Wégimont Culture

Denise Gilles

2023-03-06T12:43:06Z

Sommaire

Passion du NOIR

Née en Ardenne belge, Denise Gilles entame une carrière artistique au sortir d'une formation à l'Académie des Beaux-Arts de Verviers. Dès 1960, et durant près de 30 ans, elle privilégie le travail au couteau et pratique la peinture figurative, de paysages ou d'inspiration naïve.
Elle découvre la peinture de Pierre Soulages lors d'une exposition à La Boverie à Liège en 1980, mais il faudra encore une dizaine d'années avant que l'artiste se lance dans l'abstraction.
C'est à « Silence les Dunes » à Heusy, en 1991, qu'elle présente pour la première fois sa peinture informelle. Les expositions solos ou collectives se multiplient. De 1993 à 2003, elle participe à de nombreux salons d'avant-garde à Paris, dont le célèbre Salon « Réalités Nouvelles », de 1996 à 2000. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, en Belgique et à l'étranger, dont la Fondation Mondrian aux Pays-Bas et le Musée d'Art contemporain IKOB à Eupen. L'artiste, toujours en quête de renouvellement, continue de peindre dans la veine abstraite.

Denise Gilles, n°131, 1999 – 2017, huile sur toile, 93 cm x 76 cm ©TTLbyNARD « J'ai choisi de peindre en noir parce que : le noir égale cosmos - abysse - éternité - mystère - refuge - silence fente - humus - matière - goudron - encre - écriture - trace force - vigueur - sensualité - fascination - émotion grandeur - sobriété - simplicité - intériorité essentiel ... et qu'il engendre la lumière. »

« Depuis toujours, c'est la recherche
qui anime mon besoin de peindre (…). »
(extrait de Parcours, Denise Gilles)

Sous un soleil noir

Pierre Somville
Il semble que Denise Gilles soit entrée en Abstraction comme on entrait jadis en Religion. « Exercice de la peinture » disait Bazaine ; l'exercice spirituel, dès lors, n'est jamais bien loin. Mais de quoi s'agit-il au fait ?
D'une illumination paradoxale suivie d'une brève cécité, voire d'une perte de parole, entraînant un retour sur soi ; un refus temporaire du monde extérieur et une plongée tout intérieure dans un univers de ténèbres. Puis, quand on aura refait surface, rien ne sera plus pareil. Les mondanités sensorielles seront à jamais marquées par cette noirceur : heart of darkness.
Toutefois, le moment le plus sensible de l'expérience reste celui du rebond lié à l'illusion (heureuse ?) d'avoir peut-être touché le fond. Alors, on remonte, lesté d'une nostalgie impérissable. Voilà l'une des possibilités du chemin… En écrivant ceci, d'ordre général, je n'ai cessé de penser aux dernières versions de l'œuvre peinte de Denise Gilles.
Après avoir abandonné les riantes couleurs et traversé, aux limites de l'asphyxie, diverses sortes de chaos, elle plonge et, depuis quelques décennies, nous évoque à nouveau l'ordre, après l'abîme entrevu et les attentes de rebond.

Ceci dit, la peinture du noir — qui est une couleur — a depuis longtemps acquis ses lettres de noblesse : de Grünewald à Goya et de Soulages à Kapoor. Quant à ces deux derniers, notre artiste s'en dégage heureusement.
On ne trouve plus chez elle de ces lourds madriers entre croisés sur fond de lumière diffuse, ni ces noirs mats absolus apparemment sans issue, mais bien, sur un écran sombre où l'anthracite le dispute parfois à des reflets de cendre chaude, telle percée inattendue d'un piment rouge, telle ligne d'orange dressée comme un fléau de balance ou le mince liseré argenté d'une immobile chute d'eau. Ainsi la vie reprend ses droits, au bout du Voyage.
Enfin, revenant au motif, permettez-moi de citer quelques lignes de mon essai Mimésis et art contemporain. C'est au chapitre « L'abstraction » :

Mais d'abord, il y eut les inventeurs ceux qui s'avisèrent que si, vraiment, « ceci n'est pas une pipe », il est oiseux d'en proposer le simulacre, et que c'est là perdre son temps. Un précieux temps-lumière, au contraire, granulé et atomisé, devra être instauré, de même qu'un nouveau regard sera porté d'urgence sur les choses extérieures et intérieures à l'homme.
Les premiers artisans de cette nouvelle vision vont véritablement « abstraire » du visible obvie des formes de plus en plus purifiées, raréfiées, et simplifiées jusqu'au résumé par trait, hiéroglyphe, signal de moins en moins lisible…

(P. Mardaga, 1997, 2^e éd.Augm., p. 33)

Partant de là, le spectateur pourra, s'il le souhaite, essayer de refaire le chemin en sens inverse. Après l'émotion première – condition sine qua non — il tentera de revivre le travail de l'artiste : abrasion, grattage, décapage jusqu'à l'os ou le silex, sous la vivante verdure. C'est qu'il s'agit d'atteindre le moi profond des choses, vainement pisté par le philosophe, alors que l'artiste, rien qu'en posant la question, trouve par l'apparent raccourci de son expression la seule forme de réponse possible, admirablement physique, puisqu'un support et des matières en sont le nécessaire écran.
Au mieux, on revient de cet aller-retour, rasséréné comme après une catharsis. Merci l'artiste !

Denise Gilles, n°314, 2003, huile sur toile, 122 cm x 100 cm ©TTLbyNARD

Raphaël Demarteau

2022-12-24T10:35:26Z

Né à Oupeye en 1980, de mère italienne et de père belge,
Raphaël Demarteau découvre le monde de la peinture en voyageant beaucoup : en 1998, il s'envole pour Victoria (Canada) où il prend goût au dessin réaliste et à de nombreuses techniques picturales. Il remporte la bourse Lambert Darchis et réalise un master en nouvelles techniques à la « Rome University of Fine Arts ». Ce riche séjour viendra compléter sa formation de peintre à Saint-Luc Liège.

Nous avons voulu pour la scénographie de cette exposition montrer le travail et les dessins de Raphaël Demarteau comme des tableaux d'une pièce de théâtre, des chapitres d'un livre. Nous avons réfléchi à faire vivre le travail et l'espace comme un tout.

Nostalgie, 2020, aquarelle et fusain sur papier, 23 cm x 30 cm

La peinture de Raphaël Demarteau est précise. Sous les couleurs, des formes, des contrastes, des paysages se développent, se dessinent... Plus qu'une invitation aux voyages, les tableaux de Raphaël nous font prendre conscience que la peinture est là pour nous faire vivre des sentiments et des émotions. Ils nous font retrouver des moments d'hier, des sensations de vécu, des parts de rêve. Sur certains dessins, le trait de crayon se fait hésitant comme nos chemins de vie. Le coup de la mine nous amène à nous interroger. Si même par moments
on pourrait croire en des mouvements de folies colo- rées et des traits évasifs, on voit aussi dans la peinture de Raphaël Demarteau une force comme une gestuelle maîtrisée qui reste juste dans la construction.
Une partie de l'accrochage de l'exposition est déclinée
comme une planche de bande dessinée, très narrative, nous renvoyant à un imaginaire nous permettant de s'identifier dans nos choix et dans nos doutes... Les grands formats sont fermés par le cadre, mais notre
regard nous donne à continuer la peinture par notre imagination, notre envie de continuer à peindre avec l'artiste.
Dans la série noir et blanc, on retrouve des codes comme en photographie : la densité, la profondeur, le contraste et même parfois une perception du flou. Cela nous amène à vivre le rythme du trait, du plein et du vide, un peu comme si on était dans un tourbillon de différentes scènes de films. Ces tourbillons nous faisant virevolter le regard tant la tension est visible et palpable. On peut aussi voir des références à la peinture classique dans l'organisation des compositions et dans la gestion des espaces, les pleins, les vides, les raccords d'une dimension à l'autre. Les couleurs froides et chaudes se côtoient pour donner une valeur, une grandeur et une force dans l'écriture sur la toile.
Une certaine abstraction côtoie quelques scènes plus figuratives afin d'équilibrer le langage pictural du travail de Raphaël Demarteau.

Frédéric Materne

Instant suspendu, 2019, bâtons d'huile sur papier, 33 cm x 50 cm

Damien Caumiant & Matthieu Litt

2022-11-18T13:40:00Z

On peut espérer qu'elles soient bonnes… mais les raisons de rapprocher, ou de présenter conjointement, les travaux de Matthieu Litt et de Damien Caumiant, au sein d'un même espace et d'un même principe d'exposition, sont en tout cas nombreuses ! Une même génération (à peu près quadragénaire) de photographes-auteurs, issus de la région liégeoise et passés par l'ESA Saint-Luc Liège. Un même attrait pour le paysage et la couleur. Le même goût du voyage — jusqu'à se croiser, en pensée du moins, au fil de destinations voisines, de pérégrinations proches. Bref, une diagonale qui tient presque du joyeux mélange mais où, du coup, il n'importe pas moins de tenter de les distinguer, d'apporter des nuances…

« s'engager
s'abandonner (parfois) aux formes, aux couleurs, à la vie marcher, éprouver, épuiser et s'épuiser
respirer
marcher encore trouver son rythme glaner
la démarche est une question d'allure ».
Damien Caumiant

Originaire de Stavelot, après des études à l'ESA Saint-Luc Liège il y a près de vingt ans déjà, puis à l'ERG à Bruxelles, Damien Caumiant a pas mal roulé sa bosse, jusqu'à franchir le cap de la quarantaine et celui des responsabilités paternelles (récemment, à deux reprises). Pendant un temps il a fait des piges, travaillé pour plusieurs journaux, essentiellement en Belgique francophone, avant d'exposer à la bien- nale de Marchin en 2019 à l'occasion de la sortie de son premier livre, « Construire un feu », chez Yellow Now (collection Angles vifs), et plus récemment chez Contretype à Bruxelles, dans le cadre des « Propositions d'artistes ».
La pratique de Damien Caumiant s'articule autour de l'idée du déplacement, de l'exploration du territoire et de l'espace ; elle est avant tout liée au sens d'un profond dépaysement et d'un questionnement itinérant, plus ou moins rêveur, dans la lignée des photographes (Philippe Herbet en tête) qu'il fréquente ou dont, avec prudence et modestie, il admire le travail. Il a depuis une quinzaine d'années fait autant de voyages qu'il pouvait, se posant pour des séjours plus ou moins prolongés en Corse, près de ses bases en Belgique, ou encore à cheval sur la France et la Suisse, et assez longuement, l'année passée, sur l'île de La Réunion.
Il a ainsi, au fil du temps, donné consistance à divers projets relativement précis (« Marche en marge », « Black Sea Loop », « La descente »…), virées en roue libre, en quête de bouts, de seuils, de bords, et où peu à peu les contraintes géographiques s'effacent pour devenir plus personnelles, une quête intime, une méditation dans les replis du monde pour mieux entrer en résonance avec lui.
Les images proposées ici sont le fruit de ces voyages, essentiellement, avec quelques retours en arrière ; elles jettent des balises, indiquent quelques fils conducteurs, donnent le ton d'une approche : attentive au paysage et à la découverte, patiente, carrée et argentique, d'abord, puis évoluant vers d'autres formats, d'autres supports. Un certain classicisme ; peu de tapage ; beaucoup de sensibilité. Quelques portraits francs, mais à bonne distance ; une approche plus poétique ou contemplative quand il s'agit de paysage, veillant toujours au détail significatif, et méfiante à l'égard du pittoresque. Et surtout, ces derniers temps, un dosage de plus en plus personnel et précis d'esthétisation et d'expérimentation, tout en raffermissant la base documentaire.
Il n'est dès lors, pour le photographe, « plus question de suivre une quelconque limite, une trame prédéfinie ou les traces d'un homme mais de s'engager dans un espace libre, sans repère, ouvert aux formes, aux couleurs et à la matière (…). Une lueur jaillit du fond d'une grotte, bénit un rocher, irradie une ville, éclaire une caverne, illumine les êtres et dévoile les traces d'un monde sensible, vulnérable. Écho d'une tra- gédie imminente ou déjà passée, théâtre sublime de terres imprégnées de mystères. Mythe ou mirage ? La nature du paysage se révèle dans une dialectique d'absence et d'apparition, d'attraction et d'abandon ».

Damien Caumiant, Inland Kingdom, impression jet d'encre sur papier de riz, 60x80 cm, 2022

Cette orientation nouvelle, cette quête souterraine, avec « sa foi pour moteur et sa flamme pour guide », non exempte d'une certaine mystique que l'on qualifiera prudemment de profane, s'est consolidée notamment autour de séjours aux confins du désert iranien — terre de célébration des éléments et de vénération du feu, de sa lumière —, terre immémoriale affleurant aux abords de la « civilisation » et de ses ravages. La même quête se prolonge et prend une orientation nouvelle à travers les images qu'il a ramenées de La Réunion, île qui pendant plusieurs siècles fut un « lieu de refuge, de camouflage, un espace de liberté et de reconstruction pour ceux qui fuyaient leur condition servile. Dans une nature vierge et inhospitalière, une nouvelle société se réorganise pour survivre et renouer avec son passé. Avec ses traditions, ses souverains et ses rites, cette terre sacrée aspire à réaffirmer une renaissance et de là, son identité et son humanité ».
Et si tout, au bout du compte, se prête plus ou moins facilement au mélange, probablement est-ce le signe que quelque chose d'essentiel, voire d'immuable, s'y retrouve… et relie entre elles les images, consolide la quête du photographe.

Damien Caumiant, Inland Kingdom, impression jet d'encre sur papier de riz, 60x80 cm, 2022

Quant au travail de Matthieu Litt, tout y est si ténu et délicat que l'on pourrait croire, au premier abord, qu'il n'y a presque rien à y voir, si peu à en dire. Presque rien ne se passe, et tout est dans le « presque », pour qui sait là aussi relier les images entre elles : ses petits ou vastes paysages fragiles sont avant tout des paysages d'images, presque des paysages mentaux. Aucune plus importante que l'autre, aucun instant plus décisif que le précédent ou le suivant. Mais tout compte, dans sa richesse de détail, sa banalité incomparable, sa lumière ; l'impression de tranquillité qui se feuillette d'une saison à l'autre, d'un lieu à l'autre, d'un état d'esprit à un autre.

Matthieu Litt, Through The Walls, impression pigmentaire sur toile, 120x155 cm, 2016

Auteur à ce jour de trois livres déjà (en auto-édition, aux éditions du Caïd ou sous forme de livre d'artiste), Matthieu Litt a étudié le graphisme puis la photographie à l'ESA Saint-Luc Liège, tout comme Damien, et il est par ailleurs le metteur en pages, depuis plusieurs saisons, de la revue de Wégimont-Culture que vous tenez dans les mains ! De là sûrement l'importance et le soin qu'il accorde, peut-être encore davantage qu'à la prise de vue ou au « contenu » des photographies, à leur mise en place et à leur présentation, que ce soit sous forme de livre ou d'exposition. Plus encore ici que chez Damien, on aurait tort de vouloir séparer les choses : tout est dans tout. Il convient dès lors de saisir son ou ses projets dans leur globalité, et non pas dans un déchiffrement image par image. Ainsi sa série « Oasis », à propos de l'espace menacé du Ry-Ponet (tout voisin), se présente-t-elle sous forme d'une « grille » de lecture, promenant l'œil d'une image à l'autre sans lui permettre de trop se fixer sur aucune d'entre elles ; la transparence du papier concourt d'ailleurs elle aussi à laisser se chevaucher, s'entrechoquer les images. Ainsi Horsehead Nebula, son premier livre, tenait-il d'une constellation aux contours mal définis. Ainsi encore Tidal Horizon, son second, se présente-t-il dans un double sens de lecture qui évoque le perpétuel recommencement, le mélange du début et de la fin, l'horizon jamais atteint. Ainsi enfin Terra Nullius, sa dernière série, regroupe-t-elle parfois plusieurs images en une : tentative de cadrer un paysage immense en une seule vue, en le recomposant ; de mêler, en une photographie, qui par nature fige et découpe avec précision, le passé et l'avenir ; de brouiller enfin la frontière entre le support matériel du film lui-même et le paysage — on ne sait plus trop où commence l'un et où finit l'autre.
Il ne faudrait pas taxer de coquetterie cette dimension, parfois un peu complexe, de son travail, elle est au contraire essentielle : « Je pense souvent au livre comme au résultat final lorsque je commence un projet. Pour moi, la possibilité de créer un objet qui va au-delà de la simple présentation des images est essentielle. Je considère alors les images comme un matériau qui peut être utilisé de nombreuses façons. J'ai conçu mes propres livres et je prolonge ma pratique du graphisme en créant des livres d'artiste pour d'autres auteurs. » S'éloignant ainsi de l'apparente tranquillité de ses premiers paysages — beauté des prairies, des montagnes et des villes oubliées des anciennes républiques soviétiques, sens de l'hospitalité des autochtones et règne du temps lent — Matthieu Litt a peu à peu enrichi son langage de strates plus conceptuelles, critiques, théoriques. On y repère le thème, actuel s'il en est mais traité ici sans le frisson du spectaculaire, de la fragilité de la nature, et du lien avec elle, que l'homme peine à retrouver : « Je travaille plutôt intuitivement, j'ai étudié un peu l'agronomie, donc tous les sujets naturels, végétaux, géologiques et animaux m'ont toujours intéressé. Je cherche des détails qui transmettent ce dont je veux que mes séries parlent, en usant de métaphores visuelles, elliptiques. Je ne fais pas beaucoup de recherches au préalable, pour ne pas être orienté par des sujets ou des lieux trop explorés ou discutés ; je préfère m'immerger dans un endroit et entamer les recherches en testant différentes pistes sur place. »

Matthieu Litt, Oasis, impression pigmentaire, 65x55 cm, 2020

Ainsi a-t-il opéré également autour du Ry-Ponet (ce poumon vert menacé par l'urbanisation), attentif à la beauté de ce qui se trouve à sa porte et à sa portée, soucieux de sensibiliser, sur une échelle de proximité, à la crise environnemen- tale actuelle.
Ni enquête sèche, ni élégie geignarde, la démarche de Matthieu Litt tient davantage de la promenade attentive (tout près) ou du voyage (au loin) que du parcours ou de l'acte militant. Dédale d'images dans lequel on s'aventure par couches concentriques, et où se mesurent, s'assemblent, la présence et l'importance respectives de l'humain, du bâti et de la nature, elle suit l'appel du moment qui s'étire, dérisoire et précieux.
Souvent exposé et très apprécié aux Pays-Bas, Matthieu Litt a récemment dévoilé à Amsterdam « Terra Nullius », sa dernière série en date, réalisée au Groenland lors d'une résidence. « Terra Nullius était le nom donné aux terres non découvertes par le passé, des endroits où tout était possible, et des zones fortement attirantes pour les navigateurs et les explorateurs. Tout y est encore possible, mais malheureusement maintenant dans le bon et le pire sens du terme… » Les images se superposent, comme se superposent la magie du lieu, l'attraction éprouvée par le photographe, et sa tristesse de se sentir témoin d'irrémédiables changements. Au mélange des images s'allie celui des émotions et des perceptions — et imperceptiblement, la douceur se fond alors parfois en une tenace mélancolie…

Emmanuel d'Autreppe

La courbure de l'horizon

2022-09-14T20:06:54Z

Un mot intemporel qui se rapporte à l'espace, qui s'y prolonge comme la ligne noire de l'artiste Heinz Gappmayr, intervention murale et spatiale qu'il réalise dans un premier temps en 1980 et reproduit encore et toujours au niveau des yeux à environ 1,65 m du sol, à la Galerie Dorothea van der Koelen à Mainz en septembre 1989. Gaby Gappmayr, la fille de l'artiste, en fait la description suivante : « On voit une ligne noire horizontale à travers l'espace d'exposition, une ligne qui semble diviser l'espace en deux surfaces, il y a un haut et un bas. Mais cette ligne se transforme grâce au titre de l'œuvre, Horizon. Du coup, cette même ligne devient ligne imaginaire circulaire où le ciel et la terre semblent se confondre. La ligne est toujours la même, ce sont uniquement les signes linguistiques qui la transforment. »

« La méditation achève l'horizon :
c'est la somme des regards, le repos de
l'étendue. Je suis assis dans ma vue et
savoure une limite indescriptible. »

François Jacqmin

« Il n'y a rien à voir au-delà de nos
horizons, sinon d'autres paysages encore,
et d'autres horizons. »

Maurice Merleau-Ponty

courbure_de_l_horizon.pdf

En piste !

2022-09-14T19:55:30Z

À l'heure où vous lirez ces quelques lignes, l'opération « En piste 2022 » aura fermé ses portes.
Mais les coups d'oeil rétrospectifs ne sont pas forcément seulement nostalgiques, ils sont aussi des fenêtres ouvertes sur les éditions futures à construire tout au long des prochaines saisons.

Un nouveau quintet essentiellement féminin pour représenter notre galerie à EN PISTE, édition 2022.
Anne Ducamp peint la mémoire de lieux qu'elle a traversés, rêvés, ou imaginés. C'est une peinture silencieuse, qui nous renvoie à notre solitude. Une mise en bouche de son exposition programmée à partir du 3 octobre à la
galerie du cinéma Churchill.
Anne Leloup nous a émerveillés dans ce même lieu de ses « objets », vastes paysages ou infimes détails composant un petit lexique du minuscule, de la trace, du presque rien…
Cynthia Evers a exposé à la galerie en compagnie d'Alain Janssen dans un dialogue en noir et blanc faisant part de « la vérité d'un rapport humain, en même temps que d'un certain rapport à l'art nourri de nécessité intérieure bien
plus que de séduction facile »*.
Brigitte Corbisier s'approprie les cimaises par la projection de son animation « Da capo », réalisée en images imprimées et relatant la course longue de la vie patiemment élaborée et désormais menacée de disparition.
Enfin Frédéric Materne, dans le même questionnement, nous offre un travail sur la ligne du temps et sur la perception par l'être humain des objets et des lieux, maintenant et autrefois.

Jean-Paul Laixhay