Wégimont Culture

TART

2014-04-26T07:15:19Z

A la galerie de Wégimont du 10 mai au 8 juin 2014
Vernissage le vendredi 9 mai.

TART

« Certains » on dit : La vision des arts plastiques est le partage des signes collectifs, chargés d'un design subversif, où le commentaire « dudit » travail générerait incoerciblement un filtre hyperréel et où l'imaginaire commun est l'archétype/pratique dont se servirait l'outil clef : l'inspiration « Inspiramen expectorartum ».

Tart / Waiting for my man / 60x100 cm / 2009 / alkydes sous verre

C'est à y perdre son… lapin. Pourtant, il y a des moments, une nuit ou un matin où une image s'invite. Les mains s'emballent, les aisselles pleurent et c'est l'embardée. Un truc, une image est venue pour faire autre chose que de se fondre dans le décor.

Et puis c'est peut être parce que la littérature a perdu de sa saveur.....une bière éventée.

La télé, ça brûle les rétines, c'est trop intelligent, c'est un chef-d'œuvre.

Et après tout ce qui n'a pas été fait, il restait à faire tenir un bic à crochet sur sa lèvre inférieure, tout en méditant.
Mais, ça avait déjà été fait, alors voici autre chose, quelque chose....

Tart

Pour en savoir plus : http://www.tartheyman.blogspot.be/

Galerie ouverte les samedis et dimanches de 14 à 18 heures
Sur rendez-vous au Gsm : 0477 38 98 35
info@wegimontculture.be

Thierry Grootaers

2014-04-22T07:34:24Z

A la galerie de Wégimont du 10 mai au 8 juin 2014
Vernissage le vendredi 9 mai.

Thierry Grootaers

Un tracé vigoureux pour croquer les postures sociales à l'ère du zapping culturel, de l'« entertainement » à tout prix, de la communication creuse, du paraître pour rien et des grandes solitudes post - industrielles et ultra-modernes.

Thierry Grootaers / Sans titre / 100 x 120 cm / Acrylique sur toile / 2013

Thierry Grootaers, qui vit quelque part dans la campagne belge, revendique cette ruralité et entretient un rapport critique, distant et rêveur, avec notre moderne urbanité, ses agitations, ses pompes et ses leurres. Il se sent en fraternité avec aussi bien James Ensor que Neo Rauch, peintre allemand, chef de ﬁle d'une certaine figuration actuelle, très « déroutante » également et à la recherche de voies inédites pour une picturalité de bon aloi.
Frère aussi de toute une génération de nouveaux dessinateurs de par le monde, qui entreprennent, en phagocytant les images de la vie moderne, de les assimiler, de les réexaminer au fond, et de les remodeler pour une autre vision des choses. Pas « visionnaires » cependant, ni illustrateurs, ni littérateurs engagés pour telle ou telle cause… Non, il s'agit plutôt pour eux d'inventer une autre syntaxe plastique, un nouveau geste, une nouvelle écriture, pour mieux rendre compte, pour mieux re-présenter par une mise en forme appropriée pour un vrai regard sur notre contemporanéité post-industrielle, sur le dérisoire de notre société de consommation, sur « l'ultramoderne solitude » des individus acteurs de ce grand carnaval très « ensorien » en effet.
Le tracé est donc très syncopé, ravageur-ravagé, elliptique, ludique, acrobatique… mais d'une exactitude, d'une cohérence, d'une harmonie et d'un équilibre évidents.
Et c'est bien ce qui fait son charme délicat et mystérieux.
Martin Rey

Plus d'infos sur : http://thierrygrootaers.com

Galerie ouverte les samedis et dimanches de 14 à 18 heures
Sur rendez-vous au Gsm : 0477 38 98 35
info@wegimontculture.be

Grégoire Faupin

2014-04-22T06:56:21Z

A la galerie de Wégimont du 10 mai au 8 juin 2014
Vernissage le vendredi 9 mai.

Grégoire Faupin

« Les limites de mon langage signifient les limites de mon propre monde »
Ludwig Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus, 1921

Repenser le langage. Pas de typographie, de simples lettrages. Laisser au graphiste son travail. L'anglais pour son impact. « Clash ». Efficace, concis. Slogan. Persuasion clandestine.
Parodie d'affiche publicitaire. Toile qui se prend pour une bâche.
Emphase du signe, assise du signifié ; ou l'effet inverse.
Expérience physique du signe. Ludisme des jeux de mots.
Jeux graphiques, jeux de sens.
Je crée des slogans qui invitent à la réflexion.
A l'occasion d'invitations à exposer dans des lieux publics ou bien en réponse à un appel à projet, je garde toute liberté quand au support et moyen d'expression. J'aime beaucoup faire des œuvres spécifiques, comme ma série des « Précaires » réalisés pour une installation dans une vitrine de la gare de Namur. Grégoire Faupin

Galerie ouverte les samedis et dimanches de 14 à 18 heures
Sur rendez-vous au Gsm : 0477 38 98 35
info@wegimontculture.be

Claire Hilgers

2014-02-20T12:41:22Z

À la galerie de Wégimont : du 15 mars au 12 avril 2014
Vernissage le vendredi 14 mars de 18 à 21h

VÉGÉTAL(S)

« L'univers n'est pas ce que nous voyons, il est ce que nous croyons »

Un sous-titre quelque peu énigmatique....
Pour cette exposition, ma proposition se nourrit de la contemplation du monde végétal sous des formes diversifiées au hasard des rencontres : arbres, feuilles, herbes des bords de chemin, graines, épines. La diversité des espèces, les formes multiples que peuvent prendre une graine, une tige et ses ramifications, la variété infinie des feuilles et leurs structures semblant si proches et pourtant dissemblables, cela me fascine.
Mais, comment cela s'est-il produit ? Nous en trouvons une explication synthétique dans cet extrait du livre Le jardin planétaire de Gilles Clément :

“L'endémisme est la diversité par l'isolement, diversité des êtres et des idées.
L'isolement géographique et les barrières climatiques créent autant de milieux où apparaissent les espèces.Plus nombreux sont les lieux de vie (biotopes), plus nombreuses sont les espèces capables de s'y développer.
Plus longtemps les lieux de vie demeurent isolés les uns des autres, plus longtemps la diversité demeure.
Elle s'exprime par la variété des individus, des comportements, des croyances.”

Des formes nouvelles, qu'elles soient animales ou végétales, se sont développées car elles ont dû s'adapter au froid ou au chaud, au sec ou au salé, à une terre noire ou à du sable, en bref aux exigences du lieu où elles se trouvaient.

De même, les hommes vivant dans ces biotopes bien particuliers ont construit avec leur environnement des relations spécifiques, ont inventé des cosmogonies - des philosophies comme on dirait dans le monde moderne.
Un planteur de soja transgénique, un paysan qui entretient sa rizière ou un chaman qui cueille des herbes sacrées vivent-ils dans le même monde ?
C'est non seulement l'usage de la plante, de l'arbre ou de la racine qui est différent mais la façon dont ils les pensent, dont ils les considèrent.
Voilà, en quelque sorte, une explication de notre sous-titre.
Pour en revenir à cette exposition et à ce travail, je suis, bien sûr, très intriguée et curieuse de la richesse symbolique qui se cache derrière le monde du végétal. Son histoire aussi vieille que celle du monde (et bien plus ancienne que l'histoire humaine) nous fait entrer par une toute petite porte dans les mystères de la vie.

Les œuvres que je propose ici se focalisent sur les particularités des formes du monde végétal dans leurs multiples déclinaisons. L'intention est de cerner au plus près ce qu'elles dessinent dans l'air, face au ciel ou sous terre, quand elles sont enracinées et cherchent à en cibler l'essentiel.

Les traces sélectives laissées par le dessin à la gomme arabique, la texture de l'encre de chine, la légère transparence du papier japon se combinent pour faire apparaître des images “radiographiées” ou traversantes, qui tentent de regarder au-delà des apparences immédiates.
Mon souhait est qu'elles invitent le spectateur à la méditation, à la rêverie et soulignent la poésie des formes qui se trouvent dans la nature.
Et pour terminer, je vous livre une très belle réflexion qui révèle un peu de ce mystère et nourrit mon imagination :

“ Dans la forêt, une pousse de fougère déplie imperceptiblement ses doigts piquetés de spores.
C'est lent, c'est silencieux, personne ne la voit, pas un spectateur pour assister à cette performance,
et pourtant elle a lieu. ”

Extrait de : Dans la nuit brune d'Agnès Desarthes - Éditions de l'Olivier

Claire Hilgers

Christiane Brissa

2014-02-20T12:35:55Z

À la galerie de Wégimont : du 15 mars au 12 avril 2014
Vernissage le vendredi 14 mars de 18 à 21h

La fleur est l'un des thèmes récurrents de l'histoire de la peinture. Sa permanence tient peut-être au fait qu'elle symbolise un large spectre d'émotions, d'états affectifs, de significations philosophiques ou ésotériques. Avec les siècles, ce motif, par la diversité des espèces et l'étendue de la palette chromatique qu'elles permettent, s'est chargé de symboles multiples et de significations, impossibles à recenser. Chaque période a déposé sur ce thème des strates de significations profondes qui se juxtaposent pour l'épaissir sans cesse.

Christiane Brissa (Ougrée, 1945) est parfaitement consciente du lourd héritage sémantique qu'elle manie avec ses motifs floraux. Férue de littérature, elle assume ces connotations multiples, sans pour autant en faire une finalité absolue. Leurs sens symboliques potentiels ne sont pas occultés, ils sont simplement secondaires. D'ailleurs, il ne s'agit pas des seuls thèmes qui retiennent son attention : les fruits, les oiseaux, le paysage peuvent également l'occuper au gré de son inspiration. Les choix de motifs à réaliser relèvent d'une longue maturation, d'une « nécessité qui point lentement » dit-elle et qui a besoin d'être patiemment élaborée. Le thème, une fois adopté, déclenche souvent un travail en série, dans laquelle chaque tableau répond à l'ensemble, tout en conservant une autonomie propre.

Les motifs sont alors occasion d'adroites constructions qui exploitent les possibilités intrinsèques de la peinture. Les formes sont longuement décantées, pour aboutir à une épuration, à une simplification à la lisière de l'abstraction, où la bidimensionnalité le dispute en permanence à la tridimensionnalité. Des toitures de maisons, traversés d'une percée de lumière, peuvent ainsi passer pour de pures déclinaisons géométriques. La peinture est ainsi amenée au point d'équilibre entre ses deux réalités, celle d'objet et celle de représentation. Christiane Brissa dit se livrer à une lente décoction des formes afin d'arriver a ce qu'elle appelle « l'authenticité du motif ». Comme la Fleur des Symbolistes de la fin du XIX ème siècle, ses peintures comprennent à la fois un élément figuré, singulier, et la totalité du spectre d'évocations affectives et sémantiques qu'il recense. Sa fleur est à la fois une fleur et toutes les fleurs possibles.

Ainsi épuré, le motif partage la primauté avec les rapports entre les couleurs, les effets de texture. Ceux-ci sont de préférence mats, râpeux, résultats de l'application d'acrylique sur des panneaux, afin d'accrocher la lumière et d'affirmer leur matérialité picturale. La touche est tantôt discrète, tantôt diluée et aérienne. La déclinaison sérielle des thèmes contribue à la création d'une partition visuelle aux capacités d'évocations multiples. Cette répétition d'un motif, ce désir d'en épuiser toutes les possibilités, trahit peut-être une angoisse de la disparition des choses. Et avec le corollaire de cette angoisse : le besoin d'en conserver, si pas les états éphémères, au moins le souvenir le plus affûté possible des émotions intenses qu'elles peuvent générer.

Pierre-Olivier ROLLIN
Chef de secteur des Arts Plastiques de la Province du Hainaut

Jean-Jacques Symul

2014-02-20T12:32:15Z

À la galerie de Wégimont : du 15 mars au 12 avril 2014
Vernissage le vendredi 14 mars de 18 à 21h

« A propos de mon travail »

L'ARCHÉTYPE, selon Jung, est la tendance humaine à utiliser une même forme de représentation donnée à priori d'un thème universel commun à toutes les cultures mais figuré selon des formes diverses. Ce concept est intimement dépendant de celui d'inconscient collectif que l'on retrouve dans les mythes et les productions de l'humanité .
L'archétype est une image originelle qui existe dans l'inconscient mais n'est pas issue de l'expérience ; il s'inscrit dans une trame de représentations apparentées entre elles et qui, se chevauchant constamment les unes les autres, forment le « singulier tapis de la vie* ».
Ma recherche en photographie est basée sur la quête de l'image, soit d'un objet qui, par l'abstraction voulue de critères de temps et de contexte, soit d'un lieu ou d'une personne où les notions d'identité ou d'anecdote sont absentes, qui puisse
être considérée comme une forme de représentation universelle.
L'important n'est pas que ce soit cette brosse à vaisselle ou ce tire-bouchons particulier, ce paysage photographié en telle ou telle saison, cette personne s'appelant Untel ou Unetelle qui soit re-connue mais que le spectateur soit confronté à sa propre évocation de la chose représentée. En quelque sorte, une forme d'archétype .
Mon travail est donc entièrement consacrée au quotidien dans sa plus simple expression . Cette recherche de la simplicité – ou peut-être de l'évidence des choses – réside autant dans le choix du sujet que dans ma manière de photographier, sans effet, sans modification , sans artifice .

Jean-Jacques Symul.

*C. G. Jung, Sur l'interprétation des rêves.

À propos du travail de Jean-Jacques Symul

« Les premières photographies de Jean-Jacques Symul (Liège,1952) avaient pour sujets des objets quotidiens : grattoir, paires de ciseaux, cuillère etc. Les objets y apparaissaient hors de leur contexte, émergeant d'un univers clair, presque irréel, qui leur conférait une dimension emblématique. Comme si ces objets, pourtant connus de tous, se chargeaient d'une nouvelle réalité et condensaient en eux-mêmes toutes les possibilités imaginables. Ils n'apparaissaient plus comme de simples objets, mais l'archétype de ces objets, chargés de toutes les potentialités affectives qu'ils recensaient. En ce sens, on pourrait parler d'un processus d'abstraction du sujet.

Cette manière de poser un regard qui transcende un quotidien commun se perpétue dans les paysages de Jean-Jacques Symul. L'artiste refuse l'anecdote du lieu, même s'il s'agit toujours d'endroit qu'il connaît et affectionne. Ses images dépassent les références spatiales et temporelles pour devenir des évocations plus intemporelles. Ses triptyques, autour des rivières par exemple, ne sont plus seulement le témoignage des états transitoires d'un site précis mais évocation possible de tous les états possibles, de toutes les rivières qui traversent des paysages naturels. Les cabanes, érigées dans les champs, à l'orée des bois qui découpent la lumière de leur ombre, sont devenues toutes les cabanes possibles.

Les spectateurs ne s'y trompent d'ailleurs pas car la neutralité des thèmes permet une perception immédiate, la résurgence de souvenirs enfouis chez chacun de nous. Tout le monde a bien quelque part le souvenir d'une rivière traversant un bois, d'un rayon de soleil découpant l'orée d'un bois de sapin, bordant une prairie. Les force des photographies de Jean-Jacques Symul est de pouvoir faire renaître, en chacun d'entre nous, la gamme d'émotions (nostalgie, attendrissement etc.) qui s'y rattache.

Mondes intérieurs, ses photographiques poursuivent une tradition littéraire (ex. Flaubert), picturale (ex. Friedrich) et même cinématographique (ex. Antonioni), qui associe le paysage naturel à une visualisation des états d'âme. Symul traite les éléments extérieurs comme le réceptacle d'une émotion, la cristallisation d'un état affectif en suspension. Ses portraits en sont particulièrement caractéristiques : ils sont moins les retranscriptions des modèles que visualisations de l'affection que l'artiste leur porte.

Ses photographies résultent d'un long travail de décantation du réel qui se construit par le lent rituel de la prise de vue. Nul besoin de mitrailler de manière aveugle et d'espérer que, dans le foisonnement des prises de vue, une image sera la bonne. Les photographies de Jean-Jacques sont patiemment construites pour arriver à ce « geste juste » qui les arrache à l'écoulement du temps et les inscrit dans une intemporalité qui assure la pérennité de leur pouvoir d'évocation. La saisie des lumières, la naissance des ombres, la construction posée de la composition relèvent d'une écriture maîtrisée qui se libère avec le déclic ».

Pierre-Olivier ROLLIN.
Chef du secteur des arts plastiques des Affaires culturelles de la Province de Hainaut .

Radermacher-MennickenIulian/ Fonea / Hosu

2014-01-20T13:15:00Z

Andrea Radermacher-Mennicken
Iulian Fonea
Sebastian Hosu

Vernissage le vendredi 17 janvier 2014, de 18 à 21 heures

A la Galerie de Wégimont, Domaine provincial, 4630 Soumagne

L'exposition est ouverte jusqu'au 16 février 2014,
Les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous

Il était deux fois : Fabienne Guérens et Sophie Legros

2013-11-24T23:22:02Z

Du 23 novembre au 22 décembre 2013
Vernissage le vendredi 22 novembre 2013, de 18 à 21 heures

Fabienne Guérens déploie un univers où la sculpture, le dessin, la peinture explorent la mémoire et l'enfance, les dits et les non-dits, à l'instar de « sa cabane de petite fille »
Sophie Legros entreprend de rendre compte de son rapport à l'espace, au paysage - qui nous entoure et nous contient - par un accrochage de dessins et de peintures faits pour l'espace de la galerie.

Les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous

Gsm : 0477 38 98 35
info@wegimontculture.be
les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous
Avec le soutien du Service Culture de la Province de Liège
Pour toutes informations relatives au Domaine provincial de Wégimont
www.provincedeliege.be/wegimont

Hommage à José Picon

2013-08-31T18:39:22Z

Du 5 octobre au 10 novembre 2013
Vernissage le vendredi 4 octobre de 18 à 21h.

À la Galerie de Wégimont, Domaine provincial,
Chaussée de Wégimont, 4630 Soumagne.

« La nuit, le silence se remplit et je pars à l'écoute et à la poursuite d'une couleur inconnue. Tenter l'accord impossible. »
José Picon, 2008.

Dès l'annonce du décès de José Picon survenu le 19 juin 2011, le MAMAC lui rendait hommage en présentant un choix de ses œuvres à l'occasion de l'exposition du prix Georges Collignon 2011 dont elle était membre du jury. José Picon, « ... un être humain aussi exceptionnel que fascinant... une femme libre et généreuse... sans conteste, l'un de nos plus grands peintes abstraits lyriques et informels », écrivait, en 1995, Marie-Hélène Joiret, directrice du Centre Wallon pour l'Art Contemporain, la Châtaigneraie à Flémalle.
Dans ses audaces picturales et avec sa personnalité taillée dans le roc, José Picon est une figure marquante de la vie artistique liégeoise. C'est en pionnière que, dès les années 1950, elle se lance avec conviction, fougue et émotion dans le jeu pictural des matières et de la couleur qui s'écrasent sur la toile ou « l'éclaboussent » avec une force jubilatoire jamais démentie. Wégimont Culture, à son tour, a voulu rendre hommage à cette grande artiste, par une exposition en sa galerie. Loin d'être une rétrospective, l'exposition présente cependant un choix diversifié d'œuvres puisées dans différentes périodes de la carrière de l'artiste qui atteste de son art sans cesse renouvelé.

Anne Gersten

« La peinture est un paysage intérieur. Je n'ai pas de théorie sur ma peinture, il n'y a de recette que dans la vérité, mais quelle lutte... Tenter de percevoir le souffle de la vie et laisser des traces... Ce besoin primitif de pétrir la boue ; la nuit, je poursuis une couleur inconnue... »
José Picon, 1995.

José Picon était une grand-mère bien spéciale. Je me souviens qu'elle venait me rechercher à l'école vêtue d'une grande cape noire. Elle avait le nez terriblement crochu et le regard laser. « Tante Zorro » disaient certains ; une chose est sûre, rien n'était banal avec elle. Au retour de l'école, nous faisions quelques haltes, tantôt les éclairs au chocolat, tantôt l'underground du quartier Hors Château des années 1970.
Ses peintures qui m'entouraient me tracassaient : elles sortaient d'un atelier où nous ne pouvions entrer, c'était suspect. Savait-elle dessiner ? Je l'interrogeais. Cela l'amusa sans doute. Le lendemain, à côté de mon lit, je trouvais les portraits plus vrais que nature de toutes mes amies les peluches. Il y avait en elle une générosité et une créativité dans les gestes du quotidien (et quel quotidien !) que je ne retrouverai plus jamais. Une adéquation animale avec la nature. Le geste était toujours juste, l'accord parfait. Cela je le retrouve dans son art. Elle s'étonnait parfois elle-même de son travail. Etait-ce bien elle qui l'avait fait ? Une chose est certaine, une force vitale l'habitait. Ce n'était pas un être ordinaire. Est-ce cela un génie ?

Frédéric Cloth

Ces textes sont extraits d'un numéro spécial de Wégimont Culture édité pour l'occasion.

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Grégoire Faupin

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« L'univers n'est pas ce que nous voyons, il est ce que nous croyons »

Christiane Brissa

Jean-Jacques Symul

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Andrea Radermacher-MennickenIulian FoneaSebastian Hosu

Il était deux fois : Fabienne Guérens et Sophie Legros

Hommage à José Picon

Andrea Radermacher-Mennicken
Iulian Fonea
Sebastian Hosu