manet et Magritte ou Picasso et Matisse.
Plus sombre parfois, il nous offre d'autres réinterprétations, d'ordre plus réflexif, qui nous ramènent à une actualité plus poignante et témoignent de réalités plus tragiques. Poétiques et politiques, pragmatiques et idéalistes, les images en noir et blanc de Jean-Claude Salemi vont à
l'essentiel et n'occultent en rien la qualité plastique des œuvres originales. C'est avec respect et une certaine humilité face à ces monstres sacrés de la peinture qu'il se permet de les revisiter et, malgré leur ‘actualisation', les œuvres restent instantanément reconnaissables.
Jean-Claude Salemi nous fait non seulement sourire ou ré- fléchir, il nous apprend également à regarder, à scruter, à lire les images, il nous donne également une furieuse envie de nous précipiter au musée pour regarder, scruter et lire les originaux autrement.

Alan Speller

Jean-Claude Salemi

Jean-Claude Salemi est né à Casablanca en 1950. Il étudie d'abord l'architecture à l'Institut Saint-Luc à Bruxelles, puis s'oriente vers la musique, joue de la guitare, conçoit des affiches pour des concerts de jazz, ainsi que des dessins humoristiques pour différents éditeurs. Avec Anne-Catherine Van Santen, il est le
co-fondateur en 1986, de l'atelier Razkas, collectif de graveurs et imprimeurs. Il réalise de nombreuses bandes dessinées et des pochettes de disques notamment pour Claude Semal ou Jacques Stotzem.
En gravure, il privilégie la technique de la linogravure, qu'il décline autour de sujets « déviés » tels que les musiciens, les coureurs cyclistes ou les chefs d'œuvre de la peinture.
Il vit et travaille à Bruxelles.

Pol Hurion

2024-09-09T09:18:24Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 30 septembre au 2 décembre 2024

Le dimanche 10 novembre 2024 de 16h à 20 h
Pol HURION vous propose un moment d'échange durant lequel il dessinera les personnes présentes.
Portraits au bic et peintures
Un dévernissage sera organisé le dimanche 1^er décembre 2024 de 16h à 19h00

Il pourrait se promener les dimanches matin sur la « Batte » à Liège. Observer les gens, entendre leurs langages, renifler leurs parfums. Il ne juge pas, il n'apprécie pas.
La « Batte » à Liège ? Non, il s'agit du travail photographique de Earthsworld 1 mais qu'importe. Ces personnages captés à l'autre bout du monde sont-ils différents de ceux que nous croisons tous les jours ? L'homme de la rue n'est-il pas le même partout, en proie au questionnement sur l'existence, les prévisions météo, les matchs de football ? Aussi peut-être le rejet de l'autre, l'accueil aux migrants, les bouleversements climatiques, ... ?

Un regard que l'on pourrait qualifier de tendre sur les êtres qu'il croise. Saisissant les défauts ou, mieux, le caractère d'un visage, c'est l'histoire de la personne qu'il retrace et réinvente. Sondant l'intime au plus profond de son image en gravant ses traits singuliers avec son bic bleu, Pol écrit un scénario de vie improbable, un parcours qui aurait pu exister dans une autre vie, une histoire autre de ces anonymes, les rendant « du coup » pitoyables ou admirables, selon le regard qu'il nous propose de poser. Car en nous plaçant en spectateur de ces vies, n'est-ce pas la nôtre qu'il nous met au défi de scruter face à ce miroir indiscret ? Face à notre questionnement, c'est la rencontre avec l'intime, le parcours personnel de chacun qu'il interroge.
Pas de caricature donc car la caricature est l'exaltation du trait, mais la trace qui façonne le portrait et entraîne l'histoire dans l'histoire. D'ici et d'ailleurs, joyeux ou pathétique, c'est le compte-rendu sans jugement d'une humanité quelque peu déboussolée qui veut croire encore à son possible bonheur.
Né à Dinant en 1975, formé à l'Institut Saint-Luc de Liège où il enseigne à présent, Pol Hurion poursuit un parcours orienté pleinement sur la pratique du dessin mais qui s'ouvre désormais sur des techniques plus élaborées laissant augurer un bel épanouissement de son travail de chercheur, explorant des moyens de mieux en mieux maîtrisés.

Jean-Paul Laixhay

Frédéric Materne

2024-08-14T13:48:29Z

Pour cette exposition, les étudiant·e·s de l'Académie Royale des Beaux-Arts de la ville de Liège (ESAHR) ont été appelés à penser, à réfléchir, à composer sur un sujet classique en photographie : le cadre dans le cadre.
Exposition des étudiant·e·s de l'atelier de photographie de l'Académie Royale des Beaux-Arts de la Ville de Liège (ESAHR)

Comment peindre avec la lumière et dessiner des images
sur ce thème ? Les élèves suivant le cours de photogra- phie en cours du soir ont soumis des réalisations afin de permettre aux spectateurs de se plonger dans des univers différents. Ici, on vous propose de rentrer dans les images avec votre regard, votre savoir, vos repères… Que l'on regarde de l'intérieur vers l'extérieur ou le contraire, on vous offre de suivre des chemins divers pour se promener dans des mondes en couleurs ou en noir et blanc. Dans la photographie, composer reste un élément clé pour réussir l'acte et ainsi pouvoir le montrer.
Que l'image soit en mode paysage, portrait, incliné … , il est toujours très important de respecter certaines règles et ainsi de guider le regard sur ce que l'on va considérer comme étant le sujet principal.
Dans les photographies présentes pour cette exposition, vous verrez des hommes et des femmes, des architectures, des lieux connus et d'autres moins, … Le but de photographier est de montrer ce que nos propres yeux arrivent à isoler pour mettre en valeur des choses simples que souvent nous effaçons. En prenant le temps de s'arrêter et de scruter le cadre, le contenu et le sens, vous y trouverez un passé, un vécu, un sentiment qui vous feront rire, sourire, pleurer…

Frédéric Materne

Alain Reichling

Carine Zanella

Valérie Lenom

Ludo Bettens