Wégimont Culture

Tanja Mosblech <-> Anne Kiesecoms

2020-02-26T08:43:17Z

Sommaire

Du 7 mars au 5 avril 2020
Vernissage le 6 mars à 18h30

Tanja Mosblech

Frau Baum

Née en 1970 à Cologne, installée en Belgique depuis les année 70, Tanja Mosblech vit et travaille à présent du côté d'Eupen. Elle a poursuivi un cursus en arts plastiques (Saint-Luc à Liège en 1988-91, où elle s'est familiarisée avec la peinture et l'art textile, et Institut Bischoffsheim de Bruxelles). Depuis 2003, elle enseigne la peinture et mène de front divers projets artistiques, animation d'ateliers, résidences d'artistes…
Elle a conçu des stages pour adultes et enfants pour les ateliers d'Art contemporain à Liège (2004-2005), des cours privés à titre indépendant et elle donne actuellement des ateliers à Eupen (notamment pour Chudoscnik Sunergia / Sommerwerkstatt).
Présent notamment dans les collections de l'IKOB, dans les collections de la Communauté germanophone de l'est de la Belgique et de la Région wallonne, exposé en Belgique, en Allemagne et au-delà, son travail combine le plus souvent peintures, dessins, photographies, installations… au service de narrations « au féminin » : récits élaborés au départ d'objets le plus souvent personnels (journal, albums de poésie, vieilles photos, vêtements…).

Univers tantôt intimes, mêlant souvenirs, choses vues, touches fictionnelles ; tantôt à vocation plus universelle : réflexion sur la mémoire, l'identité de la femme, le rapport au corps. Intemporelle plutôt qu'anachronique, l'approche de Tanja Mosblech relie passé et présent dans une douce mélancolie, sous la poésie de laquelle se devine toutefois — toujours esquissée, jamais soulignée — la rivalité de pulsions antagonistes, créatrices et destructrices.

« Des bouts de nature et des fragments de corps semblent flotter dans d'étranges limbes », notait à son propos Dirk Tölke. « Tanja Mosblech montre des images de femmes, des images de vêtements et de nature dans ses peintures ainsi que dans ses propres photographies ou dans des photographies trouvées, en partie retravaillées, et dans des vêtements brodés, le tout pouvant se combiner à l'envi… L'œuvre de Tanja Mosblech apparaît comme une pièce de puzzle isolée, un fragment d'image échappé, un champ de lumière délavé, une zone de couleur où la nature et l'homme habitent des horizons oscillants, des centres en retrait, des surfaces entrelacées et chevauchantes… »

Délaissant un peu la touche intime, voire à la lisière du féminin et du féminisme, de ses productions antérieures, l'exposition « Frau Baum » file une autre métaphore et suit le fil d'un propos plus personnel et universel à la fois. Images retravaillées, photos anciennes aux visages barrés, mais aussi compositions picturales reproduisant et surtout réinterprétant des archétypes : l'arbre — celui de la vie, celui de la famille, celui de la sève féminine qui coule de génération en génération — occupe ici, au propre et au figuré, une position centrale, séminale. Personnalisée elle aussi, et sexuée néanmoins : s'y devinent et s'y perchent une femme ou plusieurs, une mère ou toutes à la fois, personnages d'esprit plus que de chair, entités flottantes plus qu'encombrantes, mais portant chacune, pourtant, leur part d'histoire, leur héritage, et surtout leur puissante expression visuelle.
Frau Baum… arbre de vie et de deuil à la fois, il — ou elle — est le grand ramage où se nichent toutes les blessures mais aussi toutes les réconciliations, parce qu'il ne cache jamais tout et laisse, quoi qu'il fasse et quoi qu'on pense, toujours passer un peu de lumière.
Elle nous contemple à l'envers, les racines dans les airs : perdus entre nos vies rêvées et nos familles imaginaires.
Emmanuel d'Autreppe

Anne Kiesecoms

Chasse gardée

Formée en architecture à l'Institut supérieur Lambert Lombard à Liège, et en peinture à l'Académie des beaux-arts de Verviers, Anne Kiesecoms a depuis lors obtenu plusieurs prix et distinctions, et exposé à de nombreuses reprises, en régions liégeoise et verviétoise essentiellement.
Si la faune, la flore et la chasse constituent les thèmes récurrents de son travail, l'artiste confie s'attacher plutôt à « dépoussiérer les scènes de chasse de nos aïeux » et les représentations archaïques, qu'à prendre position ou à militer explicitement, du moins à travers son travail artistique. « Bien qu'elle soit souvent sujet à controverses, la chasse fait partie de notre héritage social commun », précise l'artiste.
« Mon travail renvoie donc aux pratiques ancestrales et à la relation entre l'homme et l'animal. Sans créer de polémique, sans jugement de valeur, animosité ou sentiment de vengeance. »

C'est au contraire plutôt à la méditation ou à la contemplation, au silence ou à la tranquillité qu'invitent le plus souvent ses œuvres, comme dans cette série de silhouettes de lapins suspendus, découpés dans du caoutchouc... qui renvoient, à leur manière, tout autant au trophée de chasse qu'à la vanité ou à la nature morte — on ne peut plus morte, même si souvent les images allient une grande simplicité et un effet de puissance, voire de choc.
La façon envisagée et les matériaux utilisés dépendent régulièrement, chez Anne Kiesecoms, du lieu de mise en œuvre. Ainsi, pour son exposition à Wégimont, a-t-elle envisagé de réaliser des pièces in situ, notamment un mirador d'affût surélevé et sculpté par un éclairage spécifique, de même que des dessins à l'adhésif, directement sur les murs…

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Visites samedi et dimanche de 14 h à 18 h ou sur rendez-vous

La Galerie est située sur le parking bas du Domaine provincial de Wégimont,
Chaussée de Wégimont, 76 – 4630 – SOUMAGNE
GSM : 0477 38 98 35- www.wegimontculture.be
Photos Comptoir d'estampes : wegimont.zonerama.com
e-mail : info@wegimontculture.be
https://www.facebook.com/wegimontculture

Cynthia EVERS et Alain JANSSENS

2019-12-16T09:02:43Z

Sommaire

A la galerie de Wégimont
du 18 janvier au 23 février 2020
Vernissage le vendredi 17 janvier 2020 de 18h30 à 21h

Cynthia EVERS

Fragments, instants
(Peintures)

Née à Bruxelles en 1962, Cynthia Evers vit et travaille en région hutoise. Formée en peinture (cours du jour) et en sculpture (cours du soir) à l'Académie des Beaux-Arts de Liège, elle reprenait les pinceaux en 2011 pour donner à son travail un tour à la fois intimiste et profondément engagé dans des thématiques féministes (ou à tout le moins féminines) ; celles-ci n'ont fait que s'affirmer depuis lors, sans donner pour autant à son travail un aspect rhétorique. La sensibilité prime en effet avant toute chose dans le travail de Cynthia Evers : sensibilité au cadre (très photographique voire cinématographique) et à la lumière, sensibilité à l'autre et à soi, souci de travail fini aussi bien que de la position et de la sensation du regardeur. Décadrages, allusions, poses de dos ou de trois quarts : beaucoup de choses dans les choix de Cynthia — qui pratique presque exclusivement l'acrylique sur toile — disent la pudeur et la retenue, mais signalent tout à la fois une immense attention au détail, un goût certain pour la minutie, une attirance pour le large format. À maints égards, le jeu en apparence contradictoire du propos et des formes, ou même des proportions, traduit ce mélange chez elle de célébration contenue et d'exaltation, ce besoin de s'émerveiller et ce besoin de (se) préserver.
Cynthia Evers

Sa prédilection pour les pieds et les mains est une façon de ne pas « sexuer » les attributs du contact, l'expression de la tendresse : « En jouant sur une ambiguïté mains féminines/mains masculines, j'ouvre la porte à l'égalité des sexes, au droit de chacun de faire ce qui lui plaît, que l'activité soit à la base jugée féminine ou masculine. Dans mes ‘Transparences', je me sers de mes mains, mais étrangement les tableaux inspirent des moments masculins. Je réalise que peu de spectateurs sont prêts à hésiter, à imputer l'instant décrit à un homme ou à une femme sans a priori. Pourtant la solitude décrite se veut asexuée… ».

Ainsi l'exposition présentée ici mêle-t-elle plusieurs séries, tout en répondant à d'essentielles et constantes préoccupations. Si les « Nuques » et les « États d'âme » posent la question de la fragilité ou de la force féminine (« Les mains sont puissantes, elles sont porteuses de vécu ; la nuque est fragile, elle plie mais ne rompt pas… »), la série des « Nus » rompt, elle, avec la solitude, « même si la présence d'une autre personne n'est suggérée que par une main. Je vais à l'essentiel… la peau, un morceau de peau qui dit toute la femme, une étreinte de main qui dit un partage… ».

Volontiers expressionniste sur les bords, ne serait-ce que par le jeu des contrastes et des lumières, l'attitude des corps et des visages, le travail de Cynthia Evers ne se rattache pourtant à aucun courant ou à aucune influence explicites ; il trace son propre chemin et trouve, de plus en plus, la voie d'une belle reconnaissance publique et institutionnelle (en ce compris ses participations régulières à l'animation d'ateliers en Province de Liège, à Huy ou en d'autres endroits), qui lui vaut d'être davantage montré et salué.
Une démarche en forme de quête, personnelle et universelle à la fois, de la vérité d'un rapport humain, en même temps que d'un certain rapport à l'art, nourri de nécessité intérieure bien plus que de séduction facile.
Emmanuel d'Autreppe

Simplement

Alain JANSSENS

Peau, Pelage, Paysage
(Photographies)

Peau, pelage, paysage
Photographier sans préméditation
Tomber amoureux
Au moins 3 secondes
Du pli de la peau
De l'élégance de la poire
Du port de la tête
De la blancheur du lard
(14/02/02)

Alain Janssens (né en 1956) a longtemps été professeur d'esthétique et de studio à l'ESA Saint-Luc Liège. Photographe d'architecture, il a développé au fil des années, avec rigueur et sans tapage, un travail très personnel, singulier et cohérent. Ses sujets n'ont rien de bien spectaculaire : arbres, plantes ou fruits ; l'environnement quotidien ou la promenade ; quelques vues de paysage, des portraits et des nus. Les lieux ont leur importance, mais jamais rien dans le sujet ne dicte l'image : l'enjeu chez Alain Janssens est ailleurs, à l'écoute de ce qui vibre dans l'inerte, dans la transfiguration du banal par la lumière, avec pour outil la lenteur de l'argentique et l'artisanat du noir et blanc.
Pratique intemporelle plutôt qu'anachronique, ni trop construite, ni trop cérébrale, une photo se doit chez lui d'allier le sens à la sensation, d'intégrer la spontanéité de l'instant, de l'accident.
Alain Janssens

Photographier
Jusque dans son corps
Résister dans l'équilibre
Trembler dans la tension
Éternuer dans la poussière
Perdu dans la matité
(03/04/02)

Son langage est nourri par la poésie, la peinture, la philosophie, le cinéma — de Philippe Jaccottet à Yves Bonnefoy, de Vladimir Jankélévitch à Michel Onfray, d'Antonioni à Tarkovski — sans oublier, rayon photo, Friedlander, Sudek ou encore la photographie japonaise, notamment Jun Shiraoka ou Fukase. On repérera d'ailleurs chez lui une forme de recherche, consciente ou inconsciente, de ce point de jonction tant prisé dans la pensée orientale, où les valeurs s'annulent ou s'inversent : le petit et le grand, le noir et le blanc, le beau et le trivial, le vide et le plein (son second livre, après Temps brassé, ne s'intitulait-il pas Nulle part et partout ?). Et ses petites notes de travail ont souvent la fulgurance du haïku ou de l'aphorisme : « Comment concilier l'orgueil et l'effacement — L'orgueil nécessaire à la survie dans un monde brutal — L'effacement nécessaire à la survie dans un monde orgueilleux »…
Peu narratives en soi, ses photos prennent sens par série, en séquence ou comme un rébus visuel éclaté, où chaque fragment renvoie au tout. Attentifs aux formats, aux tons et aux sons, aux rythmes comme à ceux d'une musique, ses tirages s'inscrivent, dans une grammaire renouvelée et une combinatoire constante, comme sur une portée. Les intervalles, silences et respirations y comptent autant que le visible, et les choses insignifiantes tissent entre elles de subtils réseaux d'oppositions et de correspondances…
De la poire à la pelure, du pelage au paysage, de la peau à la photo, il y a plus qu'un jeu sur les mots et une trop évidente allitération : le constat d'invisibles mais profondes racines, qui relient entre elles et unit dans une même fraîcheur des images de plus de trente ans, celles à peine faites d'hier — et celles enfin à faire demain.
Emmanuel d'Autreppe

(D'après le texte rédigé pour l'exposition DE LA TRANQUILLITÉ, présentée à Furnes par le Centre culturel de Marchin)

Le ravissement rend
la seconde éternelle
(22/06/03)

Une chose devient un objet quand elle passe de l'indétermination à la détermination, à un nom, une fonction (classement scientifique par exemple) ou à un statut (une pierre qui devient marteau).
Le sexe est certainement ce qui est le plus proche de la chose (de la nature) en l'homme et la sexualité ce qui l'en écarte le plus (elle est du plus pur imaginaire, passé au filtre du symbolique).
(23/04/13)

La part de l'évidence
La part du sens caché
Sans gravité, autour du noyau
Tenu à distance nucléaire
(25/03/15)

Ne pas faire une photographie de ça
Mais à partir de ça, faire une photographie
(18/06/16)

Pas d'image sans désir !
Pas d'image, cent désirs ?
(03/03/17)

L'abandon, la grâce
Quatre secondes de coton vibratoire
Jardin endormi
(04/08/17)

Ce délicat abîme
Qui se déchire quand une pensée enfouie de l'enfance
Crève la surface de la confortable conscience
(24/10/17)

Pas trop sûr
Une main douce
Dans la peau du temps
(26/11/18)

Sans titre

À partir de la chose muette,
De la chose sans nom,
Il s'agit de convoquer des schèmes,
Des représentations mentales
Qui replongent dans toutes les empathies
qui nous attachent au(x) monde(s)
Retomber amoureux des choses de la terre
(03/08/19)

Masculin féminin
Vanité sensualité
Et dans le carré, brutalement, la délicatesse
(19/11/19)

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Visites samedi et dimanche de 14 h à 18 h ou sur rendez-vous

Giovanni Gelmi et Pauline Dubisy

2019-11-08T08:17:54Z

Sommaire

A la galerie de Wégimont
Du 9 novembre au 15 décembre 2019
Vernissage le 8 novembre

Giovanni Gelmi

Calligraphie de l'espace

Rencontrer un artiste en devenir est toujours un plaisir d'une rare intensité. J'avais découvert régulièrement les œuvres aériennes et musicales de Giovanni Gelmi au fil des expositions de plein air ces dernières années.
Le temps de la rencontre était venu.

Ce sculpteur qui dompte le métal depuis plusieurs années, est l'auteur de « totems aériens » qu'il assemble et transforme au gré de son inspiration par un savant mélange de formes qui donnent vie à d'énigmatiques arabesques. Il faut dire que ce plasticien belge, d'origine italienne, n'est pas seulement un chasseur d'instants envolés, il est aussi un remarquable artisan.
Depuis toujours le métal l'a appelé. Il est vrai que son monde est fait de rencontres improbables avec un matériau d'apparence froid et lourd. Et pourtant, le métal qui devient entre ses mains une signature, est parfois un véritable moment d'éternité mais toujours un exploit de technicité.
Je suis directement séduit par l'élégance de son univers ; une sensation de légèreté, des lignes naturelles s'en dégagent. Ces sculptures, que l'on retrouve aujourd'hui dans de nombreux lieux d'art en Belgique, en Italie, se jouent de la lumière et s'étalent au travers des jeux d'ombres. En travaillant l'acier de la sorte, le sculpteur ne cherche pas à imiter une apparence sensible mais à donner une forme visible à une présence invisible, presque surnaturelle. C'est ainsi que de simples blocs de fer en courbes ou longilignes, entre ses mains, s'ennoblissent.
L'homme habite et travaille sur les hauteurs de Seraing, sa ville de naissance. Volubile, il sait parler de « ses » métiers. Rapidement au fil de la conversation, il m'invite à découvrir son « double espace » de création.
Giovanni peint et sculpte mais il scinde ses deux activités entre le garage et le grenier, entre le monde terrestre et le monde aérien. Encore une histoire de verticalité. L'homme aime aller à l'essentiel.

Le public ne résiste pas à cette griffe particulière qui fait de lui un calligraphe « verticaliste », reconnaissable au premier coup d'oeil. Ce savoir-faire universel n'est cependant en aucun cas hermétique, permettant à chacun une lecture multiple.
Il me confie que tout au long de son apprentissage de professeur, il s'est laissé absorber par le médium de base. Ensuite, très vite, en suivant l'enseignement des Beaux-Arts à Huy, il affirmera sa filiation avec l'art d'aujourd'hui, poursuivant toujours une réflexion personnelle sur la fragilité, l'équilibre, les formes, car l'art d'assembler et de plier est en lui.

Sa peinture, comme son œuvre de sculpteur, évoque, trace, le rapport brut à la couleur, mais c'est avant tout dans la troisième dimension que son inconscient trouve sa source d'inspiration. La sculpture prend le pas sur la peinture, au fur et à mesure, et c'est ainsi que se cristallisent une sensation ou une belle courbe. Le résultat final n'est donc jamais connu à l'avance.
Par un savant mélange de matériaux soudés, il donne vie à ses sculptures filiformes inspirées de l'art africain ou de la calligraphie orientale. Riches en matériaux de toutes sortes, les manifestions de Gelmi sont toujours le fruit d'une spontanéité stupéfiante. Et les sentiments qu'il traduit ou qu'il incarne naviguent dans toutes les gammes émotives : de la résilience au noeud « vincien », à l'étonnement et à la grandeur.

Et comme les masques du Cameroun qui sont considérés comme des condensateurs d'énergie, les œuvres de Gelmi sont profondément rythmées. La force qu'elles contiennent et qu'elles dégagent ont toujours pour sources des thèmes récurrents qui évoquent le lien entre la terre et le ciel : l'envol, les noeuds, la verticalité, l'union, la fusion, la danse ou l'ouverture. Leur fonction est de susciter une image en faisant abstraction de toute ressemblance ; elles visent uniquement à évoquer la trace, l'empreinte au moyen d'un agencement rythmique des volumes. L'apparence importe peu ! Car ce qui compte, c'est de créer une réalité qui suscite une puissance dictée par le métal, une matière qui n'accepte pas toutes les contraintes.
C'est cette connaissance approfondie du métier qui occupera une place fondamentale dans ce travail fait, d'une part, de force et de légèreté, d'autre part de poésie et de technicité. Il n'y a pas de doutes, ce travail « cosmique » entraîne une adhésion immédiate car il défie les lois de l'équilibre.
Lucien Rama, critique d'art

Pauline Dubisy

Entre beauté et ravage,
entre espoir et appréhension,
entre protection et évolution…

Dans ma vie quotidienne, comme chacun, je croise sur mon chemin des choses qui font naître en moi des émotions profondes. Ces stimulations enclenchent un processus créatif jouissif et exaltant qui consiste à chercher à retranscrire ma réalité émotionnelle, physique, intellectuelle ou spirituelle.

Ces instants ressentis sont provoqués par des découvertes que j'aime vivre comme des épiphanies, de grandes inspirations enivrantes ou des moments de synchronicité. Ils le sont aussi par la violence de la vie qui me heurte, par des angoisses qui (re)surgissent...
Et bien sûr, par de douces rencontres, une lecture qui résonne en moi, un tableau d'un autre artiste qui m'émeut, des détails qui m'enthousiasment, des circonstances qui me poussent à ouvrir les yeux, à observer et à percevoir la beauté et l'espoir qui s'offrent à nous.
J'aime analyser ma vie, la peindre de noir puis de rose.
J'aime la sublimer, l'intellectualiser, la simplifier, la structurer. Je cherche à la comprendre. Je cherche surtout à me comprendre et à savoir qui je suis dans ce monde qui m'entoure.
PD

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.

La Galerie de Wégimont est située sur le parking bas du Domaine provincial
Chaussée de Wégimont, 76 -4630 – Soumagne
Gsm : 0477 38 98 35
– e-mail : info@wegimontculture.be
Visites les samedis et dimanches de 14 à 18 heures et sur rendez-vous

JEAN-PIERRE RANSONNET

2019-09-30T14:30:52Z

Sommaire

Galerie de Wégimont
Du 28 septembre au 3 novembre 2019
Vernissage le 27 septembre

Les uniques bleus

Donnez-lui une photo, il y écrira des mots. Ramenez-lui l'Ardenne, et tout de suite ça peint. Donnez-lui des sapins, il y verra des visages. Elisez-lui un « l », aussitôt il l'apostrophe.
Donnez-lui un détail et débrouillez-vous avec ce qui manque. Dans son patronyme, un E pour un A.
Sur la toile, un bleu pour un jaune ? — on ne la lui fait pas. Mais passez-le au bleu, il vous y noiera bientôt.

D'une liste, il tire d'autres listes (ou l'inverse) ; d'une anecdote, un souvenir... ou l'inverse ; d'un trou, une mémoire ; d'un rebond ou d'un ricochet, un second rebond, un autre ricochet.
Ransonnet c'est le trait décoché. Le trait d'esprit et le trait de caractère. Le trait qui peint et le temps qui passe.
La tête et la main, suspendus, mais en mouvement perpétuel. Il joue avec tout ; il joue avec légèreté ; il joue avec inquiétude. Tout est ici relation et association, déplacement et allusion. Et puis aussi, et peut-être surtout, gravité et dérision, qui rejoignent chez lui l'éternelle dialectique de la surface et de la profondeur, de l'évidence du sens et de son évidement. Jean-Pierre Ransonnet ce n'est pas la pose songeuse, c'est la vraie peinture pensive. Et une trajectoire magnifique.
On n'en fera pas le tour ici. Plus de 400 pages y suffisaient à peine, dans l'imposante monographie que les éditions Yellow Now consacraient à l'artiste il y a une grosse poignée d'années déjà, et dans les textes fondateurs — ceux d'Alain Delaunois et de Julie Bawin en tête — qui ont contribué à identifier le créateur et à dresser les contours de son œuvre.
Que de temps depuis le temps des études, Liège, Saint-Luc... avant l'enseignement « en face », à « l'Aca ».
De la campagne à la ville, et retour... des lieux, des liens — et des L, déjà, comme dans les prénoms lumineux de ses deux géniteurs. La débrouille, la vie de peu, les espaces contraints et, très vite, des rencontres déterminantes : Lizène, Nyst, Charlier, Boulanger, Vandeloise, Blavier, Jungblut... Les liens dessinent des cercles où l'on se sent moins seul.

Derrière l'apparent désordre et le mélange des approches, des techniques, pointe rapidement la volonté tenace de projeter dans l'œuvre « les événements de la vie tels qu'ils viennent à la conscience », héritage bien digéré du surréalisme et de l'influence de Breton ou Bataille, qu'il effleurera souvent sans jamais tomber dedans.
La fin des années septante et les années quatre-vingt verront Ransonnet quitter les parages de l'art relationnel et les composantes narratives de son art, pourtant bien établies et devenues presque marque de fabrique, pour un retour massif à la peinture « pure », dans toute son inépuisable simplicité. Motifs évasifs, déclinaisons sérielles, obsessions et insistance, ou au contraire tentatives et variations ; renouvellement surtout, partout, sans cesse. Gonflé d'une belle mais peu tapageuse énergie, Ransonnet quitte le cadre alangui de la photographie et retrouve une vision du monde à la verticale, et le plaisir d'aborder la peinture comme le geste le plus debout qui soit.
Le goût de l'allusion et de l'élision ne l'a jamais quitté.
S'y devinent l'absence, le manque : un peu froissés, un peu fêlés, et donc laissant passer la lumière... la disparition dans le temps et l'espace mêmes de l'apparition. Et le temps d'un bleu (bleu de travail, bleu mental, bleu du ciel), tout alors se pose et vous hypnotise, vous happe dans l'eau de cette vie qui — quelque poète anglais l'aurait-il dit déjà ? — n'était peut-être qu'un songe, depuis le début ou même avant. Un songe ou mille, aussi indistincts qu'éblouissants.
Emmanuel d'Autreppe

N'y voir que du bleu

Parbleu ! Pour cette exposition des œuvres de Jean-Pierre Ransonnet, il n'y a à voir que… du bleu, beaucoup de bleu, bleu clair, bleu foncé, bleu azur, bleu marine, bleu outremer, bleu nuit, bleu indigo, bleu de cobalt, bleu de Prusse… Couleur du ciel, de l'eau, de l'espace, le bleu entre toutes est la couleur de l'immatériel.
Il n'a pas de dimensions. Intense, profond, il exprime généralement la soif d'idéal, l'aspiration
au spirituel, la quête du divin. Dans sa légèreté et sa clarté, il nous parle de tendresse, de douceur, de rêverie, d'évasion. Obscurci, s'approchant du noir, le bleu sombre dans la mélancolie et se fait témoin de la solitude, de l'absence, de l'égarement, de la disparition… de la mort.
Du lapis-lazuli de l'Égypte ancienne au fameux « IKB » d'Yves Klein (1), le bleu traverse toute l'histoire de l'art. Sa tonalité varie en une multitude de nuances et porte autant de noms pour les décrire, mais il en manque au moins un qui ne figure ni dans les catalogues de fabricants de couleurs, ni dans les encyclopédies ou autres ouvrages et essais, d'histoire de l'art et d'esthétique. Ce bleu, c'est celui de Jean-Pierre Ransonnet, le bleu de « l'Ardenne bleue ». La Région wallonne a vu juste avec ses panneaux plantés sur les bas-côtés de notre magnifique autoroute des Ardennes. L'Ardenne, certes, est plutôt verte de prime abord mais plus on s'enfonce au cœur du paysage, plus les sapins se multiplient, grandissent, se serrent les uns contre les autres, et plus ils deviennent
bleus, d'un bleu profond, presque noir.
Ces sapins grandioses de « l'Ardenne bleue » ont frappé l'imaginaire de Jean-Pierre Ransonnet, enfant. Né à Lierneux, il y a vécu toute sa jeunesse. Fréquentant l'école buissonnière, il courait et jouait dans la campagne sauvage et dans les forêts immenses, mystérieuses. Mêlée aux souvenirs des membres de sa famille, de ses amis, des habitants du village, agriculteurs, forgerons, artisans, cette nature foisonnante mais rude et austère a façonné sa personnalité et constitué le terreau de son art.
(1) IKB : Intrenational Klein Bleu. Bleu composé et breveté par Yves Klein dont il possède dès lors l'exclusivité – non sans un brin de prétention et d'humour ?

PETIT RETOUR EN ARRIÈRE
Dans les années '70, Jean-Pierre Ransonnet se détourne résolument de sa première tentative picturale néo-expressionniste.
Un besoin d'émancipation, un brin de provocation, beaucoup d'humour et de dérision mais aussi de tendresse et d'émotions se traduisent alors dans des œuvres sur papier (c'est aussi pour lui une époque de vaches maigres) où se mêlent dessins, gouaches, photos, collages, écritures. Dans ces constructions et assemblages débridés plane un esprit surréaliste où s'effectue la « rencontre fortuite » d'images du réel, de souvenirs présents et d'autres enfouis dans l'inconscient qui ressurgissent à la faveur d'un « hasard objectif », cher à André Breton. En fragments épars, les thèmes s'entrechoquent, souvenirs des lieux de son enfance, regards sur les faits et choses du quotidien, images de la femme entre idéal, désir, satire, érotisme et humour.
C'est aussi à ce moment-là qu'apparaît dans les œuvres de l'artiste, comme en surimpression, la lettre « l' », calligraphiée, signe emblématique et signature de l'œuvre de Jean-Pierre Ransonnet.
Le « l' » se glisse partout déjà dans les créations des années '70 et réapparaîtra plus tard dans sa peinture. Tel un motif, ici bien apparent et lisible, là dissimulé, enfoui dans la matière, presque indéchiffrable ou encore, transfiguré en l'ébauche d'un visage. Le « l' » renvoie à Lierneux, aux Lieux, aux Liens et l'apostrophe est elle-même un lien qui relie son village natal à d'autres lieux, où se sont noués les liens qui ont tissé sa vie et son œuvre. Ce « l' », au gré de ses différentes incursions tout au long de l'œuvre de l'artiste, peut aussi se lire comme une interpellation, une interrogation, une hésitation, une échappée, une porte entrouverte, un appel, une attente, une absence…

D'abord, il n'y a rien, ensuite il y a un rien profond, puis une profondeur bleue. Gaston Bachelard

« ÇA PEINT »
Après cette période, disons néo-dadaïste pour balayer d'un trait, trop rapide, l'activité avant-gardiste des années '70, Jean-Pierre Ransonnet revient à la peinture.
En 1979, lorsqu'il peint son premier Ça peint (lisez sapin), par ce jeu de mot d'une part, il renvoie à l'inconscient, au ça freudien et, d'autre part, il affirme son choix, sa volonté, son goût de peindre… plutôt à contre-courant de ce qui est alors dans l'air du temps.
Peindre, oui ! Mais quoi ? Et comment ? À cette question, dans les années '60, bousculant toutes les théories artistiques et spéculations intellectuelles traditionnelles, le célèbre artiste et professeur allemand Josef Beuys apporte une réponse simple et claire : « l'art c'est la vie », autrement dit, répétait-il à ses élèves : « l'art, c'est toi, ce que tu es, ce qui t'a construit, ton histoire, ta mémoire, ta vie ». La règle : partir de là.
Sans toutefois appartenir à quelconque école, Jean-Pierre Ransonnet l'avait compris. Il est « parti de là », de l'Ardenne et de ses forêts de sapins immenses et sombres, là où il est né. Sur ses premières toiles s'inscrivent de grandes masses noires compactes, les sapins (Ça peint). Déployant leur ramure tombante, ils traversent l'espace de part en part, de gauche à droite, de bas en haut, de la terre au ciel, sans souci des limites du tableau. Quelques traits colorés (bleu, vert, jaune orangé et blanc), frêles trouées de fraîcheur et lumière entre les colosses obscurs, tourbillonnent en tous sens en jets nerveux, rapides, et saccadés. Bouillonnante expression à la fois dramatique et vitaliste de la présence et du mystère ancrés au plus profond de son être, de ces vastes forêts insondables et ténébreuses.

DU « ÇA PEINT » AUX SAPINS
Comme la meule de foin pour Claude Monet, le sapin est désormais devenu le motif sans cesse répété et varié de la peinture de Jean-Pierre Ransonnet. Les couleurs, vert, mauve, bleu, jaune ocre, brun rouge, s'emparent de sa ramure ou de son tronc. Glacis légers et pâtes épaisses, dégoulinures enchevêtrées aux couleurs accordées, envahissent l'espace tout entier de la toile, lieu fusionnel du motif et de son environnement, et les sapins exultent dans le foisonnement et l'exubérance de la couleur et de la matière. Dans d'autres toiles, le sapin peut aussi redevenir noir, sombre, inquiétant, brisé, décharné, squelettique. Il se profile alors, vacillant sur des fonds blanchâtres parfois légèrement teintés de bleu ou de vert. Privé de vie et de lumière, c'est le sapin en hiver, image ténébreuse de solitude, de désolation et de mort. Contrepoint.

LE GOÛT DU BLEU
Le goût du bleu s'est installé dans l'esprit de Jean-Pierre Ransonnet lors de diverses rencontres insolites et… de « liaisons dangereuses ». Fascination d'abord, ce qui semble aller de soi, pour le bleu du ciel. Qu'on ne s'y trompe, la séduction ne venait pas du firmament mais du « Bleu du ciel », titre d'un roman de Georges Bataille qui ne parle pas que du bleu du ciel !

C'est aussi lorsqu'enfant, captivé, il assiste au travail de son père, peintre en bâtiment, chargé de repeindre les plafonds de la chapelle de Lierneux où, sur un magnifique fond de ciel azur constellé d'étoiles, trônait une Vierge Marie toute drapée de bleu. Et ce bleu virginal logé dans sa mémoire de se mêler à un autre souvenir, un trouble merveilleux à la vue d'une adolescente dévalant à vélo les rues du village, vêtue d'une mini-jupe bleue flottant sur ses jambes bronzées par le soleil de l'été. Le bleu, c'est encore la flamme rouge, jaune et… bleue de la forge, le bleu limpide de l'étang proche du village, le bleu des myrtilles tapies dans les sapins… « l' » , elle, Lierneux, les lieux, les liens… enfouis, ressurgis, avoués.
C'est aussi du côté de l'histoire de l'art que Jean-Pierre Ransonnet trouve dans le bleu quelques résonances.
D'emblée, fascination pour le bleu de Matisse, le bleu, intense et lumineux, des paysages de Collioure ou celui, irradiant, presque solaire, des célèbres Nus bleus, papiers découpés peints à la gouache où formes et couleurs ne font plus qu'un. Attirance aussi pour le bleu à la fois expressionniste et idéaliste du groupe « Le Cavalier bleu », fondé par Wassily Kandinsky et Franz Marc. Par l'emploi du bleu, les deux artistes tentent de s'élever au-delà de la matérialité vers le surnaturel, le spirituel. Dans le bleu, Franz Marc fusionne les mondes naturel et animal (le cheval),
reflet de la pureté originelle et, affirme Wassily Kandinsky dans ses écrits(3) : « Plus le bleu est profond, plus il attire l'homme vers l'infini ». Admiration enfin pour Yves Klein qui, quelque cinquante ans plus tard, propose, dans sa volonté d'expérimenter l'idée de l'infini, ses célèbres monochromes bleus. Avec l'aide d'un chimiste, il compose un bleu outremer mat et saturé, absorbant et irradiant la lumière tout à la fois (IKB), « un bleu qui n'a pas de dimension », dit-il, et réalise par là la fusion de la matière et de l'immatériel, de la terre et du ciel, du temps et de l'infini. Soufflant !
(3) Vassily Kandinsky, du spirituel dans l'art et dans la peinture en particulier, 1911.

ET MAINTENANT, « LE FOND EST LÀ, IL S'AGIT DE TROUVER LA FORME » (JPR)
L'Etang est le thème et le titre des premiers tableaux bleus réalisés dans les années '80. Contre toute
attente, le format de la toile est vertical. L'eau de l'étang n'est donc pas une étendue plane ; elle se
relève frontale et le bleu, d'une telle intensité, n'est ni le bleu de l'eau ni le bleu du ciel, c'est un bleu de cobalt saturé, sourd, mat qui contient et retient la lumière.
Sur les bords du tableau, en bandes verticales, des tracés vigoureux noirs et verdâtres (chemins ou
troncs de sapins qui bordent l'étang) traversent la toile de bas en haut, de la terre au ciel, et l'encadrent sans la refermer. Quelque bris de branches tombées, hérissés de petites barbelures pointues, s'interposent sur les bords inférieurs et supérieurs du tableau ou s'immiscent dans la vaste plage de couleur bleue.
Pas de point focal, pas de sens de lecture si ce n'est celui donné par l'élan vertical. Une composition
frontale, sans profondeur, et pourtant le regard se perd dans l'infiniment bleu. Dans certaines toiles, au cœur de l'abîme apparaît une forme ovale, un visage sans doute, présence humaine mystérieuse dont il ne reste que la trace. Les seuls accords de l'insondable profondeur du bleu et de l'obscurité des noirs intenses, parfois légèrement teintés de brun et de vert terreux semblent de prime abord offrir une vision tragique d'un monde absurde qui porte en soi la disparition, la finitude, la mort. Mais de ce bleu crépusculaire sourd une promesse de lumière, celle de « l'heure bleue », moment éphémère de silence, d'incertitude et d'espoir. Par ailleurs, sorte de masque sans traits ni visage, cette forme ovale saturée de noir, telle une ombre menaçante, surgit d'entre les arbres de la forêt.
Plus tard, dans un tableau de 2009, cette figure noire, écrasée en tache informe, réapparaît sur un bleu nocturne violacé d'une intensité poignante.
Encadrant cette ombre mystérieuse, plus que jamais image de l'absence, quelques éclats de lumière jaune, vert et ocre, cernés de traits noirs incertains semblent prêts à leur tour à s'enfoncer dans la nuit éternelle.
L'étang est aussi le lieu où peut flotter le « l' » ou, tout aussi énigmatique, une forme carrée quadrillée, noire ou orangée, qui n'est autre que le radeau de son enfance dérivant sur les eaux de l'étang.

LA FORGE BLEUE
Jusqu'à l'aube des années '90, la peinture de Jean-Pierre Ransonnet parle de l'eau (L'étang), de la terre (Les forêts), de l'air (Les ciels). Des quatre éléments, symbole de l'univers, il lui restait à évoquer le feu. Le symbole allait croiser la réalité. Non loin de la maison natale de l'artiste, travaillait un forgeron — Jean-Pierre Ransonnet raconte qu'il se souvient encore du son du marteau sur l'enclume. La forge, le thème était trouvé. Il réalise alors une série de toiles où les jaunes solaires et les rouges flamboyants servent à inscrire des signes pictographiques, tels des hiéroglyphes, où l'on reconnaît les outils du forgeron, le marteau, l'enclume, la pince, les tenailles. À ce vocabulaire de formes presque abstraites, réduites connue, ombre mystérieuse, visage anonyme, trace évanescente d'une présence humaine.
Très vite, le bleu, les bleus, clair, foncé, violacé, outre-mer, nuit jusqu'au noir, s'accordent aux rouges qui s'effacent progressivement. La forge alors, tout entière, est bleue, d'un bleu incandescent et, trempés dans le bitume, les outils-figures ou figures-outils – la forme est devenue ambivalente – structurent, sans ordre apparent, l'immensité de l'espace.

MANIÈRE DE PEINDRE,
MANIÈRE D'ÊTRE ET DE PENSER
Dès les premiers Ça peint-sapins et jusqu'à ses dernières œuvres, Jean-Pierre Ransonnet, à l'aide de gros pinceaux et brosses, couvre la toile de traits colorés en tous sens. Des pâtes épaisses viennent recouvrir partiellement les couches antérieures plus légères et la matière colorée s'accroche ou coule en fines dégoulinures. Puis, l'artiste tourne la toile sur le côté et la couleur dégouline encore.

Résultat : une sorte de trame, ici sous-jacente là comme en surimpression, se mêle aux motifs et brouille la lecture, accordant par cette pratique une part égale aux quatre bords du tableau. Déconstruction, au final, de la peinture traditionnelle, sans point focal, sans ligne d'horizon, sans ligne de contour, sans dessin, au profit de la liberté de la forme, de la matière pour elle-même et de la notion d'espace et de temps.

« C'EST LE CORPS QUI PENSE » (JPR)
Même si une image vague (« l' », Lierneux, les lieux, les liens) préexiste, Jean-Pierre Ransonnet aborde la toile sans plan préconçu ; mieux, il organise d'abord le chaos. Dans ce chaos, au gré des hasards et de rencontres fortuites du « geste-forme-couleur », le motif émerge. L'enjeu consiste à le faire exister dans un rapport de forces et de tensions en accord avec le mouvement vibratoire des couleurs. La toile devient un champ d'affrontement ou l'artiste livre un combat au corps à corps avec la matière, les formes et les couleurs. Le geste est puissant, déterminé, sauvage même, émotionnel aussi, voluptueux et sensuel. La forme et l'idée, le corps et l'esprit ne font plus qu'un :
« C'est le corps qui pense », dit-il, et d'ajouter : « L'émotion est mon guide, pas la raison ».
Quoi qu'il en dise, tout son œuvre est sous-tendu par la dialectique des contraires où se rencontrent et fusionnent la lumière et l'obscurité, l'esprit et la matière, le léger et le tragique, la terre et le ciel. Et, comme pour minimiser cette forme de rationalité, Jean-Pierre Ransonnet nous livre son œuvre tout en bleu, d'un bleu si intense, si profond, si luminescent qu'il en devient presque immatériel. Transcendance ?
Mysticisme ? ou … « N'y voir que du bleu »…
Qui sait ?
Anne Gersten

BIBLIOGRAPHIE
– Collectif, Jean-Pierre RANSONNET. Une Biographie, Introduction de Julie BAWIN,
Yellow Now/Côté Arts, Crisnée, 2013.
– Pascale LISMONDE, Le Goût du Bleu, Paris, Mercure de France, 2013.
– Michel PASTOUREAU, Le Bleu. Histoire d'une Couleur, Paris, Seuil, 2000.

Les manifestations sont organisées par l'asbl Wégimont Culture,
avec le soutien du Service culture de la Province de Liège
et en collaboration avec la Fédération Wallonie-Bruxelles.