Wégimont Culture

Térèse Dehin et Yves Buffalo

2017-04-18T08:33:46Z

Sommaire

À la galerie de Wégimont
Du 6 mai au 11 juin 2017
Vernissage le vendredi 5 mai à 18h30

Térèse Dehin

Présence

Térèse Dehin, Christina's Grandmotehr, pigments liés d'acrylique sur toile, 80 x 105 cm.

Une photo entrevue, souvent en noir et blanc, de très petit format, parfois une simple photocopie… Un portrait effacé… Des personnes inconnues, des lieux où je ne suis jamais allée, des faits dont j'ignore tout, trouvent résonance dans mes propres souvenirs qui, par la magie du mélange des pigments, ressurgissent ici, face à moi, sur la toile, présents.
Le propos n'est pas d'évoquer le passé ni de le faire renaître, mais plutôt de nourrir l'instant du chuchotement des choses évanouies.

Térèse Dehin, s.t., pigments liés d'acrylique sur toile, 30 x 50 cm.

C'est dans le geste, par le pinceau trempé dans la poudre colorée que se dit l'essentiel, laissant à l'image son langage et au spectateur la liberté de le faire aboutir en puisant, s'il le veut, dans le lexique de sa mémoire.

Térèse Dehin, 2 avril 2017

Yves Buffalo

Il était une fois…

Je peins parce que je ne suis pas Superman. Mon fantasme, mon rêve comme mon héros d'enfance est tout simplement de sauver le monde. Un monde où l'homme est le grand prédateur. Avide, cupide, stupide. Un monde désolé, qui s'autodétruit, qui brûle, qui blesse, un monde théâtre de l'horreur. Malheureusement, je ne dispose d'aucun super pouvoir. Il me reste les pastels, les huiles, les encres...

Yves Buffalo, Cardinal, encre et gouache sur papier, 59.5 x 41.8 cm, 2015.

Dans mon atelier, en contrepoint, je recrée un univers doux, sensible, décalé. Comme si je devais réinventer une scène des origines, un nouveau départ idyllique qui mènerait à un monde meilleur où la Nature échappe à l'Homme.
Peindre, avec légèreté, de l'humour, des couleurs vives et joyeuses, est mon moyen de retrouver une illusion de puissance et d'échapper à l'angoisse de la destruction. La peinture agit aussi comme une manière de replonger dans le temps de l'enfance, de l'insouciance et des découvertes innocentes, à la recherche d'un temps perdu. Mon travail de peintre est à la fois un infime moyen d'agir, une quête de l'impossible – la volonté de revenir en arrière, avant la tragédie – une fuite, un refuge, une dénonciation, une volonté de comprendre.

Yves Buffalo, Renardeau, encre et gouache sur papier, 59.5 x 41.8 cm, 2016.

Je travaille à partir de photographies ou de détails de photographies d'origines diverses qui évoquent un moment, un souvenir ou un lieu significatifs à mes yeux. Je les transforme et m'en sers comme des éléments d'une nouvelle composition picturale. J'utilise souvent des silhouettes récurrentes, des personnages ou des lieux archétypiques (l'Indien, le Cow-boy, le Cueilleur, le Cavalier, le camp de concentration...) que je décline en séries de tableaux ou de dessins. Chaque œuvre raconte alors une histoire qui aboutit à une morale. L'Indien, par exemple, représente une forme de liberté de vivre au plus proche de la nature, en la respectant, en sachant l'admirer à sa juste valeur et en profitant d'elle de manière réfléchie. Cette silhouette ne représente pas seulement l'Indien avec son arc à flèches, mais traduit de manière plus vaste toute personne capable de voir et de comprendre l'importance de ce qui nous entoure, de ce qui nous fait vivre. Ainsi, je peins essentiellement la nature, plus imaginaire et suggérée que réaliste d'ailleurs. Mais alors que je recherche une épure maximale en peinture, une grande simplicité, mes dessins sont eux très détaillés, avec énormément de couleurs et très complexes quant aux formes et à l'équilibre des nuances. Mais la peinture pourra-t-elle sauver le monde ? Pas sûr... Je ne suis pas Superman.

Yves Buffalo

Yves Buffalo, s.t., s.d.

Yves Buffalo est un peintre autodidacte ; il vit non loin de Liège, où il est né en 1971. Après avoir expérimenté et travaillé de nombreuses techniques, il se tourne vers la peinture à partir de 2002, au contact de Jean-Pierre Ransonnet. Il a eu quelques expositions collectives et personnelles, en région mosane et notamment à La Châtaigneraie (Centre wallon d'art contemporain), en 2011.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

La Galerie de Wégimont est située sur le parking bas du Domaine provincial
Chaussée de Wégimont, 76 -4630 – Soumagne
Gsm : 0477 38 98 35
– e-mail : info@wegimontculture.be
Visites les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous

Nicolas Wolkenar - Wim Geefshuysen

2017-03-01T09:04:35Z

Sommaire

L'exposition est présentée à la Galerie de Wégimont à Soumagne
du 11 mars au 23 avril 2017.
Vernissage le vendredi 10 mars de 18 à 21 h

Nicolas Wolkenar

Peinture et sculpture, deux facettes d'un acte unique

Intimement peintre et sculpteur, Nicolas Wolkenar est aussi architecte, non pas en bâtisseur, mais tel un voltigeur virtuel dans les trois dimensions.
Dans les tonalités d'ocre, de sable, de rouille, de gris sombre, de noir de fumée, et de charbon, les peintures des années 2000 étaient traversées de gigantesques poutrelles d'acier flottant dans l'espace, comme autant de pieds de nez à la loi de la gravité. De nombreuses traces de destruction – papiers déchirés, brûlés, consumés incorporés à la peinture – entamaient sans jamais en venir à bout ces structures solides et puissantes, en apesanteur, décrivant un univers entre ordre et chaos, équilibre et basculement, résistance et fragilité. Fascinante, déconcertante, l'illusion était totale tant le rendu, au moyen des règles de la perspective, était maîtrisé par l'artiste avec la rigueur de l'architecte.

Nicolas Wolkenar, sans titre, gouache et gesso sur carton, 24 x 20 cm, 2015.

Pour l'exposition présentée à la galerie de Wégimont, Nicolas Wolkenar joue de concert avec la peinture et la sculpture. L'illusion et le réel, le vide et le plein, l'espace et la matière se rencontrent, s'accordent et font route ensemble.
Assagies, discrètes, précieuses même, les peintures, à la gouache, entrent en résonance avec des objets réels – des sculptures – concrétisations de ses images visionnaires projetées dans l'espace. Mais ce ne sont plus tout à fait les mêmes.
Cette fois, point de démesure, d'accents dramatiques, d'effets bouleversants, mais des accords subtils, des emboîtements délicats, des alliances pénétrantes, parfois risquées.
Les « objets » de Nicolas Wolkenar ne sont pas, à vrai dire, des sculptures, ce sont des constructions, des assemblages, savamment élaborés, de pièces de bois diversement équarries, taillées, sciées, rabotées. Le point de départ est toujours une forme géométrique le plus souvent quadrangulaire, minimaliste, détaillée en une série d'éléments emboîtés, désemboîtés, recomposés laissant parfois la place – un vide – à un élément manquant. Ici, un porte-à-faux, une excroissance, un décalage ; là, une fente, une fissure, une béance, ou encore quelque cube renversé posé sur pointe, créant à chaque fois la surprise. Ces petits édifices à la géométrie pourtant parfaite, semblent osciller entre expression de stabilité et défi à l'équilibre, entre point de convergence et dispersion, entre globalité et éclatement.

À l'attirance des formes inconnues qui occupent l'espace, se jouant de lui dans un combat entre les pleins et les vides, s'ajoute l'irrésistible envie de toucher suscitée par la diversité des matières. Durs, denses, tendres, lisses, rugueux, fibreux, nerveux, noueux, les bois utilisés par l'artiste sont innombrables. Infinie aussi est la palette de couleurs allant des beiges du chêne clair aux noirs de l'ébène en passant par les bruns jaunâtres ou rouges des bois d'ici et d'ailleurs. Parfois, le
bois est recouvert d'une préparation de blanc à la détrempe si finement poli qu'il en devient dur, doux et lisse tel le marbre.
Avec peu de choses, quelques formes géométriques fondamentales, le carré, le rectangle, plus rarement l'arc de cercle, et les infinies textures et couleurs du matériau, Nicolas Wolkenar crée des sculptures d'une apparente simplicité et pourtant riches de multiples inventions et d'associations inattendues. Résultat : un bel objet certes, mais un objet qui « donne à penser ». Par la place qu'il occupe dans l'espace, par son ossature invisible, sa forme globale décomposée, restructurée, en quête d'une nouvelle harmonie, d'un point d'équilibre avant la chute, d'un ordre différent dans les lignes de tension opposées, voici autant d'interrogations sur l'ordre des choses et du monde qui nous entoure. Ordre au chaos ? Vérité ou mensonge ? Savoir unique ou multiple ?
À première vue, les œuvres de Nicolas Wolkenar sont sages, rigoureuses, rationnelles, apparemment imperturbables, mais à bien y regarder, leur équilibre tient plutôt de celui du funambule.
En face de chaque sculpture, il y a une peinture, à la gouache sur papier ou support léger, qui n'est ni une copie, ni une transposition en 2D de l'œuvre sculptée ou l'inverse. Pour comprendre, il faut aller au processus de la création révélé dans les nombreux carnets de croquis de l'artiste.

Nicolas Wolkenar, sans titre, bois peint, 30 x 30 x 30 cm, 2016.

À la recherche d'une forme, d'une composition, de sa désarticulation et de sa reconstruction, le premier dessin s'enrichit et, d'esquisses en esquisses, s'oriente sur des choix de formes et de couleurs. Le résultat peut déboucher sur une sculpture ou une peinture, ou le contraire ou les deux à la fois. Chacune tient de l'autre et se suffit à elle-même.
Les peintures sont de petits opus, des petits bijoux de précision et de finesse dont les formes aplaties sur le papier, par le seul jeu d'une ou deux lignes les font émerger dans la troisième dimension. Lignes et formes, géométriques encore, s'y inscrivent légères, souples et sensibles, sans raideur, sans froideur. Ici, le noir, le blanc et les gris en mille nuances s'accordent à la subtilité des lignes ou en révèlent les contrastes. Là, les couleurs aux teintes sourdes, élégantes, blanc crème, jaune ocre, vert olive..., associées aux effets de textures, opaques ou transparentes, font véritablement vibrer les surfaces d'un mouvement infime et intense à la fois.
Héritier avoué et assumé de De Stijl et du Bauhaus, Nicolas Wolkenar est peut-être plus proche encore de Georges Braque quand celui-ci déclare : « J'aime la règle qui corrige l'émotion. J'aime l'émotion qui corrige la règle. »

Note
Certaines sculptures de Nicolas Wolkenar sont conçues comme un jeu de cubes, en « kit ». Elles sont donc livrées en pièces détachées à monter soi-même, avec un plan de montage, dans une boite en carton estampillée, signée et datée.
Nicolas Wolkenar (1954) vit et travaille à Liège et à Cologne. Il expose régulièrement dans des centres d'art, des musées et des galeries en Belgique (Liège, Bruxelles, Gand, Charleroi, Verviers…), en Hollande (Maastricht, Sittard, Kluisbergen, Limbricht, Wittem, Amsterdam), en Allemagne (Essen, Dortmund, Kastrop-Rauxel…), en France (Paris, Nîmes), ou encore à Lausanne, Budapest, Valence…
Anne Gersten

Wim Geefshuysen

Autres facettes, autres façons

Wim Geefshuysen, originaire de Brunssen (NL), employé dans la métallurgie, vit et travaille à Sittard (NL). Depuis son plus jeune âge, il s'intéresse à la plasticité des formes, par lesquelles il exprime et concrétise ses idées. Au début des années 1990, il expérimente différents matières dans le cadre de workshops afin de développer leurs différentes spécificités. Cela lui permet de rencontrer Carine Canton, qui perçoit ses intérêts et son talent et qui le pousse à suivre les cours à
l'académie des beaux-arts de Genk (B).

Wim Geefshuysen, Pensées, acier corten, 150 x 55 x 35 cm, 2005.

D'abord étudiant de Jan Praet, il termine brillamment ses études en 2003, en exploitant la spécificité de chaque matériau approché. De par sa formation de travailleur dans la métallurgie, il se tourne naturellement vers l'acier mais il explore également le plastique, le bronze, la pierre, la terre cuite et le verre.
Wim Geefshuysen exploite et expérimente ces matériaux variés, liés chacun à des techniques spécifiques, et aboutit à un travail minimal et construit, en phase avec les réalités de l'art contemporain. Le socle devient ainsi partie prenante de l'œuvre avec ses armatures. Ses sources d'inspiration sont diverses : la mythologie, la nature et les formes géométriques, ainsi que leur jeu. Même si quelques fois l'inspiration est allégorique, le geste, lui, est étroitement lié à l'intuitif et à
l'impulsif. Il se reconnaît une filiation avec des artistes comme Piet Mondrian, Maurits Escher, Joan Miro, Beverly Pepper ou Theo Janssen.
Ses préférences vont à l'assemblage, à l'art cinétique, et son travail exploratoire tend à toujours repousser les limites et les spécificités des techniques employées.
Wim Geefshuysen a été nommé au Prix Lei Albrecht et est lauréat du concours de l'académie des beaux-arts de Genk (B). Son travail a aussi été montré parmi les expositions du Parcours de sculptures de Venlo (NL), du Jardin de Horne (Heers, B), de la Kunstroute Europapark (Sittard, NL) et de la Galerie Grunewald (D).
Wim Geefshuysen

Wim Geefshuysen, Pégase, verre et acier, 160 x 30 x 30 cm, 2010.

Wim Geefshuysen, van oorsprong apparatenbouwer afkomstig uit Brunssum en woonachtig in Sittard. Al vanaf zijn vroege jeugd bezig met vormgeven en visualiseren van ideeën. Begin jaren 90 begonnen met het experimenteren met verschillende materialen en volgen van workshops om zijn vaardigheid te ontwikkelen.
Hierdoor kwam hij in contact met kunstenares Carine Canton. Welke hem adviseerde lessen te volgen, aan de academie voor plastische kunst te Genk (B).
Gestart als leerling van Jan Praet, en in 2003 afgestudeerd in de hoogste graad, in 2005 in de specialisatiegraad beeldhouwkunst.
Hij probeert in elk materiaal de eigenschappen zodanig te gebruiken dat er een strak en boeiend kunstwerk uit ontstaat. Met een achtergrond als metaal bewerker is de keuze voor ijzer voor de hand liggend maar niet vanzelf sprekend. Hij maakt gebruik van elk denkbaar materiaal zoals kunststof, brons, steen, terracotta en glas. Het liefst in een combinatie van genoemde materialen. Buiten de mogelijkheden van het gebruikte materiaal , ligt de uitdaging vaak eerder in de restricties ervan.
Zijn werk zijn abstract constructieve composities, en laten zich het best omschrijven als modern expressionistisch. Presentatie vind hij belangrijk zodat vaak het armatuur of sokkel ook deel uitmaakt van het werk. Zijn persoonlijke en inspiratie en interesse vind hij in de mythologie, natuur en geometrische vormen.
Hij experimenteert graag intuïtief en impulsief. Maar werkt vaak naar allegorische thema's. Kunstenaars die hem erg aanspreken zijn ; Mondriaan, Escher, Joan Miro, Beverly Pepper en Theo Janssen. Zijn voorkeur gaat uit naar diverse disciplines zoals, Assemblage, Conceptuele en Kinetische kunst... In zijn werk probeert hij herhaling te voorkomen en zijn techniek steeds verder uit te diepen in welk materiaal dan ook.
Wim Geefshuysen

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Marie-Thérèse De Clercq / Frédéric Materne

2016-12-27T09:05:04Z

Sommaire

À la galerie du domaine de Wégimont à Soumagne,
du 21 janvier au 26 février 2017 –
Vernissage le vendredi 20 janvier à 18h30

Frédéric MATERNE sera présent à la Galerie
le samedi 11 février de 14 h à 17 h.
Rencontre conviviale avec l'artiste autour du verre de l'amitié.

Van 21/1 t/m 26/2/2017 (vernissage vrijdag 20 januari om 18u30) getoond worden in la Galerie de Wégimont, domaine provincial de Wégimont (entrée bas), 76 chaussée de Wégimont à 4630 Soumagne.
De tentoonstelling is te bezoeken op zater- en zondagen van 14 tot 18u en op afspraak (0477.389.835).

Frédéric Materne

« En visitant ce musée, j'ai été frappé par ce que les fenêtres donnaient à voir. L'art, l'œuvre sont-ils dans les salles ou hors d'elles ? En regardant au travers de ces ouvertures, fenêtres sur la ville, je voyais des paysages, des formes abstraites, des peintures classiques et modernes... » Ainsi débute « Sofia Museum Madrid », série réalisée au dernier étage du musée de la Reine Sofia à Madrid en 2015.

Frédéric Materne, de la série « Cosmos », Japon, 2015.

Ailleurs (aux Açores), il s'agit d'une promenade terrestre, d'une recherche de calme et de soi, de la saisie d'un reflet, d'un souvenir... « Les photographies sont des peintures d'instants de vie et d'un parcours sur des îles d'une profondeur et d'une beauté sans frontières. » Ailleurs encore (nous sommes à présent à New York), c'est un décor, une rencontre, des taxis… du calme et de la douceur (« eh oui, New York, c'est aussi ça ! »)… une ville, des pas, des vues, des points de vues…
Pour sa série « 15m2 », après plusieurs voyages au Japon, le photographe s'est isolé dans un logement exigu : quinze mètres carrés pour voir, sentir, écouter, rêver, sans distraction extérieure : une sorte de réflexion intime, un chemin de vie, une retraite. On teste là les limites d'un pays, d'un lieu et celles de sa propre conscience. Le matin, la journée, la nuit, les sons, les senteurs, les silences donnent à penser et dessinent des images : une mise au point pour la photographe, et une invitation pour le spectateur, à voyager, à parcourir des mois et des années, à effleurer les apparences. De sentiments mitigés en monochromes instantanés, s'effacent les douleurs, reprennent des couleurs.
Dans la foulée, les « 15m2 » se sont transformés en un périple autour d'un bloc de maisons : c'est la série « Cosmos ». « Un peu comme la vie nous donne et nous reprend, ce parcours photographique donne à voir une voiture recouverte d'une bâche, un mur transpirant de la moiteur de l'humidité ambiante, des câbles électriques attendant les notes d'une mélodie, ou indiquant des chemins à suivre. Au loin, on retrouve un côté plus naturel, par ces arbres dessinés à l'encre de chine sur une surface claire. La réflexion sur mon choix est-elle la même ou pas ? Les questions sont là, et les réponses toujours pas. Rien ne dit que la vérité et le chemin choisis sont les bons. Sommes-nous dans un labyrinthe sans sortie, dans un jeu sans solution ? Un rêve me fait quitter ces images, et finalement je ne sais plus par qui ni où ces photographies ont été prises… »
Funambule sur une grammaire sensible et fragile qui n'appartient qu'à lui, Frédéric Materne parcourt la photographie depuis plus de vingt ans (et sa sortie, diplôme en poche, de l'École supérieure des Arts Saint-Luc). Depuis le temps, il en a fait, des choses… animé des ateliers, organisé des voyages et des conférences, remué ciel et terre pour ses étudiants, ses protégés, à l'Académie de Spa ou aux cours du soir à Liège… Expérimentateur et touche-à-tout (notamment aux techniques anciennes et aux pensées orientales), il nous invite ici, sur ses traces légères, à une promenade entre éveil et sommeil, dans un monde à bas bruit et où, rare, la lumière est d'autant plus belle…
Emmanuel d'Autreppe

« I will write peace » Marie-Thérèse De Clercq

Sûrement Erik de Smedt voit-il extrêmement juste lorsqu'il affirme qu'il ne faut pas voir, dans la façon d'aborder la photographie de Marie-Thérèse De Clercq, la retranscription d'une réalité, mais bien plutôt l'expression d'une intériorité : « S'il y a une chose dont Marie-Thérèse De Clercq ne se préoccupe pas, c'est le côté “ réaliste ” de son travail (dans le sens reconnaissable). “ À quoi sert la précision en profondeur si elle ne va pas de pair avec une profondeur de sentiments ? ”. Avec cette phrase du photographe américain William Eugene Smith elle révèle l'essence de sa relation au médium. La caméra n'est pas fixée sur ce qu'il y a à voir “ à l'extérieur ”, elle se trouve à l'intersection d'un monde interne et externe qui s'influencent continuellement. Dans ses photos, il y a toujours plus que ce que l'on voit. L'image qui à cause du type de médium utilisé est basée sur des éléments visibles, s'éloigne petit à petit de son aspect “ identifiable ”. Les perspectives deviennent des visions. »

Marie-Thérèse De Clercq, War ! What is it good for, de la série « I will write peace ».

Complétée ici librement par d'autres images de la photographe, dialoguant avec des textes ou partie encore à la rencontre d'autres impromptus, la série de Marie-Thérèse De Clercq « I will write peace » a été montrée en avant-première au Wiels, à Bruxelles, en septembre 2015 dans le cadre de leur vaste programmation thématique « International Visual Poetry » ; elle l'a été également en mai 2016 à Eindhoven, à l'invitation de Brakke Boeken.
L'idée de cette série était conçue à l'origine comme une réponse, sous forme d'installation dans la cathédrale Saint-Martin d'Ypres, à la question « Who cares ? » et à l'intitulé, « Tempus horribilis », d'une exposition collective sur la Grande Guerre. Le titre même de la série de photos « I will write peace » est tiré du message de Sadako Sasaki (Hiroshima, 1943-1955), écrit sur une de ses « grues en papier plié » :

I will write peace
on your wings
and you will fly
all over the world

L'ample portée symbolique de ce simple énoncé (J'écrirai [la] paix/sur tes ailes/et tu voleras/de par le monde) prolonge de façon naturelle la façon dont la photographe elle-même définit ou aborde sa pratique : « Mes images signifient pour moi une façon de faire le lien avec l'énoncé de Paul Eluard : “ C'est une histoire bien connue que je conte, c'est un poème célèbre que je relis : je sus appuyé contre un mur avec des oreilles verdoyantes et des lèvre calcinées. ” Le résultat de mon travail n'est autre que le début de mon récit. Le visiteur est confronté aussi bien de façon littérale que figurée à un Spiegel im Spiegel : une image le confronte à lui-même. La question et l'affirmation trouvent-elles ici une réponse dans le “ I care ? ”… »

Marie-Thérèse De Clercq, The Forges of hell, de la série « I will write peace ».

Miroir questionnant, reflet de la grande Histoire et d'une pensée intime, accompagnée ou non de poèmes et d'épigrammes librement suscités par elles, les photographies de Marie-Thérèse De Clercq sont bien ces « écritures de lumière » que nous dit l'étymologie : elles tracent des signes lisibles, appellent des mots mouvants, éclairent du dedans une mémoire changeante…

Kijk, uit de ruïne
die ik was
rijst een monument
van vrede
Lichtscherm,
Erik de Smedt

Vois, de la ruine
que je fus
s'élève un monument
de paix
Écran de lumière,
Erik de Smedt
(traduit du néerlandais par Françoise Wuilmart)

Sieh, aus der Ruine,
die ich war,
erhebt sich ein Denkmal
des Friedens.
Lichtscherm,
Erik de Smedt

Fotobeelden van Marie-Thérèse De Clercq, ver·taal·d in Lichtscherm

I will write peace

1. Op een zomerse zondag belandden 10 fotobeelden van Marie-Thérèse De Clercq in mijn mailbox – samen met de vraag of ik zin had er iets over te schrijven. Eerder had ik al een keer een essay over haar werk geschreven : de grondgedachte was dat fotografie bij haar geen realistische weergave van ‘de' werkelijkheid is, maar een verbeelding van het innerlijk.

Een citaat :
[Als er één ding is waar de fotografe Marie-Thérèse De Clercq zich niet om bekommert, is dat het ‘realistische' karakter van haar werk. “Wat baat het een grote scherptediepte te gebruiken als er niet voldoende gevoelsdiepte is ?” Met deze uitspraak van de Amerikaanse fotograaf W. Eugene Smith legt ze de kern van haar omgang met het medium bloot. De camera is niet gefixeerd op wat er ‘buiten' te zien is, hij bevindt zich op het snijpunt van een innerlijke en uiterlijke wereld die elkaar voortdurend beïnvloeden. Er is in haar foto's altijd meer dan wat je ziet. Het door de aard van het medium uiteraard op zichtbare elementen gebaseerde beeld zingt zich los van zijn ‘identificeerbaarheid' … Uitzichten worden inzichten.]

2. Toen ik de cyclus van tien foto's, bijeengebracht onder de noemer ‘I will write peace' bekeek, wist ik dat er geen essay bij deze reeks zou ontstaan.
De fotobeelden zijn stuk voor stuk zo indringend en tegelijk zo kwetsbaar dat ze (in mijn ogen) geen discursieve omweg, zelfs geen afstandelijke duiding toelaten.
Wat de beelden in mij wakker maakten, moest in een geconcentreerdere, directere vorm tot uiting komen – een vorm die ook iets van het suggestieve, van de concentratie en de stilte van de foto's zou bevatten.

3. Het werden tien epigrammen : korte, vierregelige verzen. Ze spreken een beeld aan, laten het in de ik-vorm zelf spreken of halen er een kwintessens uit naar voren.

4. Net als in Marie-Thérèses fotobeelden zit er in de epigrammen, na elkaar gelezen, een lijn, een gedachtegang, misschien zelfs een verhaal. In elk geval iets wat meer suggereert dan expliciteert.

5. In het boekje waarin de fotobeelden en de epigrammen zijn gebundeld, staan beeld en woord op bladzijden tegenover elkaar. Epigrammen mogen eigenlijk niet worden losgemaakt van datgene waarbij ze zijn ontstaan. Het zijn beeldgedichten die hun beeld nodig hebben.

6. De titel van de tien epigrammen ‘Lichtscherm' verwijst naar de essentie van fotografie zoals Marie-Thérèse De Clercq die opvat : het gevoelige schrijven met licht.

7. Omdat fotografie een universele taal spreekt, vond ik het passend dat ook de epigrammen in meer dan één taal toegankelijk werden. Achterin de bundel zitten een Franse, Duitse en Engelse vertaling : Écran de lumière, Lichtschirm, Light Screen – een omzetting van Lichtscherm, dat de beelden van ‘I will write peace' in woorden vertaalde.

Erik de Smedt

Photos-images de Marie-Thérèse De Clercq, traduites en ‘Ecran de lumière'

I will write peace

1. Un jour d'été 10 photos-images de Marie-Thérèse De Clercq ont atterri dans ma boîte mail – me demandant si elles m'inspireraient pour les illustrer d'un texte. J'avais déjà écrit un texte à propos de son travail précédemment : l'idée de fond était que la photographie chez elle n'est pas une reproduction réaliste des choses mais plutôt l'image d'un monde intérieur.

Une citation :
[S'il y a une chose dont Marie-Thérèse De Clercq ne se préoccupe pas, c'est le côté ‘réaliste' de son travail (dans le sens reconnaissable). « A quoi sert la précision en profondeur si elle ne va pas de pair avec une profondeur de sentiments ? ». Avec cette phrase du photographe Américian W.E. Smith elle révèle l'essence de sa relation au médium. La caméra n'est pas fixée sur ce qu'il y a à voir ‘à l'extérieur', elle se trouve à l'intersection d'un monde interne et externe qui s'influencent continuellement. Dans ses photos il y a toujours plus que ce qu'on voit. L'image qui à cause du type de médium utilisé est basée sur des éléments visibles, s'éloigne petit à petit de son aspect ‘identifiable'… Les perspectives deviennent des visions.]

2. Lorsque je découvris la série de 10 photos rassemblées sous la dénomination ‘I will write peace', je sus que je n'écrirais pas d'essai cette fois-ci.
Les photos-images sont chacune si pénétrantes et sensibles que (à mes yeux) elles ne tolèrent pas de description ni de mise à distance par quelqu'explication qui soit.
Ce que ces images éveillaient en moi devait être exprimé sous une forme plus concentrée, plus directe – une forme qui exprimerait également quelque chose de la subjectivité, de la concentration et du silence contenus dans ces photos.

3. Ce sont devenus 10 épigrammes : des vers courts de 4 lignes. Ils s'adressent à une des images – la laissent parler en ‘je' ou en mettant une quintessence en évidence.

4. Tout comme dans les photos-images de Marie-Thérèse, il y a dans les épigrammes lus les uns à la suite des autres un tracé, une pensée, peut-être même une histoire. De toute façon quelque chose de plus que ce qu'ils explicitent.

5. Dans le petit recueil où les photos-images et les épigrammes sont rassemblés, l'image et le mot se trouvent sur des pages qui se font face. Les épigrammes ne peuvent en fait pas être séparés de ce dont ils sont issus. Ce sont des poèmes images qui ont besoin de leur image.

6. Le titre des 10 épigrammes, ‘Ecran de lumière' fait référence à la photographie telle que Marie-Thérèse de Clercq la conçoit : l'écriture sensible éclairée.

7. Comme la photographie est un langage universel, j'ai trouvé qu'il convenait que les épigrammes soient accessibles en plus d'une langue. A l'arrière du recueil se trouvent une version française, allemande et anglaise : Ecran de lumière, Lichtschirm, Lightscreen – une conversion de Lichtscherm qui traduit les images de ‘I will write peace' en mots.

Erik de Smedt
Traduit du néerlandais par Mireille Powis de Tenbossche

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Les Saisons de la Photographie

2016-10-12T07:39:39Z

Les Saisons de la Photographie

Au Centre culturel de Soumagne et à la Galerie de Wégimont

Du 14 au 23 octobre 2016
Vernissage le 14 octobre à 18h à Soumagne
Vernissage le 15 octobre à 11h à Wégimont

« Les Saisons de la Photographie » sont bien un festival, au sens premier du terme, comme l'ont voulu ses créateurs. En plus des expositions, ouvertes sur plusieurs lieux pendant dix jours, cette nouvelle manifestation vous offre des rencontres, des rendez-vous et des événements divers, en toute convivialité.

Jim Sumkay, Warszawa, 2015.

Pendant « Les Saisons de la Photographie » vous verrez, reverrez les travaux de photographes connus, reconnus ou à découvrir. Vous pourrez aussi les rencontrer, à l'occasion du vernissage avec les artistes exposés.
Pour les curieux de tout, notre soirée « Voyage » vous fera traverser le monde « d'Ouest en Est ». La conférence, elle, détaillera de façon juste mais décontractée le phénomène du selfie, et la technique de la gomme bichromatée vous sera présentée lors d'un atelier ouvert à tous au Centre culturel de Soumagne.
Humain, accessible, proche de vous, le festival est organisé de façon à ce que chacun puisse en profiter un maximum, chaque jour et à tout moment. Les horaires sont d'ailleurs adaptés pour ceux d'entre nous qui ont déjà une vie très active !
« Au coin de la rue » est le thème que nous avons retenu pour cette première édition. Puisse-t-il nous inviter à regarder autour de nous, à voir ce qui est de notre proximité, par le regard singulier des artistes que nous avons choisis, et dont nous ne doutons pas qu'ils sauront vous surprendre.

Florian Tourneux, sans titre, Italie, 2015.

Des rues de Soumagne au Centre culturel, de la Galerie de Wégimont à la chapelle d'Evegnée en passant par le Centre Sportif et l'ancienne Coopérative, nous vous souhaitons beaucoup de bonheur à découvrir ce festival.
« Les Saisons de la Photographie » sont faites pour vous. Venez en curieux, en couple, entre amis et en famille : chacun y trouvera son plaisir !
L'équipe de l'asbl « Les Saisons de la Photographie »

Plus d'infos sur : http://www.ccsoumagne.be/index.php?pg=293&id_agenda=196

Entrée : Un badge à 3 euros vous donne accès à l'ensemble des expositions ainsi qu'aux activités (gratuit pour les moins de 12 ans). Les expositions sont accessibles aux personnes à mobilité réduite.

Contacts : Les Saisons de la Photographie asbl
Rue César De Paepe 11 à 4630 Soumagne
M. 0032 486 25 90 81
www.facebook.com/saisonsdelaphoto
www.saisonsdelaphoto.be
info@saisonsdelaphoto.be

Les manifestations organisées par l'asbl Wégimont Culture le sont
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

EXCEPTIONNELLEMENT : ouvert en semaine de lundi au vendredi de 14 à 19 heures

Terres intimes et paysages

2016-09-07T08:14:04Z

Du 29 octobre au 11 décembre 2016
Vernissage le vendredi 28 octobre 2016 de 18 à 20 h

« Terres intimes et paysages »

Exposition d'une sélection de peintures et photographies de la collection de la Province de Liège.

Georges Leplat, Avant la moisson dans le Condroz, 2000.

Après une exposition consacrée à l'artiste Jean-Luc Herman en 2013 ainsi qu'une sélection de gravures de la collection de la Province de Liège dans le cadre de la Biennale de la gravure en 2015, je suis ravi de collaborer à nouveau avec Wégimont Culture et la Galerie de Wégimont en 2016. Ces initiatives permettent en effet la circulation des œuvres vers d'autres publics et offrent une lecture à chaque fois différente de cette collection en regard des thématiques choisies.
Une des priorités de la politique culturelle de la Province de Liège est de valoriser sa collection en organisant des expositions dans notre province, mais également à l'étranger afin de privilégier les rencontres entre les nombreuses œuvres de cette collection et le citoyen.
C'est donc un plaisir de répondre positivement à l'invitation de Wégimont Culture en axant cette nouvelle exposition sur le paysage et l'intimité que l'homme crée avec ce dernier. La peinture de paysages de la province de Liège traverse les époques, les lieux. Parallèlement, elle témoigne aussi de la diversité des styles picturaux, de l'intimité singulière que l'artiste noue avec son territoire. Ces
œuvres nous emmènent dans la campagne du Condroz, dans nos forêts, le long de la Meuse ou encore face à la mer…
Pour cette exposition, peintures et photographies dialoguent de façon inédite et invitent le spectateur à traverser terres intimes et paysages.

Paul-Émile Mottard,
député en charge de la culture

Alfred Martin, Matin d'automne (Amblève).

Parcourir des yeux la forêt, s'arrêter au bord de l'eau, se perdre dans un ciel d'orage ou contempler la mer… Cette exposition invite le corps du spectateur tout autant que son esprit à une rencontre intime avec le paysage. Le choix de ces œuvres, provenant de la collection de la Province de Liège est délibérément éclectique, comme en témoignent par exemple, les photographies de Jacky Lecouturier ou de Jonathan Berger qui dialoguent avec la peinture de Louis Mehaignoul. Offrir au public un parcours sensible afin de lui faire (re)découvrir autrement cette collection et sortir des sentiers battus d'un paysage à l'autre sont pour nous des perspectives de travail essentielles au sein du service culture.

Thomas Freteur, 2016.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.