Wégimont Culture

Aux lueurs de printemps (Biographies)

2019-04-27T08:29:39Z

Charlotte BEAUDRY

Née en 1968
Vit et travaille à Bruxelles
http://www.charlottebeaudry.net/

Artiste autodidacte, Charlotte Beaudry est avant tout une peintre, une pratique qu'elle enrichit de dessins, vidéos, performances et sculptures.
En 1987 elle interrompt ses études d'art pour rejoindre son frère Pierre Beaudry, décorateur, à Londres où elle se dédie à la pratique de la fresque et du trompe-l'œil.
De retour en Belgique, l'artiste sera remarquée en 2003 lors d'une exposition personnelle et remporte en 2005 le prix de peinture Georges Collignon décerné au Musée d'Art moderne et d'Art contemporain (Liège).
Son travail interroge essentiellement les rapports entre la féminité́ et sa représentation, confrontant son expérience intime à une réalité́ sociale plus large.
Après une longue période picturale consacrée à l'évolution d'une adolescente, succède aujourd'hui une iconographie étendue aux objets ou aux attributs féminins (parures, ornements, accessoires) dont l'artiste éprouve le potentiel formel, métaphorique et symbolique.
Traversée par une énergie brute teintée d'impertinence ou d'espièglerie, Charlotte Beaudry explore un répertoire visuel et sensible issu notamment des cultures post-punk, des études de genre ou de l'érotisme.
Entre de petits formats – adaptés à la finesse des détails – et des toiles plus monumentales caractérisées par de surprenants changements d'échelle, Charlotte Beaudry renouvelle les possibilités de la peinture figurative à laquelle elle apporte invention formelle et engagement conceptuel.
À la fois investie dans la matérialité́ de la peinture et attentive aux ambigüités des séductions de l'image, Beaudry - telle une Virginie Despentes picturale - poursuit une œuvre cohérente et farouchement indépendante qui dresse le portrait subtil et cru de la féminité́ contemporaine.

Fernand BREE

Né en 1910 à Duffel, décédé en 1986

Professeur à l'Institut Saint-Luc de Liège pendant 35 ans, réalisateur de décors de théâtre et critique d'art, Fernand Bree est connu essentiellement pour ses paysages du pays de Herve, mais également de Provence, de Bretagne et d'Autriche.
Reconnu comme l'un des plus sensibles impressionnistes de sa région, il s'adonne à la pratique de plusieurs techniques caractérisées par une finesse du trait, un kaléidoscope de couleurs et un éventail de lumières. Même s'il y a une prédominance de la peinture à l'huile dans son œuvre, vers la fin de sa carrière, Fernand Bree réalise des dessins à la plume d'une sobriété et d'une puissance d'évocation remarquables.

Yves BUFFALO

Né en 1971
Vit et travaille à Flémalle
https://www.yvesbuffalo.com/#!

Peintre autodidacte, Yves Buffalo travaille à partir de photographies ou de détails de photographies qui évoquent un moment précis, un souvenir ou un lieu significatif à ses yeux et les (re)transforme en une nouvelle composition picturale.
Son rêve est de sauver le monde. Avec ses pastels, ses huiles et encres il recrée un univers doux, sensible et décalé et réinvente un nouveau départ pour ce monde qui s'autodétruit et brûle. Un monde meilleur où la Nature s'échappe au grand prédateur, l'Homme.
Peindre avec légèreté, de l'humour, des couleurs vives et joyeuses, est mon moyen de retrouver une illusion de puissance et d'échapper à l'angoisse de la destruction.
La peinture agit aussi comme une manière de replonger dans l'enfance, de l'insouciance et des découvertes innocentes, à la recherche du temps perdu.
Mon travail se traduit en un moyen d'agir, une quête de l'impossible- la volonté de revenir en arrière, avant la tragédie- une fuite, un refuge, une dénonciation, une volonté de comprendre.
Sa peinture est caractérisée par une épure maximale, une grande simplicité, donnant vie à des dessins très détaillés, avec une explosion de couleurs et complexes quant aux formes et à l'équilibre des nuances.

Brigitte CLOSSET

Née en 1958
Vit et travaille à Liège

Toujours active sur la scène artistique, l'artiste liégeoise inscrit sa démarche picturale dans une quête de pureté, tout en tentant d'élever la peinture à une expression parfaite, elle propose aussi l'interaction des blancs qui dialoguent avec l'espace voisinant.
Un blanc parfois coquille d'œuf, mais plus souvent blanc cassé, voire grisé bleu : des variations, qui incitent le spectateur à (ré)apprendre l'art de regarder.
Il faut se donner le temps de contempler pour découvrir les rythmes des variations optiques.
Son œuvre se prête à des lectures multiples et différentes, les monochromes sont brisés par des éclats de lilas, coquille d'œuf ou vertes.
Sa démarche artistique est dominée par l'acte de sonder la dimension verticale et les formes ovales, créant un rejet du strict cloisonnement et une ouverture floue plongée dans une atmosphère nacrée.

Guy DACOS

Né en 1940 à Huy, décédé en 2012 en France
http://dacos.org/

Avant ses 30 ans, il voyage et étudie la gravure en France, en Italie, en Pologne, au Portugal, puis fonde une famille à Méthamis, dans le Vaucluse.
Devenu professeur de gravure à l'Académie des Beaux-Arts de Liège, il se consacre à la formation des jeunes graveurs et à la diffusion de cet art.
À Liège - ainsi qu'à Vila Nova de Cerveira au Portugal -, il est à l'origine des Biennales de la gravure. Fidèle à la défense de la gravure comme art à part entière, il a longtemps animé l'association La Poupée d'encre, devenue la Nouvelle Poupée d'Encre, et a dirigé de nombreux ateliers à Vila Nova de Cerveira. Il a été récompensé par plusieurs prix.
Ses œuvres figurent dans divers musées, bibliothèques, ou coopératives de graveurs, en Belgique, en France, en Espagne, au Québec, au Portugal, en Pologne, et à Cuba. Selon son souhait, l'ensemble de ses gravures a été déposé au Cabinet des estampes et des dessins du musée des Beaux-Arts de Liège.
Ses gravures, teintées d'une forte composante politique, tracent l'histoire du monde contemporain, de sa confusion, son désordre, sa violence. Sa création puise sa substance, non dans les traditions artistiques ou culturelles, mais dans une existence réelle et vécue. Tous ces éléments se fondent sur la plaque sans recherche ou calcul préalable (Cfr. Jean-Pierre Rouge, Art et Métiers du livre, 1989 n°154).

Michaël DANS

Né en 1971
Vit et travaille à Liège

Polyvalent, d'une production éclectique qui le mène du dessin à la peinture, de la photographie à l'installation ou encore à la performance, Michaël Dans opère une exploration d'un large spectre en créant des détournements, des décalages souvent teintés d'une ironie qui lui permet d'aborder les choses avec une certaine distance.
Les œuvres de Michaël Dans se présentent comme des espaces non fixés, assez mystérieux, prenant l'humour comme moyen d'agiter les esprits.
Michaël Dans, comme le souligne Jena Michel Botquin dans son texte « Still life », développe dans cette série de photographies un ensemble de natures mortes, il renoue avec la notion d'illusion et de trompe l'œil l'enfance, la solitude, une certaine mélancolie, l'introspection, l'érotisme, la mort sont autant des fils conducteurs.

Anne DENIS

PETITE HISTOIRE ou comment tout commence et rien ne cesse.

Mon intérêt a d'abord été pour la philosophie, mais je me suis vite rendue compte que je ne pourrais pas mener une telle existence dans les mots. Il me fallait travailler avec mes mains, ne pas me réduire à un cerveau pensant. D'ailleurs penser à partir de quoi, quand on a si peu vécu ? Il me fallait explorer d'autres parts de ma vie, plus concrètes. Il me fallait me nourrir, mener mon questionnement au cœur de la vie. La pratique artistique s'est imposée : elle me permettrait de mener la même recherche, mais avec l'aide de la matière. C'est en interagissant avec elle, qu'elle m'apprendrait plus directement son altérité. Mais je devais avoir l'intuition - et la peur - de la puissance tapie au cœur de la matière, car à vrai dire je choisis le médium le moins « matériel » qui soit, la photographie : écrire avec de la lumière !
J'ai mené cette pratique pendant dix ans. Je travaillais par séries, et chacune d'elles me permettait de fouiller le même questionnement, la même interrogation qui m'avait poussée à étudier la philosophie. Par l'image, il s'agissait pour moi d'interroger ce lien étrange : la possibilité même de faire des images, comme exemplaire de la capacité humaine à entrer en contact et à interpréter le monde. Explorer le lien entre l'être humain et le monde, explorer la réalité qui entoure l'humain, et le réel duquel tout cela vient (?). En quelque sorte, je faisais de la métaphysique pratique. N'est-ce pas ce que l'art a toujours fait ?
Mais dans chacune de ces séries, je détournais l'image photographique « standard », nette et précise, lisible et décodable au premier coup d'œil. Je ne me résolvais pas à produire des images conformes à l'apparence « normale » des choses. Je travaillais longtemps en laboratoire afin d'essayer d'insuffler à chaque image une épaisseur, une densité à laquelle j'aspirais et qui me faisait défaut dans la surface lisse de la photographie conventionnelle. Souvent le flou m'a servi comme moyen d'indistinction, espace d'indifférenciation entre le sujet et l'objet. En tout cas, il s'agissait toujours de l'aspiration à trouver une certaine communauté entre l'humain et l'autre, entre le dedans et le dehors.
Un jour je déménage à la campagne, et je me découvre une nouvelle façon d'être. Je prends contact avec la terre, enfin. Tout change. J'expérimente dans ce contact avec la nature ce lien dont j'ai l'intuition depuis longtemps, et qui m'échappait continûment : notre appartenance mutuelle. J'intègre par le corps ce qui m'échappait toujours quand j'essayais de l'attraper par les mots. Du coup, la photographie ne me suffit plus. Ma pratique doit s'adapter à mon expérience de vie. Je commence timidement à peindre. C'est par là que je plonge enfin dans ce lien entre l'œil et la main, que j'acquiers cette connivence avec la matière.
En août 2003, je fais un pas plus loin, je commence à vivre dans mon mobil home, toujours dehors, dans les prés et dans les bois. C'est là aussi que je peins. C'est mon atelier nomade. Je fais de longs séjours en France et dans les Pyrénées espagnoles, avec une prédilection pour les lieux reculés, là où la grandeur et la rudesse de la nature obligent l'homme à rester à sa juste place. Eprouver un peu la peur suscitée par un orage en montagne, s'angoisser de la solitude trop grande et de notre petitesse dans le monde, s'endormir et se réveiller le matin avec le bruit de l'eau qui court, et qui a couru dans mes rêves, écouter le concert des grenouilles ou des criquets, tout cela fait partie de l'expérience qui est à la base même de ma peinture. Je peins dehors, l'eau qui coule en rivières et l'immobilité des rochers. La nature m'apprend ce que je cherche depuis si longtemps.
J'utilisais l'appareil photographique comme illusion de non intervention humaine : des photons imprimaient leur image sur une plaque sensible. En expérimentant la peinture, je découvre que je n'ai pas besoin d'appareil, qu'à la place de l'illusion qu'il m'offrait, la matière picturale et le geste humain me donnent accès à une évidence : il y a un passage possible, au sein même de l'être humain, pour que les choses extérieures, l'autre, puissent nous traverser sans filtre, sans déformation, ou presque. Et alors effectivement leur image n'est pas conforme à leurs apparences. Je passe d'une illusion conceptuelle, intellectuelle, mentale, à une certitude de vie, une évidence : un bloc de réel surgit à travers moi, dont je fais partie et dont je suis aussi essentiellement constituée.
Quelque chose s'apaise,
Quelque chose s'angoisse.
Tant de puissance effraie
Le frêle humain
Qu'elle traverse.
Voilà, je suis partie vers l'exploration de notre noyau, de notre centre secret, par lequel nous appartenons à ce qui nous entoure.
Pour moi, une des portes possibles vers ce mystère passe par la solitude au sein de la nature.
Cette solitude permet l'observation : l'observation de la nature, certes, mais surtout l'observation de l'écho de ses forces en nous, ou de leur latence.
Et la peinture est pour moi un moyen privilégié d'exercer cette observation : observer le dehors, les formes, les forces, et observer que ces mêmes formes, ces mêmes forces s'exercent à l'intérieur de nous.
Quand je peins, je ne peins pas seulement avec l'œil, je peins avec les sensations qu'éprouve mon corps. C'est tout le corps qui ressent ce que l'œil voit, et c'est le corps qui y répond par sa gestuelle, sa puissance ou sa retenue, sa vitesse ou sa lenteur. Je ne choisis plus, je ne décide plus, je suis mise en action par autre chose que le centre habituel de mes décisions.
Je fais l'expérience de notre communauté avec l'autre de l'humain, et cette évidence est devenue mon bien le plus précieux.

Anne Denis

François GOFFIN

Né en 1979
Vit et travaille à Liège
http://www.francoisgoffin.com/

Ce photographe originaire du Condroz est venu à la photographie en se plongeant dans un livre d'Hubert Grooteclaes qui était ami avec le chanteur Léo Ferré.
Sa deuxième rencontre en photographie est son professeur Lucia Radochonska qui lui donne confiance dans ses choix, ses cadrages si particuliers.
Dans une interview accordée à Jean-Louis Godefroid en juillet 2009, François Goffin commente la série de photos intitulée « Les choses simples » :
J'aime que la photographie reste vraiment un plaisir. Quand je fais « Les choses simples » je vais juste chercher les images et il y a à chaque fois un sentiment profond de liberté. Il y a bien entendu une volonté poétique derrière le travail, sans pour autant revendiquer d'être poète (…)
François Goffin n'a pas la prétention d'accoler des mots à ses images comme autant de légendes explicatives, il est dans le langage visuel, dans la promenade qui amènera l'image à saisir, à donner généreusement à voir au spectateur.

Richard HEINTZ

Né en 1871, décédé à Sy en 1929

Peintre impressionniste belge, surnommé « Le Maître de Sy » ou encore « Le Maître sans école », il peut être considéré comme l'un des artistes liégeois les plus importants de sa génération.
Après des études inachevées à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Liège, il travaille à partir de 1892 à la restauration des tableaux anciens du collectionneur liégeois Adolphe Eymael. Boursier de la Fondation Darchis, il séjourne à Rome de 1906 à 1912, dès son retour sa production artistique connaît une profonde vitalité.
Ses explorations lui permettent de découvrir les secrets des jeux de lumière et il commence à créer ses propres couleurs.
Considéré comme « impressionniste par sa recherche de la sensation du moment, il se distingue cependant des principaux représentants français par sa technique plus large et sa palette plus grasse et souvent plus sombre et profonde » (Parisse). Sa manière de peindre est aussi impulsive. Il a influencé, sans jamais être professeur, un grand nombre d'artistes- peintres de l'école liégeoise du paysage.

Philippe HERBET

Né en 1964
Vit et travaille à Liège
https://herbet.me/

Ce photographe passionné par les voyages adore partir tel un aventurier romantique.
Son travail photographique est vivant et complexe à l'image d'un rhizome qui se déploie.
Depuis plus de dix ans, il parcourt les pays de l'Est : Russie, Kazakhstan, Biélorussie, Ukraine, Caucase.
Le projet Lettres du Caucase. Errance romantique a débuté en octobre 2010 pour se terminer en septembre 2012, après six voyages. Ce projet se décline sous la forme d'une exposition, d'un livre édité par Yellow Now ainsi qu'un livre d'artiste (samizdat) édité en 5 exemplaires.
Ses petites passions, la photographie, l'écriture, la lecture, les trains, les voyages-principalement en ex-URSS-, la condition des femmes, occupent la majeure partie de son temps. Philippe Herbet par la singularité de son talent donne aux spectateurs des images fortes et sensibles à la fois, exigeant il ne va jamais multiplier les images, son œil toujours juste va sélectionner très vite ce que le sujet a à nous dire, nous donner, nous apprendre.

Jacky LECOUTURIER

Né en 1948 à Kortessem
Vit à Les Avins
http://www.jackylecouturier.be/

Jacky Lecouturier photographie comme il respire et nous plonge dans une atmosphère d'intimité, de plaisirs simples, de poésie, de liens profonds avec la nature.
« Saisir les plaisirs de la matière, la propagation de la lumière, la variété des couleurs. Apprécier ce qui l'entoure pour ce qu'il est, pour ce qu'il offre, revenir à l'essentiel, et l'apprécier comme tel. Sublimer l'éclat des choses simples.
Des fragments de vies, des instants fugaces, dans lesquels il nous parle tant de lui que de ce qui l'entoure avec une pudeur et une délicatesse qui lui sont propres.
Adeline Rossion

Elodie LEDURE

Née en 1985
Vit et travaille à Liège

Photographe, diplômée à l'Ecole supérieure des Arts Saint-Luc à Liège, Elodie Ledure nous touche avec sa simplicité faite de vide et d'absence qui cachent encore les traces de la présence humaine. Sa photographie se transforme en aventure, une quête instinctive rencontrant des lieux habités par une vie invisible. Ses images renvoient un monde où la banalité se réinvente et se transforme en réalités, presque, monochromes qui fascinent.
“Le regard d'Elodie Ledure est une projection inventive qui ne s'attarde sur les lieux et les objets de proximité que pour mieux les dédoubler, les déjouer, les dépasser. Tout autant que de plaisir « plastique » (lié notamment aux couleurs) les images d'Elodie nous invitent à des expériences perceptives et cénesthésiques complexes…
Elles semblent souvent manquer délibérément d'échappatoire : peu de profondeur, pas de lignes de fuite ; de grands aplats naturels ou architecturaux font souvent rempart, barrent la vue, attirent notre regard sur ce qui semble clocher dans le cadre, de petits couacs dans l'aménagement du territoire ou dans la cohabitation du naturel et du construit”.
Emmanuel d'Autreppe

Véronique MARTINELLI

Vit à Esneux et travaille à Liège

Véronique Martinelli se dédie principalement à la linogravure où l'impression de mouvement est omniprésente et caractérisée par des traits vibrants à la fois forts et fragiles, les formes glissent comme l'eau qui coule implacablement, hésitant entre évolution et disparition dans une sorte de mouvement perpétuel et immuable. Les matériaux utilisés, en sculpture, sont aussi variés que la terre, la porcelaine, le métal ou les matériaux composites. Son cheminement plastique va toujours vers un dépouillement maximum. L'objectif passe par l'expression d'une sensibilité où le thème de « l'enveloppe », c'est-à-dire la dualité/ opposition entre intérieur et extérieur, est récurrent.

Jacques- Louis NYST

Né en 1942 à Liège, décédé en 1996

L'œuvre de Jacques Louis Nyst est pluridisciplinaire : peinture, écriture, photographie, cinéma et vidéo, précurseur dans le domaine de la vidéo au début des années 70 avec notamment Propositions d'artistes pour un circuit fermé de télévision (galerie Yellow Now, Liège).
Le mélange des supports et le passage d'un moyen expressif à l'autre caractérise sa démarche : ses toiles peintes jouent sans cesse de rapports multiples à la photographie, ses photos, souvent compilées en livres sont accompagnés de textes poétiques et narratifs.
Cet artiste trop peu connu, joue des associations libres pour raconter les objets, le quotidien, dans une poésie flamboyante qui amène une multitude de lectures dans son œuvre.

Christian OTTE

Né à Theux en 1943, décédé à Liège en 2005

Peintre et dessinateur figuratif belge, il se forme aux Académies des Beaux-Arts de Bruxelles et de Liège où il enseignera le dessin.
Dessinateur hors pair, le visage de ses « croqués » rend toute la psychologie ou la détresse du moment, le corps généralement traité en « non fini ».
« Longtemps ma peinture a exprimé mon rapport en distorsion avec l'être humain, cette créature autant haïssable qu'admirable, repoussante qu'attirante, effroyable qu'adorable, dans ses comportements et aspirations ». Il abandonne l'homme pour une croissante tendresse envers l'animal vache, comme une sorte de métaphore d'une large frange de l'humanité.
Après la vache et avant de retrouver l'homme, ce sera la pomme qui interpelle le peintre dans sa simplicité de fruit.

Pierre PETRY

Né en 1945 à Liège, décédé en 2017
http://www.pierrepetry.be/

Pierre Pétry est un sculpteur animalier, un grand observateur, depuis l'enfance, des animaux, de leurs postures, de leurs particularités… Enfant, dit-il, j'étais très introverti, j'observais longuement les bêtes, les fourmis, je n'ai pas de rapports faciles avec les gens. Aussi loin que je me souvienne, j'ai toujours pris les animaux comme sujets.
L'expression qu'il donne à ses animaux, cette façon qu'ils ont de se tenir voûtés, de vous fixer dans le blanc des yeux ou de tourner la tête font immanquablement penser à Esope ou à Jean de la Fontaine qui prêtaient aux animaux des histoires morales pour se faire entendre…
C'est un artiste solitaire dans son espace de travail : il a autour de lui des notes, des livres, des dessins et des photographies qui lui procurent l'inspiration.
Son atelier est un laboratoire, mais lorsqu'il s'agit d'expositions, il accepte que ses sculptures se déplacent ou, plus justement, il accepte à chaque fois que celles-ci vivent leurs aventures presque de façon indépendante.

José PICON

Née en 1911, décédée en 2011

Marie José Léopoldine Picon entre à l'Académie des Beaux-Arts de Liège à 15 ans où elle rencontre Mambour Dupagne, Bonvoisin Jean Donnay, des maîtres exceptionnels.
Le contexte artistique liégeois de l'après-guerre est d'une richesse incontestable, José Picon trempe dans cette atmosphère tourbillonnante et s'oriente très vite vers la peinture non figurative. Son abstraction se précise, au fil du temps, les couleurs sont chatoyantes, elles éclatent dans un tourbillon. José Picon n'appartient à aucun système, elle se cherche, se renouvelle, loin des goûts et des modes elle veut avant tout exprimer l'essentiel, ce que lui dictent son instinct, ses émotions.
Ses recherches de couleurs et mouvement ne cessent de transformer son œuvre, elle ne cessera d'innover. Dès le début ses couleurs vives témoignent d'une force nerveuse et tranquille à la fois. Dotée d'une personnalité hors normes, une des premières femmes à oser la peinture abstraite, José Picon a fortement marqué la vie artistique liégeoise.

Pol PIERART

Né en 1955
Vit et travaille à Embourg
http://www.nadjavilenne.com/pol-pierart.html#.XL8SU4VOIdV

A côté de la pratique photographique de Pol Pierart, l'artiste a ajouté celle du film, le médium est évidement tentant. Il a ses qualités ontologiques, celles d'être, par rapport à la photographie, une succession de photogrammes.
Pierart choisira le super 8, non pas par nostalgie, mais lien pour l'aspect familier, voire même familial du medium, son caractère courant et sans prestige, ce grain de l'image particulier(…) Pol Pierart renoue avec le cinéma muet, ses écriteaux insérés dans l'image, comme dans ses photographies, feront office de cartons.
Dans « Autoportrait avec ma ville » (2005) il raconte du lever, (je ne suis pas encore mort), au coucher (je ne suis pas encore mort), une déambulation dans Liège au gré des paysages urbains, des enseignes et inscriptions en tout genre repérées dans la ville.
Chez Pol Pierart les mises en scène sont simples et directes, tout appartient au quotidien de la vie et du langage.
Des cartons – cartels, des écriteaux, parfois des inscriptions interagissent avec les objets posés dans le champ, voire, lorsque l'artiste quitte l'atelier, avec le paysage urbain. Ce sont de courtes phrases qui fonctionnent comme des énoncés aphoristiques, de petites sentences péremptoires ; elles résonnent comme des slogans, des lieux communs, des phrases de routine ou des annonces publicitaires. Pol Pierart substitue une lettre, un phonème, il remplace un mot par un autre qui lui est proche, phonétiquement ou sémantiquement, il détourne et modifie le sens.

Extrait de L'expérience continue de Jean-Michel Botquin

Sébastien PLEVOETS

Né en 1980
Vit à Angleur

« Certains sujets ou moments m'ont interpellé, sans raison apparente, pour leur existence. J'ai voulu en extirper quelque chose à travers la peinture, transmettre ces bribes de réels sur le plan. Cela demande de broyer ces données visuelles et de les reformuler par la sensation. La peinture représente cette étape de l'intériorisation. Il n'y a plus rien d'autre. Parfois, il y a l'envie d'affirmer, de communiquer, une idée peut-être, en filigrane c'est déjà laborieux. Le mieux, c'est quand ça expérimente. J'y trouve une révélation ou une question, indicible, absurde, qui résonne malgré tout… »

Pascale ROUFFART

Née en 1962
Vit à Liège

Pascale Rouffart a choisi les arts plastiques et particulièrement la terre, comme moyen d'expression. Librement elle ne suit qu'un chemin, le sien, celui qui la relie à cette force invisible qui s'exprime dans son travail. Elle ne retrouve pas la force de son geste dans les mots. Ancrée et singulière, son œuvre émerge de la terre. Animale et puissante, elle se déploie dans une géométrie fragile et sensible, une intelligence intuitive des rythmes et des nombres, des suites, toutes proportions gardées. Pascale Rouffart crée des « Objets » habités d'énergie vitale, généreuse, douce, détachée de notre volonté et, qui nous reconnectent à des rituels immémoriaux.
Virginie Pierre et Michel Leonardi.

Jean Jacques SYMUL

Né en 1952

« Les premières photographies de Jacques Symul avaient pour sujets des objets quotidiens : grattoir, paires de ciseaux, cuillère etc. Les objets y apparaissaient hors de leur contexte, émergeant d'un univers clair, presque irréel, qui leur conférait une dimension emblématique. Comme si ces objets, pourtant connus de tous, se chargeaient d'une nouvelle réalité et condensaient en eux-mêmes toutes les possibilités imaginables. Ils n'apparaissaient plus comme de simples objets, mais l'archétype de ces objets, chargés de toutes les potentialités affectives qu'ils recensaient. En ce sens, on pourrait parler d'un processus d'abstraction du sujet.
Cette manière de poser un regard qui transcende un quotidien commun se perpétue dans les paysages de Jacques Symul. L'artiste refuse l'anecdote du lieu, même s'il s'agit toujours d'endroit qu'il connaît et affectionne. Ses images dépassent les références spatiales et temporelles pour devenir des évocations plus intemporelles. Ses triptyques, autour des rivières par exemple, ne sont plus seulement le témoignage des états transitoires d'un site précis mais évocation possible de tous les états possibles, de toutes les rivières qui traversent des paysages naturels. Les cabanes, érigées dans les champs, à l'orée des bois qui découpent la lumière de leur ombre, sont devenues toutes les cabanes possibles.
Mondes intérieurs, ses photographiques poursuivent une tradition littéraire (ex. Flaubert), picturale (ex. Friedrich) et même cinématographique (ex. Antonioni), qui associe le paysage naturel à une visualisation des états d'âme. Symul traite les éléments extérieurs comme le réceptacle d'une émotion, la cristallisation d'un état affectif en suspension. Ses portraits en sont particulièrement caractéristiques : ils sont moins les retranscriptions des modèles que visualisations de l'affection que l'artiste leur porte […] ».
Pierre-Olivier ROLLIN.

Dani TAMBOUR

Née en 1950
Vit et travaille à Huy
http://www.danitambour.be/
https://www.facebook.com/www.danitambour.be

« Depuis quelques années, je travaille sur le thème du grenier, les greniers de grands-mères où l'on entre sur la pointe des pieds, en cachette, chuuut…sans faire de bruit pour ne pas être pris en flagrant délit de curiosité… »
Cette plasticienne brode, découpe, contourne le motif, assemble des bouts de tissus…
Sensible aux vêtements, aux accessoires (boutons en porcelaine, mouchoirs, gants de cuir féminin) elle résiste par sa poésie à la vitesse de notre monde contemporain qui oublie la beauté des petites choses et place l'intime sans pudeur sur les réseaux sociaux.
Dani Tambour donne un supplément d'âme aux petites choses, aux objets oubliés ; une seconde chance. Elle raconte des souvenirs quotidiens ou s'en invente, elle s'inspire de photos trouvées en brocante et prolonge des histoires.
Ses œuvres sont tactiles, fragiles aussi car elles pointent la fugacité de nos vies, ce qu'il reste de nous dans le creux d'un gant ou le pli d'un mouchoir.

Luc VAISER

décédé en 2018

Photographe depuis plus de 40 ans, Luc Vaiser s'en est longtemps tenu aux subtilités du noir et du blanc. Son passage récent à la couleur et au numérique – retouche incluse –, avait donc de quoi déconcerter. Il invite surtout à chercher une cohérence plus subtile que celle que la technique manifeste : ce qui fait œuvre.
Seuls des aplats écarlates apposés à différentes séries d'images avaient manifesté de façon récurrente sa volonté d'en découdre avec la couleur (comme un contrepoint au silence des œuvres), sinon avec la peinture.
Le travail en diptyque ou triptyque est aussi inhérent à son mode de présentation des photographies – compositions temporaires ou destinées à rester associées. Comme si la photographie seule n'était jamais tout-à-fait complète, nécessitant des juxtapositions d'images très justement dites en regard. D'un regard, ses photos ont donc besoin. Les photographies de Luc Vaiser ne sont pas bavardes : le silence leur est inhérent.
Silencieuse, l'œuvre n'est pourtant pas muette. La découverte de la photographie digitale et de la retouche informatique représente à ses yeux un regain de liberté, car elle permet un surcroît de maîtrise sur le langage photographique- et il ne faut entendre aucune contradiction entre l'appétit de liberté et le souci de la maîtrise. Dans ses dernières séries, Luc Vaiser utilise ainsi pour la première fois des images trouvées sur le net, des portraits d'archives familiales, des mots et des textes. Les instruments de retouche lui permettent d'y travailler le punctum – la fêlure.
Son parcours, nourri d'une vaste culture visuelle et d'une insatiable curiosité intellectuelle, prend alors tout son sens. Si, en tant d'années de photographie, il n'a semblé creuser que des sillons modestes, il a par contre cherché avec constance à porter jusqu'à ses limites le langage de son art. Son style, totalement dénué de romantisme, en découle directement.
Car l'essentiel pour lui est de provoquer cette « explosion (qui) fait une petite étoile (…) à la vitre de la photo ». Et pour cela, il continue à suivre les lignes de fracture de l'image, à creuser la fêlure par laquelle, peut-être, passera la lumière. Qui fait la photographie.

Nathalie VAN DER KAA

Née à Bruxelles en 1969
A fréquenté les ateliers du Créahm Liège de 1994 à 2016.

Dès son arrivée aux ateliers du Créahm, Nathalie Van Der Kaa déploie toute son énergie dans la peinture. Elle y associe différentes techniques telles que le dessin, le pastel et la gravure. Le cadre champêtre où elle réside a indéniablement eu un impact sur ses créations. Sa peinture oscille entre figuration et abstraction, elle y raconte des histoires tirées de son vécu qu'elle situe dans un cadre bucolique. La palette est chatoyante ; le geste est posé avec détermination. Les couleurs se superposent, se frôlent et se choquent. L'artiste a su donner naissance à un vocabulaire singulier, miroir de son imaginaire.
Nathalie Van der Kaa produit des peintures denses, superpose les couches de pigments, expérimente à l'envi et combine les techniques : acrylique, écoline, pastel sec, aquarelle… Si elle porte souvent son dévolu sur des supports de taille modeste, il est toujours étonnant d'observer ce petit bout de femme partir à l'assaut de grands formats pour donner forme à des compositions monumentales.
Sa peinture est faite d'accidents au mépris des règles de composition classique. Elle frappe par le contraste entre le caractère enjoué de sa palette et la brutalité de l'exécution. Les surfaces colorées se frôlent et s'entrechoquent. Ici, un jaune paille éclate au milieu d'une masse bleu roy, là, un vert émeraude s'exalte au voisinage d'une masse allant du cramoisi au rose dragée. Pourtant, en dépit de son caractère tachiste, il s'agit bien d'une peinture figurative qui invite à scruter les moindres recoins. Le spectateur attentif distinguera, au milieu des agglomérats colorés, une nuée de canards, quelques papillons, l'un ou l'autre mouton, des alignements de fleurs, une figure anthropomorphe rapidement exécutée… Tous ces motifs réapparaissent constamment et constituent son vocabulaire graphique de base : un ensemble de signes pictographiques recombinés d'œuvre en œuvre selon des modalités toujours renouvelées.

Aux lueurs de printemps

2019-04-19T07:47:58Z

Du 4 mai au 9 juin 2019
Vernissage le vendredi 3 mai à 18h30
à la galerie de Wégimont Culture

Pour consulter la biographie des artistes, r-d-v à la page ---- > BOIGRAPHIES

Depuis 2013, le Service Culture de la Province de Liège est invité par la Galerie de Wégimont afin de valoriser la richesse de la collection provinciale auprès du public et de présenter des expositions autours de la gravure, du paysage ou du portrait.

Pour cette exposition, nous souhaitons offrir au public une sélection d'œuvres qui célèbre la beauté, la lumière, la couleur et la joie. Sans volonté de classification le dessin, la peinture, la photographie ou encore la vidéo se répondront.

Célébrer avec le public le plaisir de cette saison particulière en l'invitant à parcourir la galerie comme un jardin avec des œuvres de Charlotte Beaudry, Fernand Bree, Yves Buffalo, Brigitte Closset, Dacos, Michael Dans, Anne Denis, François Goffin, Richard Heintz, Philippe Herbet, Jacky Lecouturier, Elodie Ledure, Véronique Martinelli, Jacques Louis Nyst, Christian Otte, Pierre Petry, José Picon, Pol Pierart, Sébastien Plevoets, Pascal Rouffar, Armand Sylvestre, Jean-Jacques Symul, Dani Tambour, Luc Vaiser, Nathalie Van der Kaa. Caroline Coste

Caroline Coste, Service Culture de la Province de Liège sera présente à
la galerie le dimanche 26 mai à partir de 14h.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

La Galerie de Wégimont est située sur le parking bas du Domaine provincial
Chaussée de Wégimont, 76 -4630 – Soumagne
Gsm : 0477 38 98 35
– e-mail : info@wegimontculture.be
Visites les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous
http://wegimontculture.be
Photos Comptoir d'estampes : wegimont.zonerama.com
https://www.facebook.com/wegimontculture

Les Proches

2019-04-16T06:44:23Z

Sommaire

Le 27 et 28 avril 2019
à la galerie de Wégimont Culture

Les artistes vous accueillent durant le week-end de 14 à 18h avec le verre de l'amitié.

Le week-end des 27 et 28 avril 2019, de 14h à 18h, Wégimont Culture mettra à disposition sa galerie pour des artistes proches de notre association.
Cette exposition « Les proches » est simplement encadrée par quelques membres du comité qui désirent faire connaître davantage quelques artistes passionnés par leur art.
Cette année, nous aurons le plaisir d'accueillir Elisabeth Biemar, Yves Duchateau et Marlène Palley.

Elisabeth Biemar

Depuis quelque temps, pour combler ses loisirs, elle s'adonne à la peinture dans divers ateliers. Elle y découvre l'aquarelle, qui est pour elle, une « Histoire d'eau ».
Alors elle structure son espace
Libère ses limites
Ne contrôle plus tout
Dépasse la peur de dépasser
De déborder
Elle prend le risque
Elle fait confiance à son imaginaire
Elle se fait confiance !
— « prendre un temps pour soi, c'est ressourcer sa disponibilité aux autres ».

Yves Duchateau

La variété des genres graphiques est l'antidote de la routine et refuse toute idée de production.
La construction d'un tableau est en perpétuelle évolution, l'issue finale, de ce fait, est imprévisible. Le plaisir du figuratif vient du besoin de contact avec l'âme du modèle. Alternativement l'abstrait plus instinctif devient une récréation, une façon de faire ses gammes dans des assemblages de tonalités non conventionnels.
L'usage du couteau oblige à la simplification des formes et exclut la virtuosité. Le crayon, instrument de création par excellence est parfois laissé apparent dans l'œuvre finale pour son aspect brut.

Marlène Palley

Intéressée depuis toujours par la restauration de meubles, elle s'est découvert une passion pour la peinture.
Après avoir exposé en Suisse, elle se réjouit pour sa première exposition à l'étranger de faire découvrir son art dans le bassin liégeois.
Autodidacte, Marlène a préféré plutôt que de décrire son approche par des mots parfois complexes et peu représentatifs, laisser au public belge, l'appréciation de sa peinture et des sentiments qu'elle inspire...

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Rimes et chuchotement

2019-02-25T08:21:07Z

Sommaire

Du 9 mars au 14 avril 2019
Vernissage le vendredi 8 mars à 18h30
à la galerie de Wégimont Culture

Par Anne Gersten ...

Pour cette nouvelle exposition, Florence emprunte un « chemin de traverse »1 et présente des œuvres inédites, insolites et bouleversantes.
Quelques sculptures tout de même – qui connaît l'œuvre de l'artiste s'y attend – juste là pour entrer en résonance avec les œuvres inconnues et singulières accrochées aux cimaises qui ne sont pas… des peintures.

Ni encre, ni huile, ni acrylique, ni brosses ni pinceaux pour réaliser les tableaux. Le support est enduit de gesso et de pigments, de poudre de pierre, de graphite, de schiste ardoisier. Étalées avec les mains, ces matières sont frottées, poncées, griffées, grattées. Recouvert à nouveau, l'ouvrage est retravaillé encore et encore.
Dans une première série de toiles, la matière, dense et grumeleuse s'écrase en croûtes opaques ou, légère et soyeuse, affleure en voiles transparents. La matière craque, forme de fines crevasses, gonfle en légers bourrelets, s'étire en taches informes, les empâtements se disloquent, des abîmes s'entrouvrent. Au cœur de ces terres minérales, des rouges, verts, bleus, jaunes surgissent çà et là, francs et lumineux ou à peine perceptibles.
Traces… disparition ou résurgence ? Blessure ouverte ou refermée ?
Déchirure ou rimes et consonances ?

Le « chemin de traverse »
Denyse Fréson-Chabot, la maman de Florence était peintre. À Paris, dans l'immédiat après-guerre, elle fréquentait l'Académie de la Grande Chaumière et l'Académie Julian. Entre diverses formations en dessin, sculpture et peinture, suivies ensuite à Liège, elle choisit finalement la peinture et s'oriente dans une voie radicale, celle de l'abstraction géométrique.
À l'occasion d'une exposition qui lui fut consacrée en 1991 à la galerie de Wégimont, Benoît Franck écrivait dans les pages de notre revue : « D'expérimentations en recherches, nous pouvons voir, ici à la galerie, de vastes toiles très architecturées où la jubilation colorée le dispute à la rigueur nécessaire »2. Denyse est décédée le 14 septembre 2016. Ses premières « huiles » datent de ses 15 ans et dès lors, elle n'a plus jamais cessé de peindre. Une longue période figurative précéda les toiles abstraites résolument modernes qui firent l'objet de différentes expositions.

Après cette fin d'été où Florence et ses deux soeurs perdirent leur maman, elles se partagèrent les nombreuses toiles accumulées dans l'atelier, mais tout – les œuvres de jeunesse et celles de moindre qualité – ne pouvait trouver place. Il fallait donc bien… s'en débarrasser. Florence eut alors l'idée de leur donner une seconde vie et elle les utilisa comme support de sa propre création. Elle entreprit de les recouvrir de ces matières minérales issues de la nature qu'elle affectionne tant. Comme on serre dans ses bras une dernière fois la personne aimée, comme on y dépose doucement le linceul pour la couvrir, Florence Fréson a posé sur les tableaux de sa maman un « recouvrement » léger d'abord, transparent, laissant deviner le corps, les formes et couleurs. Avec les mains, elle a étalé ce voile, puis l'a frotté, écrasé pour le faire pénétrer, tout en veillant à laisser visibles les traces de l'ancien ouvrage. Revenant à la charge, Florence recouvre encore, ponce, griffe, gratte la matière pour garder le contact, pour susciter le dialogue, pour amorcer le partage et toujours faire resurgir les traces de vie. Résultat : des « surfaces sculpturales » abstraites où vont et viennent à travers les strates de matières, quelques plages colorées éphémères. Comme sur les vieux murs, des couches de vie s'accumulent, se superposent et finissent par se confondre.

Cet œuvre de « recouvrement » de Florence Fréson se déroule en plusieurs séries, en autant de variations. Chacune des séries, même si l'œuvre entier a été réalisé en une année, correspond à différentes étapes que l'artiste a déjà longuement explorées dans sa sculpture sur pierre. Évoquons donc ici ce travail.

Florence Fréson a choisi la sculpture après avoir terminé une licence en histoire de l'art. Au-delà des savoirs, aborder elle-même la pratique lui semblait être la meilleure tentative de compréhension de la création artistique qui anime l'homme depuis les origines.

Refaire le premier geste. Graver la pierre.

Inscrire un signe dans la matière. Laisser une trace.

Tenter de percer le secret de l'univers.

Et… prolonger cette interrogation des hommes et des artistes depuis 35 000 ans.

Les sculptures de Florence Fréson ne sont pas tout à fait des sculptures, elles ne génèrent pas de formes, elles ne décrivent rien, ne racontent rien. Le plus souvent, ce sont des pierres plates quadrangulaires, exposées à même le sol – ou très légèrement surélevées pour qu'elles respirent –, ancrées dans la terre et tournées vers le ciel. Sur ces pierres, l'artiste grave des traits, y inscrit de fines incisions, imprime quelques griffures. Ne pas blesser, écorcher, amputer la matière, juste l'animer d'un souffle, inscrire une trace, un signe léger, sobre, simple « non pour dire moins mais juste ce qui est suffisant », aime-t-elle à préciser.

Florence ne parle pas de « soi », elle ne fait pas non plus « parler les pierres », elle les réveille doucement et nous éveille, elle révèle l'intime, le sensible, et… le sacré. Cette sacralité des origines telle que l'a comprise et magnifiquement exprimée Barnett Newman (3), dans son ouvrage, The First Man Was an Artist : « La forme d'expression primordiale de l'homme a été un cri d'indignation poétique, de terreur et de colère devant sa condition tragique, son éveil à la conscience et sa propre impuissance en face du vide. Le premier discours de l'homme s'est adressé à l'inconnaissable. Le comportement originel de l'homme, avant d'être utilitaire a été esthétique : sa main a pris un bâton pour tracer un trait dans la boue bien avant qu'il ne sache le lancer comme javelot […] La représentation de Dieu […] a été sa première activité manuelle ».

Note d'intention
Revenons aux œuvres exposées et, pour bien les apprécier, à la note d'intention fournie par l'artiste. Florence Fréson a structuré son œuvre de « recouvrement » en six séries dont les titres et les explications renvoient aux principaux questionnements abordés dans sa sculpture :
Couleur en tête : pour commencer, « épargner » quelques plages colorées pour susciter le dialogue, des rapprochements, inviter à la poétique.
Géométrie résurgente : laisser transparaître les structures géométriques présentes dans les œuvres de ma mère, pour amorcer un partage.
Le strict nécessaire pour optimaliser la sensation. L'infime indispensable pour engendrer l'émotion.
Les Griffées : griffer la surface recouverte de gesso pour révéler les couleurs sous-jacentes, chercher des rythmes, une vivance… Renouveler le percevoir, stimuler l'interrogation.
Inscrire des traces, juste suffisantes pour faire chanter la matière, satisfaire à l'expression…
Telle une écriture musicale…
Les Angulées : Interventions sur les bords de la surface, tentation de la géométrie, plus pour le dynamisme que pour une recherche formelle, sur les thèmes du bord, de la limite, de la frontière. Moins pour générer de la forme que pour explorer les origines du possible. Moins pour créer du sens que pour percevoir par les sens.

Comme l'Ardoise : Oser recouvrir entièrement certaines toiles, poncées et travaillées en manière d'ardoise : en plus de pigments, la surface est couverte de graphite. Rimes ou consonances…
Gris pierre : En écho à la pierre, des surfaces porteuses de symphonies ou de chuchotements, en gris et noir… pour prolonger mes interrogations, inviter à la méditation.

Rimes et chuchotement
Pas de cris, pas de crime, mais une rime avec l'enfoui, un écho venu de l'au-delà, un recouvrement d'amour, tout juste murmuré, chuchoté… sans châtiment.
Anne Gersten

Notes
1. « Chemin de traverse » : œuvre monumentale de Florence Fréson, Musée en plein air du Sart-Tilman, 2002.
2. Wégimont Culture n° 62, Février 1991.
3. Barnett Newman (1905-1970) : artiste et historien de l'art de l'École de New York.

Rimes et chuchotement

Marc Renwart 2019

Un son inattendu qui se transforme en musique. Un murmure devenant
assourdissant. Une trace qui se transforme en chemin. Un présent qui se
confond avec le commencement.

De ce paradoxe qui transcende ce qui est de toujours en nouveauté,
de cet oxymore qu'est l'évidence du secret.

L'une de l'autre, l'autre avec l'une, l'une sous l'autre, l'autre sur l'une.
Une fusion inimaginée parce qu'inimaginable a surgi.
De l'irréductible appauvrissement aux éblouissements de la résilience.

Autre support, autre matière, autre méthode. Finalité inchangée
puisque inchangeable.
De la pierre à la peinture, de la peinture à la pierre. Continuité d'une
mouvante stabilité.
Flux et reflux, tradition et invention, transmission et découverte.

Se mettre en disponibilité pour l'inopiné.
Créer à partir de qui, littéralement, vous a créé.
Rien de tout cela n'était prévisible et pourtant c'est advenu.

Ressemblance, dissemblance, vraisemblance.
Accident, incidence, apparence.
Hasards et nécessité.

Étonnement perpétuel.
Réfléchir malgré soi.
Se soumettre à la pensée.

Amener par là même à percevoir toutes les singularités de l'âme.
Les scruter jusqu'à l'infini
En saisir ce qui nous donne consistance et se laisser surprendre

Au premier regard, de la concordance.
Au deuxième, du questionnement.
Au troisième de l'émerveillement, de l'enchantement, du ravissement.

Ainsi du rien au rien, la splendeur de l'être là.
Marc Renwart, janvier 2019.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Marie Scailteur

2019-01-11T08:50:50Z

Sommaire

Du 19 janvier au 24 février 2019
Vernissage le vendredi 18 janvier à 18h30
à la galerie de Wégimont Culture

« Je voulais peindre. Point »

Marie (Jeanne) (nous reviendrons sur cette mise en parenthèse, symbolique, me semble-t-il, de son travail) Scailteur peint depuis plus de vingt ans. Vingt ans de rencontres, multiples, et de lieux.
Saint-Luc, divers cours d'histoire de l'art, d'ateliers, de stages, une curiosité infinie pour l'art, l'Académie de Huy, de Namur, de Liège…
C'est d'ailleurs en poussant la lourde porte de l'Académie de Liège, qu'elle a su, avec certitude, que jamais plus elle ne s'ennuierait. Elle l'avait attendu, ce moment, depuis longtemps, toujours, presque. Mue, par ce désir, de peindre, d'oser franchir la porte, de l'Académie, depuis toute jeune. Ne pas céder sur son désir, comme disait l'autre (Lacan).

Et depuis, Marie peint, éperdument, cherche, doute, et observe, sans cesse, le monde qui l'entoure.

Où es-tu ?

Se dévoilent, dans sa peinture, des lieux, une atmosphère, une impression, fugace, qu'il s'agira de retrouver, de recréer, à même la toile. Le mystère des marais, le calme de la mer, mais aussi sa violence, latente, la grisaille du Nord, la montagne…
Le sentier des joncs, aussi, et les étangs, en Baie de Somme, qui la feront penser à Ophélie et à Elisa Day. Une histoire de douceur, de beauté, d'amour et de violence, qui lui inspireront, notamment, la série « Ophélie », mélancolique, douce et forte.
Une constante dans le travail de Marie : cette impression de douceur, soulignée par des tons passés, froids, calmes (le bleu, les gris et blanc colorés, et le vert, qui pour elle est un réel besoin, une urgence), de mélancolie (les coulées, la douceur du coup de pinceau, un geste pictural doux et délicat). Mais aussi, pour qui sait regarder et prendre le temps, une violence latente, présente, mais discrète, en filigrane.

Oui, dans les peintures de Marie, ça coule, ça tombe, ça laisse des traces. Traces de ce qui a été vécu, ressenti. D'un souvenir, d'un sentiment.
Et que le langage (blablabla) ne peut donner à voir, à dire. Mais que la peinture, elle, tente d'exprimer. Inlassablement.

Quand ?

Des traces du temps, qui passe.
Outre les lieux, l'espace, se ressent dans son travail le passage, inaltérable, du temps. Ses couleurs diluées, passées. Une impression d'effacement, aussi. Mais aussi et surtout, les différentes couches de peinture, qui loin de s'annuler, se superposent, s'assemblent. Une histoire. À même la toile, mais aussi par série. Car Marie travaille par série, longtemps, y revient, repart, jusqu'à épuiser son thème. Jusqu'au bout.

Ici et maintenant

Vingt ans de peinture, donc. Que l'on découvre, ici, à Wégimont.
Trois thèmes, trois lieux.
Tout commence avec Babel. Des années que ce thème la travaillait. Elle, en effet, qui parle si peu, se méfie tant du langage, du blabla. Par ce thème, elle interroge la présence de l'homme, sur terre, présence violente, destructrice.
Ces peintures questionnent, aussi, la coupure entre l'homme et la nature. L'impossibilité de dire, par les mots, le monde qui nous entoure. Marque humaine, trop humaine. D'où le besoin, vital, de peindre, pour tenter de dire l'indicible. L'homme, en effet, est peu visible dans le travail de Marie. Et pourtant cette absence même interroge la présence humaine. Comme si la mise en lumière du monde de la nature nous rappelait notre place, éphémère, sur terre.Telles des ombres. C'est ainsi, grâce à ses photographies, que Marie (Jeanne) se montre. Mise entre parenthèse d'elle-même, pour apparaître, en filigrane, en silence. Là et pas là, en même temps.

Dualité qui est au cœur de son travail. Une impression de quiétude, de légèreté, mais traversée par une part sombre, violente. Entre douceur et énergie sauvage. Présence et absence. Dichotomie que l'on retrouve dans les deux salles principales de la galerie.

Entre verticalité et horizontalité.

Distinction déjà opérée par Louise Bourgeois, pour qui la verticalité était de l'ordre du désir de s'enfuir. Là où l'horizontalité revenait à abandonner, s'endormir.
Sentiment d'abandon, oui, de solitude, de nostalgie, aussi, que l'on retrouve dans les peintures « Ophélie », ou « Finis Terra ». Loin des hommes, du monde, du bruit, de l'agitation. Moments de grâce, de légèreté, exprimés par la liquidité, les coulées, la fluidité.
Et en même temps, car les deux sont inséparables, la force, la présence, une certaine lourdeur, symbolisée, notamment, par le zinc. Une bande verticale, paf, comme un arrêt, un butoir, qui ouvre à une nouvelle lecture de l'œuvre.
Question d'équilibre, entre force et fragilité, raison et émotion, terre et ciel. Mouvement ascendant que l'on découvre juste à côté, dans l'autre salle. Avec « Les saules frissonnants », « Le murmure des grands arbres », « Le der »... Des moments de force, un retour à la terre, tel un homme, une femme, qui marche, vers son destin. Y aller, sans savoir où, mais y aller, et peindre, encore et toujours.

Et puis, aussi, quelques surprises, inclassables. Car Marie ne se cantonne pas. Et, par diverses approches, supports, techniques ouvre à une autre vision de son travail. Surtout ne pas s'enfermer, s'arrêter, mais continuer de chercher, et de douter. Sans blabla.
Tatiana Klejniak

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

L'ARTOTHÈQUE

2018-10-24T10:29:53Z

Sommaire

à la galerie de Wégimont,
du 24 novembre au 23 décembre 2018

Vernissage le vendredi 23 novembre à 18h30,
Exposition accessible les samedis et dimanches de 14 à 18h ou sur rendez-vous

L'artothèque, à la Bibliothèque des Chiroux !

Depuis le 18 novembre 2014, l'artothèque a ouvert ses portes au sein de la Bibliothèque provinciale des Chiroux. C'est l'unique établissement du genre existant en Wallonie. La création de ce service répond à une volonté de démocratiser l'art et de faire connaître la création contemporaine.
Il permet à toutes les personnes inscrites à la bibliothèque d'emprunter une œuvre d'art gratuitement pendant deux mois. L'artothèque permet une rencontre avec cette œuvre basée sur la durée et l'intimité : la création est reprise chez soi et exposée dans un cadre privé.
Les œuvres proposées La collection de l'artothèque se constitue depuis 2013. Les dossiers proposés par les artistes sont examinés par un comité de sélection composé d'experts extérieurs à la Province, ainsi que d'agents provinciaux.
La Province acquiert les œuvres retenues. Cette collection se compose aujourd'hui de plus de 150 œuvres et est appelée à s'étoffer d'année en année. Elle est constituée exclusivement d'œuvres multiples (gravures, photographies, impressions numériques) et se veut ouverte aux créateurs de toutes disciplines (bande dessinée, illustration…). Une place prépondérante est donnée aux artistes de la Province.
Dans son état actuel, la collection réunit autant des artistes déjà reconnus, comme Jacques Charlier, Léon Wuidar, Patrick Corillon, Jean-Paul Brohez, Marc Angeli ou André Stas, que des artistes émergents, comme Sylvain Bureau, Benjamin Monti, Elodie Ledure ou Audrey Lo Bianco.

Quelques gravures et dessins sont l'œuvre d'artistes handicapés mentaux actifs au CREAHM et au Grand atelier « La S » à Vielsalm. Enfin, l'illustration et la bande dessinée sont représentées à travers des travaux de Joe G. Pinelli, Vincent Mathy, Aurélie William Levaux ou Olivier Deprez. Si la quasi-totalité des œuvres a été réalisée au XXI^e siècle, il faut signaler l'acquisition d'une série de sept gravures abstraites géométriques de la fin des années 80, réunissant les grands représentants liégeois de cette tendance (série Sept abstraits construits).

Une artothèque, c'est nouveau ?

À l'origine, l'idée de louer des œuvres d'art vient de l'artiste allemand Arthur Segal, en 1906. En France, quelques décennies plus tard, ce concept va rencontrer la volonté politique de démocratiser l'art : des artothèques sont créées dès le début des années 60, avec une véritable expansion dans les années 80. En Belgique francophone, il n'existe qu'une artothèque en activité : celle de Wolubilis à Bruxelles, créée en 1972. Le pendant néerlandophone de Wolubilis est « Kunst in Huis », situé
également à Bruxelles, mais possédant des filiales à Gand, Anvers et Louvain, et organisant des pop up (événements éphémères) un peu partout en Flandres. On le voit : la création d'une artothèque à Liège en fait l'unique établissement du genre en activité en Wallonie.

Informations pratiques

L'artothèque, située au sein de la Bibliothèque des Chiroux, ouvre ses portes deux jours par semaine : le vendredi de 13 à 18h et le samedi de 9 à 15h. Les œuvres sont prêtées gratuitement pour deux mois, renouvelables une seule fois.
Les créations sont reprises dans le catalogue en ligne de la Bibliothèque
(http://opac.prov-liege.be/), qui permet de vérifier la présence d'une œuvre et, le cas échéant, d'en faire la réservation.
Le site internet de la Province de Liège accueille sous la section Bibliothèque des Chiroux une page dédiée à l'Artothèque
(http://www.provincedeliege.be/fr/artotheque), qui reprend l'annonce des événements, les modalités d'emprunt, ainsi que les informations nécessaires aux artistes désireux de proposer une œuvre à l'artothèque.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Saisons de la Photographie

2018-10-24T07:46:33Z

Sommaire

Du 28 octobre au 18 novembre 2018
Vernissage le samedi 27 octobre de 16 à 18h
à la galerie de Wégimont Culture

LES AMNIOTIQUES

Willy Del Zoppo

« Les Amniotiques » fait partie des travaux que je regroupe sous le titre principal « De la Nature des Êtres ». Cette série fait écho à une première tentative réalisée voici dix ans déjà en argentique et en noir et blanc.

Elle consiste en une série de portraits en couleur réalisés sous l'eau, en numérique, à la piscine en plein air de Wégimont. Il s'agit à la fois d'exploiter les lumières particulières se diffusant sous l'eau en fonction du climat et de l'heure, mais également de proposer une vision particulière de l'humain dans ce milieu amniotique qu'il a quitté à sa naissance, et auquel il reste malgré tout assez mal adapté.
D'ailleurs, la plupart des clichés se font au jugé, un cadrage précis étant impossible. Ainsi, la réalisation de ces portraits doit beaucoup au hasard et à la répétition, un peu, finalement comme les événements de notre existence. Des images réalisées, je retiens principalement les accidents, les déséquilibres, mais également ces postures particulièrement figées où le modèle tente à tout prix de donner une image valorisante de luimême, ce qui peut également être un accident.
La série de portraits est complétée par des portraits en maillot hors de l'eau, appelée « Faces à face », et des vidéos. L'ensemble a été réalisé en deux étés (2017/2018) et compte une centaine d'images.
Willy Del Zoppo

AILE-MOI

Martine Jospin

Les pas que fait un Être, du jour de sa naissance à celui de sa mort, dessinent dans le temps une figure inconcevable…

Elle marche…
Touche…
Voit…
Entend…

Capture le silence de la Nature à travers une image rapportée ou un trait.
Elle transcende cette Nature qui la fait vibrer, la perçoit comme un temple de beauté.
Elle s'y baigne…
Ne saurait vivre sans Elle !

C'est son essence Ciel…
(…)
Martine Jospin

DE NATURA

Jean-Louis Vanesch et Lucia Radochonska

Reconnus pour leur travail photographique depuis plus de quarante ans, Lucia Radochonska et Jean-Louis Vanesch forment un couple de photographes qui nous parle chacun à sa façon de la vie, du temps qui passe, de souvenirs enfuis et des instants d'éternité que l'on peut découvrir d'aussi loin que le fond de son jardin, d'aussi près qu'un noir profond.
Ils ont construit une œuvre intemporelle et authentique, à l'écart des modes et des façons, qui nous amène à entrer en vibration avec eux et à prendre le temps de regarder ce qu'ils nous montrent pour y voir tout ce que la lumière nous dit et qui ne se voit pas…

Les jardins du silence
C'est un jardin qui fut longtemps de campagne et qui se trouve aujourd'hui à la lisière de la ville. Un jardin très simple et qui pourrait paraître bien ordinaire. Un endroit dans lequel Lucia aurait apporté un peu de glaise et beaucoup d'âme polonaise. C'est elle qui le façonne.

C'est elle qui le soigne tandis que Jean-Louis n'y pose jamais le doigt sans doute par crainte d'en déranger la fausse et calme sauvagerie. Se contentant d'appeler « fleurs » ce que Lucia nomme pivoines, narcisses et coquelicots, ou « arbres » ceux qui portent les fruits. C'est un jardin qu'ils connaissent depuis plus de vingt ans et qu'ils exhument d'archives déjà anciennes, ou de petits évènements à naître demain matin.

(…) Chacune de leurs photos est un instant d'un autre siècle, du temps où la couleur n'aveuglait pas encore les rêves. Impassibles, insensibles aux modes, ils restent arpenteurs et alchimistes des lumières. Chaque image, ici, est comme la graine qui somnole en hiver, enceinte de patience et gorgée d'espoirs de printemps. Comme ce recueillement que doivent avoir les sèves lorsque les arbres n'ont plus de feuilles.
Surtout, qu'aucune musique ne vienne tenter de séduire ces lieux discrets et minimes. La moindre note empêcherait d'entendre la symphonie des fleurs qui poussent dans la lumière des pluies…
Extrait d'un texte de Joseph Orban à propos du Jardin — Liège, un jour du siècle qui hélas le verra mourir.

Mon plus grand plaisir à la prise de vue est d'apprivoiser les choses, d'entrer dans leur intimité, que ce soit une poule, un cheval, un fruit ou une goutte d'eau. Puis entre en jeu l'expérience photographique (cadrage, composition, mise en évidence par le net et le flou, etc.). C'est aussi un très grand plaisir, d'un autre ordre, lié justement au caractère propre de la technique photographique. Il y a aussi un troisième plaisir, tout aussi important, qui permet de révéler les deux premiers : c'est le travail du tirage en laboratoire. À ce moment-là , par l'intermédiaire des valeurs et des nuances, j'essaie de faire revivre mes émotions premières…
Lucia Radochonska, novembre 2007 (extr.)

… images sauvées par le travail de nos mains… sous l'agrandisseur, dans la lumière, la modelant, l'harmonisant…
… images sauvées parce que matérialisées, échappant au virtuel de millions d'autres circulant sur les écrans…
… images sauvées… rescapées… entre films perdus, égarés, jamais ou pas encore développés, entre problèmes techniques avec nos vieux Nikkormat, une cellule capricieuse, ou pas de cellule, un film difficile à apprivoiser…
… images sauvées entre toutes celles que le monde nous propose à chaque instant…
… images sauvées, on l'espère, par une petite part de magie que l'on a pu y insuffler ou y capturer…
Jean-Louis Vanesch, Retinne, le 6 octobre 2006 (extr.)

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Descendons ensemble au jardin

2018-08-29T08:22:34Z

du 22 septembre au 21 octobre 2018
à la galerie de Wégimont Culture

Invitation cordiale au finissage festif
de l'exposition de Jean-Paul LAIXHAY
le dimanche 21 octobre 2018 de 16 h à 18 h

Descendons ensemble au jardin (1)

Emboitant le pas à Georges Brassens, en dépit de Saturne, « ce dieu fort inquiétant (1) » qui « tue le temps comme il peut (1) » et « joue à bousculer les roses1 », Jean-Paul Laixhay propose à sa « belle (1) » et à nous, visiteurs : « descendons ensemble au jardin (1) ». Jardin d'Éden, jardin de rêve, jardin sacré, jardin secret… Chaque toile de l'artiste est un morceau de nature qui exulte, un coin de jardin luxuriant où s'entremêlent arbustes opulents, buissons touffus et myriades de fleurs aux couleurs somptueuses. Le Jardin de Chantal, ou le Jardin de Michèle (tous deux peints à plusieurs reprises) regorgent de fleurs pétulantes, de feuillages généreux et charnus où filtrent ça et là des éclats de lumière. Dans un autre coin, un autre tableau, écartant la constellation de corolles et pétales frais et délicats, peut surgir d'épaisses ramures, ombres inquiétantes, ténébreuses d'un noir profond. À bien y regarder, ce noir ombrageux, alchimie de tonalités subtiles allant discrètement du vert de gris au vert foncé, du bleu outremer au bleu violacé jusqu'au noir intense, laisse pénétrer la lumière en touches claires et buissonnantes des touffes fleuries.
Ici donc, l'ombre et la lumière, le clair et l'obscur, ne se livrent pas un combat. Sans pourtant renoncer aux contrastes qui donnent toute sa force à ce spectacle pictural, les tonalités opaques et transparentes, les touches grasses et fluides, les couleurs chaudes et froides, s'emboitent, s'étreignent, se marient. Entre le clair et l'obscur – l'ange et le diable – l'union est scellée.

Soleil ou tache jaune (2) ?

Dans le Jardin de Christian, il y a, je crois, de grands arbres, ils sont bleus ou verts assombris d'un peu de noir, il y a aussi peut-être de l'eau, un étang ? nappe blanche, bleutée, verdâtre ou légèrement rosée, et il y a surtout plein de jaune, terre d'ocre ? graminées en fleurs ? reflets du soleil ? Ce que nous voyons, ou croyons voir, de l'herbe, une fleur, un arbre, le soleil… ne sont pas objectivement représentés. Ce sont des taches de couleur, rien d'autre, de la matière colorée sortie en pâte épaisse du tube, écrasée au couteau ou à la brosse pour la faire adhérer et lui donner une forme, une direction, une dimension, une épaisseur.
Plusieurs couches de couleur superposées et les traces de la facture forment des striures, des croûtes, des boursouflures, ou laissent entrevoir, éparses, quelques flaques et dégoulinures, en lavis, des couches inférieures. Le tableau est une sorte de maçonnerie, une construction faite d'éléments formels (un élément linéaire renvoie à un tronc d'arbre) et informels (une tache peut devenir une fleur, un soleil). La couleur fait le reste : en gros, des masses de couleurs froides (les verts, les bleus, les violets) et de couleurs chaudes (les rouges, les jaunes, les roses/orangés) opposées et complémentaires. Tout en contrastes, ces amas colorés, organisés en multiples facettes (la « maçonnerie ») structurent solidement l'espace et créent des effets de profondeur, sans le secours de la perspective géométrique. En cela, Jean-Paul Laixhay a retenu la leçon de Cézanne, mais l'artiste nous emmène bien au-delà de la rigueur constructive et d'un certain esprit méthodique du maître de la Montagne Sainte-Victoire. Jean-Paul Laixhay, architecte (sa formation) avant d'être peintre, lui aussi construit mentalement son tableau mais en même temps, il se laisse submerger par l'émotion et, sans attendre, il met la main à la pâte, la triture, la pétrit, l'écrase avec force et fermeté, comme une nécessité. Il s'y livre tout entier. On le sent faire corps avec elle. La matière picturale se fait chair, vivante, voluptueuse, et devient le lieu d'exorcisme des pulsions de vie, de plaisir, de désir et de jouissance.

Un « hymne à la joie »

Un tableau de Jean-Paul est une symphonie colorée, un « hymne à la joie » où la gamme complète des couleurs, luxuriantes, éblouissantes ou denses, sombres et profondes, entrent en résonance. Du rose, rouge et jaune au bleu, vert et violet, pures ou en infinies nuances, ponctuées par les éclats du blanc ou les abîmes du noir, les couleurs explosent dans l'espace de la toile, irradiant bien au-delà. La richesse, la gourmandise de ces couleurs ardentes et fécondes, s'allient obligatoirement à l'opulence et la sensualité de la matière : une peinture voluptueuse, réjouissante, jubilatoire avec sa part de mystère dans quelques recoins plus inquiétants (3)…
À côté de Ludwig van Beethoven, il aurait fallu évoquer aussi Claude Debussy, Maurice Ravel ou Igor Stravinsky, mais tournons-nous maintenant, sans abandonner les liens entre la peinture et la musique, du côté de Jean Giono, ce grand écrivain amoureux de la terre et de la nature tout entière, comme l'est aussi Jean-Paul Laixhay.

Jean Giono publie en 1935 un roman intitulé : Que ma joie demeure. Il y parle de la joie que lui inspire la beauté de la nature et qu'il associe aux joies du corps et à ses désirs, une « joie totale », dit-il, dans et avec la nature, corps et âme. Le titre, emprunté à celui d'un choral de Jean-Sébastien Bach, est volontairement amputé du premier mot : « Jésus ».
Jean Giono refuse d'invoquer la Divinité à la rescousse. L'homme doit trouver son bonheur, sa joie dans le monde d'ici-bas, en osmose avec la nature. Pour lui c'est la nature, et non l'âme, qui est immortelle. Jean Giono croit au Grand Tout unique, à la nature qui englobe le corps et l'âme, indissociables, la chair et la matière, avec la mort qui en fait partie, en une « chaîne de transformations » toujours recommencée et donc, « immortelle ». La peinture de Jean-Paul Laixhay n'exprime-t-elle pas aussi cette même forme de spiritualisme païen, tellurique, sensuel, dionysiaque ? Jean Giono et Jean-Paul Laixhay nous disent encore que la nature permet de jouir des choses sans les posséder, on peut donc s'y livrer sans réserve, mordre la vie à pleines dents et, nous aussi, avec Pierre Ronsard cette fois, « cueillir dès aujourd'hui les roses de la vie ».

Les grands chemins

À son tour, pour sa série Les Grands Chemins, le peintre emprunte à Jean Giono le titre d'un de ses romans publiés chez Gallimard en 1951. Les Grands Chemins de Jean Giono, semblables aux chemins tracés dans la nature, droits, sinueux, tortueux, montants, descendants, bifurquant … sont les chemins de la vie sur lesquels l'homme est en errance. Ils ne sont grands que dans leur dimension symbolique lorsqu'ils deviennent le champ d'une recherche, d'une curiosité, d'une réflexion sur le sens de l'existence, sur la possibilité – ou non – du bonheur… Et le peintre de nous le dire encore avec fougue et passion : exubérance des couleurs, fourmillement de touches multicolores entremêlées (version 1) ou, contraste entre un côté sombre ombragé, terrestre, et l'autre, céleste, bouillonnant, rutilant de lumière dorée (version 2). Pour Jean-Paul Laixhay, les grands chemins sont aussi ceux de Saint-Jacques-de-Compostelle.
Depuis quelques années, l'été venu, il parcourt une étape sur ce grand chemin initiatique. Pas à pas, il avance et mesure le temps et l'espace, s'enivrant du spectacle de la nature et de la beauté des lieux sacrés où tant d'hommes depuis plus de mille ans, sont passés, se sont arrêtés et sont repartis humblement à la recherche du divin ou tout simplement, d'un dépassement de soi. Sur ces grands chemins, Jean-Paul Laixhay se nourrit des richesses de la terre et du ciel et y récolte les fruits
et les couleurs de son art.

Le soleil n'est jamais si beau qu'un jour

où l'on se met en route.

Jean Giono

L'équinoxe d'automne

L'inauguration de l'exposition des œuvres de Jean-Paul Laixhay tombe « miraculeusement » un merveilleux jour, le 21 septembre, jour où le jour et la nuit sont en égal partage, l'équinoxe, un moment magique, un instant qui retient son souffle, avant de basculer dans le temps suivant, une nouvelle saison, aujourd'hui l'automne. Heure propice pour ralentir la cadence, observer les lentes métamorphoses de la nature et s'apaiser avec elle.
Professeur à l'institut des Beaux-Arts Saint-Luc depuis de nombreuses années, Jean-Paul Laixhay a définitivement refermé la porte de sa classe le 30 juin dernier. Un adieu, la retraite, une fête aussi… Cette exposition qui commence ici participe à cette fête, à cet instant, à ce passage, où le professeur, l'artiste, entre dans l'automne de sa vie. Une page se tourne, une autre s'ouvre.

Laissons Georges Brassens chanter l'épilogue :

C'est pas vilain les fleurs d'automne

Et tous les poètes l'ont dit […]

Il faudra que Saturne en fasse

Des tours d'horloge, de sablier […]

Viens encore, viens ma favorite

Viens effeuiller la marguerite

Descendons ensemble au jardin.

Anne Gersten

(1). Paroles tirées de la chanson-poème Saturne de Georges Brassens.
(2). Allusion à la phrase de Pablo Picasso : « Certains peintres transforment le soleil en une tache jaune ; d'autres transforment une tache jaune en soleil. ».
(3). Plus rarement, outre ses fleurs et jardins en liesse, Jean-Paul Laixhay a aussi peint, dans des tonalités presque exclusives de bleus, de noirs bleutés et de blancs froids, la nature en hiver, sous la neige, où tout n'est plus que silence.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.