Wégimont Culture

Mon Colonnel & Spits

2024-04-27T20:22:06Z

La Province de Liège et son Service Culture en collaboration avec l'asbl Wégimont Culture propose de mettre en avant les artisans « Mon Colonel & Spit » afin de promouvoir un mouvement artistique contemporain liégeois.
À la galerie de Wégimont
Du 4 mai au 16 juin 2024
Vernissage le 3 mai 2024 à 18h30
Workshops organisés par le céramiste liégeois
Rémi Coppée les 4, 11, 18 et 25 mai 2024

Préface

Préface

Face à face, masques en grès émaillé, 2022

Le duo, formé d'Éric Bassleer alias Mon Colonel et Thomas Stiernon alias Spit, s'exprime au travers de masques, vases, sculptures et autres céramiques, souvent recouvertes de peinture, de dessins ou même de textes graffitis qui vous emmènent dans un monde pouvant faire penser aux bandes dessinées et aux personnages de dessins animés.
Leur travail se concentrant surtout sur le grès émaillé permet la confrontation de leur univers contemporain avec les techniques traditionnelles anciennes, tout en mettant en avant ces petites imperfections que d'autres tentent souvent de cacher.
Leurs masques, quant à eux, sont une invitation qui use du principe de « paréidolie » (l'art de voir des visages partout) pour qu'une fois émaillés et cuits, ils prennent vie pour le plaisir de chacun.

Cette exposition est le lien entre l'ancien et le nouveau, un voyage au cours du temps qui vous est proposé par Mon Colonel & Spit, durant lequel petits et grands assistent à la naissance de visages et de pensées parfois nostalgiques, souvent humoristiques, toujours sincères.
Alors n'hésitez pas à venir découvrir les œuvres de ces céramistes liégeois et/ou à assister à des ateliers qu'ils animeront dans un beau domaine calme et accueillant

Le Président du Collège provincial

Présentation

Présentation

Au cours des années 90, Éric Bassleer alias Mon Colonel (né à Liège en 1974) et Thomas Stiernon alias Spit (né à Liège en 1977) pratiquent le graffiti au sein du collectif liégeois « The ERS ». En 2007, à la suite de la dissolution du groupe, le duo d'artistes belges se forme pour devenir : Mon Colonel & Spit. Leur pratique artistique se décline à travers de nombreux médiums tels que le dessin, la peinture, la sculpture et la céramique. La plupart du temps, les œuvres issues de ces différentes techniques se trouvent rassemblées sous forme d'installations. Celles-ci sont le reflet de leur univers, fait de références du quotidien, à la bande dessinée, aux cultures populaires et urbaines, le tout baigné dans une joyeuse naïveté, empreinte d'ironie, d'humour et d'irrévérence.
En 2015, le duo remporte le prix de la Commission des Arts de Wallonie en présentant des poteries en terres cuites émaillées recouvertes de textes et de dessins semblables à leurs œuvres papiers. Ils commencent alors à fréquenter les cours des artistes céramistes Dominique Matagne et Gilette Fosty. En 2017, Mon Colonel & Spit exposent pour la première fois au musée MIMA à Bruxelles des sculptures ainsi que toute une série d'artefacts en céramique. Cette installation nommée « Show non merci » est la genèse de quarante ans de vie, de sensibilité artistique, de souvenirs, d'expériences et de rencontres qui ont fait d'eux des artistes. L'exposition devient alors pour le duo un réel déclencheur dans leur pratique, où l'art de la céramique prend une place presque exclusive.

Ensemble de masques en grès émaillé

« Leur travail, rempli d'une densité poétique sauvage et fertile, nécessitait simplement d'être fidèlement retranscrite pour partager ce que les artistes avaient à révéler au sujet de leur exploration de la céramique et des sources de leur créativité. Cette démarche, bien que plutôt académique, s'est révélée délicate, d'au- tant plus que les sculptures d'Eric et Thomas sont souvent teintées de légèreté, illustrant leur propension à s'amuser et à rire. » (R. Cruyt)

Depuis 2020, notre travail est surtout concentré sur la réalisation d'ensemble de sculptures en grès émaillé. Nous adorons confronter notre univers contemporain avec cette technique ancienne. Nos sculptures sont à chaque fois un clin d'œil ou une réminiscence à la bande dessinée, aux personnages de dessins animés, d'une œuvre brute ou anonyme ou encore des masques traditionnels et folkloriques. La terre est le prétexte au partage d'une même création, la forme est instinctive, l'émaillage est réfléchi même si c'est le four qui mettra le point final de cette rencontre entre nos deux univers et cette sculpture commune. Nous travaillons le « paréidolisme », l'art de voir des visages partout, entre nous. Chacun fait une forme en terre qui nourrit l'imaginaire de l'autre. Une approche formelle, que certains diront très simpliste, qui n'est en fait que le prétexte pour nous mener à l'émaillage et à la cuisson qui donneront vie à nos personnages. Cette homogénéité plastique nous permet de constituer des ensembles, véritables témoins de cette période de créativité. Nous aimons créer l'envie de collectionner, avoir tous ces masques, qui pourraient être le casting du prochain film d'heroïc fantasy, ou de science-fiction.

Ensemble de masques en grès émaillé

« Pour cette exposition nous présentons plus de 200 sculptures, masques et volumes. Tous ces visages qui nous avaient tant manqués, il est temps de les revoir et de tous s'y reconnaître, tous un petit peu. »
Il n'en reste pas moins que leurs œuvres sont de véritables miroirs de l'âme. J'imagine que l'amateur d'ethnographie y trouverait son compte. Leurs masques aux traits ahuris ont sans doute à voir avec les traditions carnavalesques ou les rites matérialisés dans les artefacts de l'Art Primitif. Il s'agit aussi bien du primitivisme que de la culture post-graffiti, de l'expressionnisme, de l'art brut ou encore de l'art pour enfants.
Les sculptures de Mon Colonel & Spit sont également des têtes coupées. Les plus grandes ressemblent aux atrocités de la Terreur française ou aux chasseurs de l'île de Bornéo ; les plus petites aux tsantzas des Jivaros. Leurs grands yeux cacheraient-ils une vertu apotropaïque ? La littérature — historique ou non — n'est pas avare de décapitations.

masque en grès émaillé

Les quelques catholiques qui hantent encore les églises du pays penseront à l'hagiographie des Baptiste, Paul, Denis et autres martyrs. Que dirait Antoine Wiertz en parcourant Chantecler, lui qui peignait pour la gloire et qui répétait avoir rencontré l'homme morbide qui se précipitait sous l'échafaud pour recueillir les pensées et les visions des suppliciés juste après leur décapitation ? Il faut aussi s'intéresser au rapport de ces « visages de pavé » avec l'histoire du portrait et de l'autoportrait.

Pierre Henrion

Historique

Plein pots

PLEIN POTS propose un one way ticket (plus mouvementé que SpaceX) aux confins de l'imagination de Mon Colonel & Spit, où les héros soviétiques partagent une Jupiler sur Tranquility Base avec Neil (et Laïka, somnolant sur ses genoux). PLEIN POTS narre l'épopée des gladiateurs de l'âge d'or de la Formule 1, ces boulimiques de l'exploit, au palmarès aussi légendaire que leurs répliques, et leur offre enfin, des casques à leur taille. PLEIN POTS témoigne des déambulations quotidiennes et des élucubrations nocturnes de Mon Colonel & Spit. Les mots débordent, saturent l'espace, confessent ce que la pensée obligerait à taire.
À l'image des « inscriptions sur les bancs d'écoles, des murs de prisons, des portes de WC ou des notes gribouillées en bas d'un carnet », les œuvres forment des tranches de vie cryptiques, dont seuls les artistes ont la solution complète.

Résidence Atelier Pierre Culot
L'Atelier Pierre Culot s'intéresse aux artistes dont l'univers touche de près ou de loin à la céramique. En juin dernier, ses responsables ont beaucoup aimé l'exposition du duo d'artistes Mon Colonel & Spitz, présentée chez Alice Gallery. Intrigué par l'univers créatif de ces deux Liégeois, à la fois généreux et iconoclaste, drôle et décomplexé, l'Atelier Pierre Culot leur a fait une proposition de résidence que le duo a acceptée. Celui-ci connaissait l'œuvre de Pierre Culot. Passionné par la céramique, Éric Bassleer s'est intéressé à son univers après avoir déniché, sur une brocante, un vase réalisé par l'artiste. À Roux-Mirroir, le duo a apprécié la tranquillité de la campagne, prenant plaisir à rencontrer les voisins et les habitants. Mon Colonel & Spitz ont également apprécié découvrir l'atelier et son histoire. Le vase Citroën l'a intrigué. Il s'agit d'une création réalisée par Pierre Culot pour le constructeur automobile français, en 1970. À l'époque, tout nouveau propriétaire d'une Citroën recevait ce vase en cadeau. On s'est demandé, précise Mon colonel, ce qui pouvait bien passer par la tête des gens lorsqu'ils recevaient ce cadeau. Le vase est à l'origine des cent pièces dessinées et réalisées par le duo pendant la résidence. Pascal Slootmakers, céramiste à l'atelier depuis plus de trente ans, a appris aux artistes la technique du moulage. Ceux-ci se sont amusés de certaines particularités du travail de l'émail, laissant sur les créations les coulures et autres traces inattendues, habituellement rejetées par les céramistes. Ils rejoignent là une manière de faire de Pierre Culot qui, lui-aussi, appréciait ces petits accidents liés aux charmes de la création. Cent vases ont été réalisés. Chaque pièce est unique. L'ensemble est hétéroclite, à l'image du travail du duo, mais chacune laisse entrevoir l'univers poétique des Liégeois.

Vases en faïence émaillée, 2016, collection de la Famille Royale de Belgique

Installation Lepidoptera

Les photographies réalisées sous la forme de polaroids,dans leurs déambulations quotidiennes, sont des éléments moins connus de leur travail qui illustrent, sous un autre angle, leur univers. Pour leur exposition au BPS22, le duo crée une cabane en carton dans laquelle ils invitent les visiteurs à pénétrer. À la manière d'un journal intime en trois dimensions, ils y partagent les instantanés de six semaines de voyages et d'aventures entre Liège, Paris, le Maroc et les États-Unis. Céramiques, poteries, polaroids et dessins aux pastels secs, crayons ou à la bombe sont déployés comme autant de moments éphémères de leur vie sauvage. Le titre de l'exposition, LepidoptERA (nom scientifique du papillon commun), est inspiré de ce que les artistes nomment des « moments papillons » en référence à la photographie instantanée utilisée comme base à leurs travaux, à la fugacité des moments partagés, à l'insouciance de la vie de bohème que vivaient les artistes à leurs débuts. LepidoptERA est aussi une invitation à pénétrer le cocon dans lequel se construisent l'œuvre et la pensée de Mon Colonel & Spit.

Bern Wery

2024-03-01T08:18:35Z

Les nuits étoilées

La tentation est grande, dans une rassurante facilité de classement, de qualifier l'œuvre de Bern Wery de post-impressioniste voire de symboliste. On n'entre pas aisément dans cette symphonie où tous les instruments jouent, semble-t-il, une partition différente unis dans une énigmatique cohésion. Qu'évoquent ces personnages en chemin, ces foules rassemblées, ces transhumances ? Une voix s'élève quelquefois, émerge de la mêlée, « sortant du lot », comme l'acteur qui monte sur la scène ou le modèle qui se dénude !

Photo de l'artiste dans son atelier

Une histoire, un récit permettrait de décoder une œuvre en mouvement perpétuel. Nous serions rassurés de mettre des mots sur cette logorrhée. Le paysage se marie aux cieux ténébreux, les végétaux, troncs d'arbres et acteurs ne font qu'un. Laissons-nous emporter par la construction nerveuse et cent fois remise sur le métier d'une œuvre qui se définit essentiellement par la couleur et son foisonnement. Bern s'attaque à la toile comme un joueur de ping-pong, saisissant la balle au bond de ce que lui transmet son cerveau droit, celui de l'instinct et de l'émotion.

Bern Wery

Sans titre, 2023, huile sur bois, 60 x 85 cm

Observateur avisé de l'âme et du monde dans lequel elle se ébat, le peintre pose sur l'humanité un regard qui jamais ne s'érige en jugement mais fait part de la ques- tion de l'être, du « qui suis-je ? ». Les narratifs qu'il nous propose, entre figuration et abstraction, sont dès lors perçus comme le paysage intérieur de l'artiste. Il observe l'être humain se questionnant dans un environne- ment qui tantôt s'apparente à un éden luxuriant, tantôt se révèle hostile au travers des dérives environnementales et des drames de la migration.
Tu veux apprendre à dessiner, rétorqua-t-il un jour à un élève qui le sollicitait, très bien mais que vas-tu en faire ? Car la peinture et le dessin, selon lui, constituent un langage qui entend, dans son vocabulaire de forme et de tonalités, dire l'indicible, comme la poésie l'est à la littérature.
Cette quête et ce questionnement sur le monde sont pres sentis dès l'âge de 15 ans. Dyspraxique et fugueur, le monde des oiseaux le passionne. La rencontre avec un ami cher le pousse à s'inscrire dans un groupe de recherche ornithologique. Sans doute ressent-il, par l'écoute des oiseaux et l'observation des migrations, cette manière toute personnelle de mesurer le cours des choses et du temps ! Olivier Messiaen n'est pas loin !!
Il s'exprime d'abord par la photographie avec son oncle, exerce le métier d'électricien et décide de passer l'exa- men d'entrée à l'école sociale. Il réussira brillamment sa licence en sociologie et communication et travaillera dans la coopération au développement.
À 21 ans la peinture s'ouvre à lui. Il en fera désormais son lan- gage. L'école fondamentale en néerlandais lui a donné la chance d'être parfaitement bilingue. Il se découvre un intérêt prononcé pour les arts plastiques en Belgique. Il étudie la peinture aux Académies d'Ixelles, de Watermael-Boitsfort ainsi qu'à la Rijks Hoger Onderwijs voor Kunst à Etterbeek et encore à la Kunstskolen de Holbaek Danemark, où le mouvement Cobra le questionne. Il fréquente les musées, copie les œuvres anciennes et se constitue une solide connaissance de la peinture et de l'art belge du XX^e siècle.
Enseignant passionné et apprécié à l'École des Arts de Braine-l'Alleud et à l'Académie d'été de Libramont, le voici en pleine possession de son art. L'exposition qu'il nous offre aujourd'hui nous dévoile avec force son uni- vers empreint de générosité et de sincérité, convaincu en cela du célèbre propos de Pierre Bonnard “Il ne s'agit pas de peindre la vie, mais de rendre vivante la peinture.”

Jean-Paul Laixhay,
Février 2024

L'œil et l'esprit

L'œil et l'esprit

Bern Wery

Sans titre, 2023, huile sur bois, 60 x 80 cm

« Toute cette dialectique de l'accommodement de l'œil et de l'esprit qui s'acharnent à saisir pour aboutir, avancent et reculent, est évidemment métaphorique de l'acte pictural. On a aussi le sentiment, avec cette nouvelle couvée, d'une forme d'apaisement, dans l'iconographie comme dans l'écriture. D'une sorte de temps de pause dans ces pèlerinages du fond des âges, ces émigrations, ces transhumances.
L'intensité de la matière picturale contraste avec l'évanescence des figures, l'impromptu de l'écriture. Flou et véhémence d'une image toujours à construire et pourtant bien présente, elles suscitent une persistante impression de déjà-vu, qui joue dans le charme des œuvres. Leur contemporanéité est réelle, tout entière dans cette façon de surfer sur les grands sujets, de les réécrire dans un double mouvement de désir et d'éloignement ».

Danièle Gillemon,
Le Soir, 29/09/2010

Peinture et dessin

Bern Wery

Sans titre, 2023, huile sur bois, 60 x 80 cm

Pour Bern Wery, dessin rime avec prolifération. Ce que la peinture révèle progressivement dans la construction des lumières, le dessin le donne de manière plus vive. Parfois violente. Déduit de l'écriture automatique, le trait gravite sur le papier, le griffe, l'excite. Il ne cherche pas à se former en récit ni même à composer un langage. Il tient du surgissement et de l'instinct. Si son devenir traduit l'instant, sa présence trahit une nervosité qui appelle un perpétuel recommencement. Le crayon trace. Il opère comme un révélateur photographique : instantané de la réalité qui se fane aussitôt qu'il s'inscrit à fleur de papier. Son mouvement relève de la fulgurance sans pour autant investir l'étendue. Le papier lui semble interdit. Par un travail de cloisonnement qui en comprime l'expansion, Bern Wery maintient chaque geste à l'intérieur d'un périmètre qui l'isole en tableau. Ainsi le papier se fait cimaise : il accueille autant de tableaux fermés sur eux-mêmes. Juxtaposées, rapportées les unes aux autres dans l'équilibre de leurs lumières et de leurs couleurs, ces vignettes racontent l'instant. Elles témoignent de l'intérêt du peintre pour les peintures des maîtres anciens qu'il a longtemps copiées. Sans céder au jeu de la citation, Bern Wery a conservé la mémoire de ce passé stratifié en musée, de cette tradition déclinée en sections, périodes, écoles, artistes…
Rendu à l'automatisme de l'esprit, le passé s'est mué en impulsion. Il déclenche un travail de mémoire auquel se mêle le rêve. Celui-ci démultiplie le sens, joue d'analogies, s'égare en dérive. Sur le mode de l'image atomisée en pixels, l'artiste compose sa propre vision de l'histoire de l'art : une immense casse d'imprimerie où chaque case abrite une émotion, où chaque image se fait instantané, où chaque sensation aspire à renaître dans une nouvelle image, où rien n'est oubli. Où reste perpétuel recommencement.

Michel Draguet,
Chemin de Lecture,
Quartiers latins, 2004

Parcours

Né en 1956, Bern Wery expose régulièrement depuis 1980.
Son œuvre est représentée dans de nombreux musées et a été primée à de multiples reprises.

2023 Lauréat du Prix Gaston Bertrand
2017 Prix Jules Raemaekers pour l'ensemble de l'œuvre décerné par l'Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique
2006 Fondation Bolly-Charlier, Lauréat du Prix Spécial du Jury, Huy
2001 Prix de peinture Gustave Camus décerné par l'Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique
1995 Prix de peinture Constant Montald décerné par l'Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique
1993 Lauréat du Prix triennal de gravure Marie-Louise Rousseau - Ixelles
1991 Prix de peinture Jos Albert décerné par l'Académie Royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique
1990 Prix C.G.E.R. (Médiatine, Communauté Française), Bruxelles
1990 Lauréat de la Biennale des Arts plastiques de la Louvière

Roel Goussey

2024-01-18T05:12:34Z

La mer

La mer et le miroir

Roel Goussey, La mer II, 2018, peinture, 16x37 cm

De tous les cadres, enveloppes et limites »,écrit Daniel Buren, « qui enferment et « font », l'œuvre d'a rt (l'encadrement, la marquise, le socle, le château, l'église, la galerie, le musée, le pouvoir, l'histoire de l'art, l'économie de marché, etc.), il en est un dont on ne parle jamais, que l'on questionne encore moins et qui pourtant, parmi tous ceux qui encerclent et conditionnent l'art, est le tout premier, je veux dire : l'atelier de l'artiste. » L'œuvre se fait - homo faber - dans l'atelier ; elle est exposée dans le musée ou la galerie.

Au visiteur averti ou profane, l'atelier de Roel Goussey apparaît comme une vaste installation. Aucune frontière, ici, entre espace de travail et espace domestique, entre l'art et la vie, entre l'achevé et l'inachevé. Aucun lien de subordination, les propositions se succèdent dans une parataxe, qui signifie« placement côte à côte ». Et aussi « action de ranger une armée en bataille ». C'est la disposition, et non un quelconque lien de subordination, qui, en permettant aux œuvres de communiquer et dialoguer entre elles, dévoile une explication ou un dévoilement. Et ce dévoilement, cette explication ne vaut qu'à ce moment-là, dans cette disposition-là. Du solide naquit l'éphémère. À moins que l'éphémère ne soit précisément la vie, c'est-à-dire l'art en train de se fa ire car tel est l'être de l'art que d'être en se faisant et non au repos. Dans ce sens, l'exposition elle aussi participe de l'œuvre, l'exposition est en quelque sorte une variation unique de l'œuvre car jamais plus cet endroit, ce moment, ces regards ne seront répétés. Faut-il s'étonner, alors, que Roel Goussey fasse du lieu de chaque exposition une extension de l'atelier, créant et ajoutant de nouvel les pièces expressément pour l'occasion ?
Homo faber. Dans L'évolution créatrice (1907), Henri Bergson écrit : « En définitive, l'intelligence, envisagée dans ce qui en paraît être la démarche originelle, est la faculté de fabriquer les objets artificiels, en particulier des outils à faire des outils, et d'en va rier indéfiniment la fabrication ». Un outil sert. Un outil est utile. À quoi sert l'art ?, se demandent les philosophes avant de s'empoigner sur la notion de beau ou le concept de vérité. Il fut un temps, il n'y a pas si longtemps, où l'art était magique et tout- puissant ; l'art était un marteau qui allait modeler, former, transformer le monde. Aujourd'hui, l'art est un clou auquel nous suspendons nos tristes vies.
La juxtaposition, la parataxe de l'atelier de Roel : pas de hiérarchie, donc. Parfaites ou imparfaites, les œuvres se côtoient, s'entendent, se fendent d'une bonne tranche de rire. Des airs de musique les rejoignent- jazz, classique, contemporain ... - on vous a déjà dit qu'ici, on aligne, on ne superpose pas. Des poèmes, aussi, cloués au mur (vivent les clous !) comme le christ à sa croix. Et tous ces habitants qui peuplent son atelier se regardent et se baignent l'un dans l'autre. [The Sea And The Mirror.
William H. Auden]. Leurs regards et les nôtres n'ont qu'une destination, l'horizon ; dans la contemplation de sa ligne originelle, les paupières se referment. Entre le repos et la mort, la frontière est ténue, mais voilà qu'une autre ligne apparaît, et qu'apparaissent les angles, les croix et les formes géométriques. Malevitch a voulu y trouver la suprématie du néant ; un univers sans objets, dont la seule matière serait la sensibilité pure, détachée de tout. Mais le clou est là qui s'obstine à accrocher ce qu'il peut : fringues, tableaux, références, symboles

Roel Goussey, Marine, 2022, peinture, 19x40 cm

Eh !, toi qui passes sans me voir, sans même me dire « bonsoir » ! Chez Roel, tout est dialogue ; son monde n'est pas celui des espaces infinis du cosmos, solitaires et indifférents, mais bien celui de la rencontre, parfois fortuite, les vraies rencontres souvent le sont, entre une ligne et une couleur, une forme et un support.
En fait, seules les rencontres et les croisements de lignes créent des volumes et fabriquent des lettres et dans les volumes et dans les lettres on trouve les histoires que l'on échange et transforme et c'est déjà quelque chose. ce n'est pas le monde mais on fait ce qu'on peut et quand on le fait, l'art se mélange à la vie, la pâte lève et le gâteau est si bon. Mais nous nous égarons.

Roel Goussey, Sans titre, 2021, sculpture et gravure, 81 x 56,5 cm

Roel Goussey aime et utilise la typographie, les caractères simples, géométriques, sans empattements, les plus lisibles - n'oublions pas quel est le but ! - pour le travail de graphisme, mais il aime aussi jouer avec les lettres, utiliser des vieux caractères trouvés en bois pour les utiliser comme outil à imprimer. Homo faber. La superposition -parataxe- de plusieurs lettres crée une découverte, une nouvelle forme énigmatique, un probable texte, illisible pour le moment, mais dont le déchiffrement nous amènera, qui sait, à un petit bonheur. Tel le est la grande ambition de l'art de Roel Goussey.

Nadine Janssens et Genaro Marcos

L'homme

L'homme et l'œuvre

Roel Goussey, depuis quatre ans liégeois « d'adoption », est né e n 1947 à Ostende. Le petit Roel passe son enfance à Nieuport, entre la mer du Nord et les Polders. Dans l'atelier de couture de sa mère, il s'amuse à coudre ensemble des morceaux de tissu, fabriquant ainsi des « patchworks »qui ne manquent pas d'évoquer les futurs collages de l'artiste, dont le support est souvent du textile. Ce qui attire également le tout jeune Roel, ce sont les patrons de couture de sa mère. Il découvre qu'il peut les utiliser comme une sorte de « gabarit » pour faire des dessins. Comment ne pas y voir le prélude des pochoirs et autres formes d'impression du futur graveur ?
Dès ses plus tendres années, Roel passe ses vacances à Watou ( FI.-Occ.), à la ferme de ses grands-parents. Dans ce « Plat Pays » où la vie suit le rythme de la nature, il se sent tout à fait dans son élément. L'horizon y est omniprésent. C'est la ligne horizontale, celle de l'espace, dont il s'imprégnera à jamais. Plus tard s'y ajoutera pour lui la ligne verticale, qui est la ligne du temps.
À 15 ans, Roel va étudier le dessin d'architecture à l'École technique d'Ostende, une formation où il apprend ce que signifie « construire » et où il découvre l'importance de la géométrie. Trois ans plus tard, comme il veut
faire un régendat en Arts plastiques, il s'inscrit à l'École normale de l'État de Gand. Il y sera l'élève d'Octave Landuyt pour les cours d'esthétique et de Roger Cools dans l'atelier de peinture. C'est également là qu'il fait connaissance avec la sérigraphie, une technique pour laquelle il développera un intérêt croissant, voire une fascination qui ne le quittera plus. Le graveur est né !
Au cours de ses nombreuses résidences artistiques passées depuis 1974 au Centre de la Gravure Frans Masereel à Kasterlee, Roel Goussey se perfectionne dans les diverses techniques de l'art de la gravure. Jusqu'à ce jour, malgré ses longues années d'expérience et sa notoriété dans la matière, il continue d'y retourner régulièrement pour s'immerger dans la gravure pendant plusieurs semaines. C'est un lieu où il se sent bien. Un lieu riche en
échanges.

Roel Goussey, King and Queen, 2018, sculpture, 20 x 30 x 10 cm

Pendant les années ‘70 et ‘80, Roel Goussey travaille comme scénographe et accessoiriste pour diverses compagnies de théâtre flamandes : Theater Arena, De Internationale Nieuwe Scene, Brussels Kamertheater, ... Quelle expérience fascinante que de travailler dans et avec l'espace, de« jouer » avec la couleur et la lumière ! Il constate : « Le théâtre, ça bouge ! »
Dans les années ‘80, jamais las de s'instruire, Roel Goussey suit une formation de relieur d'art auprès de spécialistes de renom comme Liliane Gérard et August Kulche. Simultanément s'éveillent son amour pour l'imprimerie et sa passion pour la typographie et l'édition bibliophile.
Au début des années '80, Roel Goussey crée, en tant qu'indépendant, un studio professionnel de sérigraphie artistique à Wachtebeke (FI.-Or.), où il habite depuis plusieurs années. Dans ce contexte, il deviendra un des collaborateurs permanents de la maison d'édition Lebeer-Hossmann de Bruxelles. Cela lui donnera l'occasion de réaliser des éditions bibliophiles pour des artistes renommés comme Alan Charlton, James Lee Byars, Nam June Paik, Giulio Paolini et Marthe Wéry. Jan Hoet, ancien directeur du SMAK de Gand, fera également appel à lui.

Roel Goussey, Kasba, 2017, sculpture, 26,5 x 36 x 16 cm

En 1988, l'artiste gantois Werner Cuvelier lui demande de faire un catalogue sérigraphié pour une exposition d'artistes flamands et wallons dans le lieu mythique « Den Bouw » à Kalken. C'est à cette occasion qu'il rencontrera entre autres Marthe Wéry et les artistes liégeois Michel Leonardi, Jean-Pierre Ransonnet et Anne-Marie Klenes.
Il en résulte des contacts chaleureux et durables et ce sera Michel Leonardi qui, en 2002, lui trouvera un atelier, à côté du sien, dans une belle architecture industrielle à Liège.
En 2002, Roel Goussey, déménagé depuis peu à Bruxelles, devient professeur de gravure à la KASK (Académie royale des Beaux Arts) de Gand où il travaillera pendant 10 ans. Un nombre croissant d'étudiants fréquentent son atelier qui ne tarde pas à devenir une »« cellule de réflexion" appréciée.
Roel Goussey a toujours considéré la gravure comme le point de départ de son itinéraire artistique et c'est un domaine qu'il n'a jamais abandonné. Or, dans sa pratique, il a depuis longtemps renoncé à l'orthodoxie des« bons élèves ». À tout moment de son processus de création, et quel que soit son support, il se sent libre d'intervenir comme bon lui semble. Ainsi que le disait Yves Klein : « Le chemin parcouru pour la création d'une œuvre d'art a autant d'importance que le résultat ».

Roel Goussey, Marine III, 2020, peinture, 25 x 40 cm

Les supports de Roel Goussey sont multiples : papier, tissu, bois, linoléum, zinc, ... Il construit ses œuvres à l'aide de formes d'impression géométriques. Dans sa pratique, une matrice d'impression utilisée pour une gravure peut à un moment donné trouver sa place dans cette même gravure pour en faire partie intégrante ou éventuellement servir de base à une œuvre nouvelle. « Tout est construction ! »
Roel possède une connaissance et un sens de la couleur remarquables. Au cours des années, il a développé une palette toute personnelle, bien à lui. En guise de boutade, il cite Picasso qui disait : »« Si je n'ai pas de bleu, je prends du rouge ». Impossible de mener à bien ce genre d '‘exploit si on ne maîtrise pas cette science mystérieuse qu'est l'alchimie de la couleur.
Dans l'œuvre du graveur Roel Goussey, il y a une présence frappante de la poésie, qui est pour l'artiste une source constante d'inspiration. D'ailleurs Roel compte parmi ses amis plusieurs poètes avec qui il a réalisé des projets communs. Ainsi ont vu le jour des éditions bibliophiles avec des poèmes de l'écrivain flamand Stefan Hertmans, avec des aphorismes de feu le philosophe liégeois Bertrand Dejardin et avec des poèmes du plasticien et poète brésilien Antonio Claudio Carvalho. L'artiste conçoit ces ouvrages comme une combinaison de typographie, de littérature et d'images.
Roel Goussey est non seulement imprégné de la vision de l'horizon, il est également« habité » par la mer. Celle-ci lui est indispensable – presque de façon thérapeutique pour se ressourcer et s'en inspirer. Il aime la retrouver pendant ses vacances au cours de longues promenades sur les plages désertes du Cap Gris-Nez. Aussi occupe- t-elle une place importante dans l'œuvre picturale et graphique de l'artiste. Elle y apparaît dans toute sa diversité, avec son horizon qui se réduit à une simple ligne, une frontière distincte, souvent irrégulière, entre deux plages de couleurs.
Parfois nous voyons dans l'œuvre de Roel des diptyques et des séries. Des lignes de couleurs harmonieuses y bougent dans l'espace à un rythme orchestré par l'artiste. La forme est réduite au minimum, touchant la perfection. Cela respire une force artistique, ancrée dans un équilibre intérieur. Le mot Zen nous vient à l'esprit. Tout est mouvement. Parlant de son travail tridimensionnel, l'artiste préfère le terme « assemblages » à celui de sculptures. Il s'agit d'œuvres construites dans lesquelles nous découvrons l'artiste-urbaniste et qui sont souvent composées des matériaux disponibles – les « moyens du bord » , comme il les appelle.
Dans son atelier on retrouve partout ces constructions spatiales, des compositions fantaisistes qui ressemblent parfois à des immeubles réduits, à des monuments, des tours ou autres ouvrages que nous rencontrons dans nos villes et agglomérations contemporaines. Des fois, on croit voir surgir l'architecture d'Oscar Niemeyer ou celle d'un artiste/architecte du Bauhaus. Je découvre un assemblage en zinc et bois, qui est une interprétation cubiste de « King and Queen », œuvre bien connue du sculpteur anglais Henri Moore et représentant un couple assis sur un banc. Magnifique !
Dans certains assemblages de Roel Goussey, nous trouvons également des liens avec I'Arte Povera des années '60. Il s'agit d'œuvres composées de matériaux récupérés qu'il a manipulés pour les réutiliser. J'y vois un défi vis-à-vis du monde de la consommation. Une nouvelle forme naît, libérée de toute forme industrielle préfabriquée.
Dans sa dernière exposition à la galerie Flux à Liège, Roel Goussey montre une œuvre composée de deux volumes en chêne raboté qui, à mon sens, respirent l'atmosphère des monolithes d'Ulrich Rückriem. J'espère bien trouver un jour une des constructions de Roel en tout grand dans l'espace public.
Achevée ou inachevée, une œuvre n'est jamais « en sécurité » dans l'atelier de Roel Goussey. C'est-à-dire que, tant qu'elle s'y trouve, elle risque d'être modifiée. Dans cet atelier, tout bouge. Et, affirme l'artiste, « tout se tient » ! Il travaille simultanément à différentes pièces et régulièrement l'envie le prend de faire d'une œuvre spatiale une- ou plusieurs – version(s) en deux dimensions et inversement.
D'ailleurs, je n'exagère pas si je dis que cet atelier est un incubateur permanent de projets pilotes. Fort de sa maîtrise et de sa longue expérience, l'artiste n'a pas peur de se lancer dans des expérimentations incontrôlables où il se soumet au hasard et aux effets des éléments. Dans une série sur le thème de l'eau, par exemple, il laisse la pluie intervenir comme protagoniste dans les œuvres réalisées. Une fois de plus, tout bouge.
L'amour de la musique classique et du jazz occupe une place importante dans la vie de Roel Goussey. Ainsi en 2022, lors de son expo »« Triadic Memories » au Centre Culturel de Marchin, il a collaboré avec la pianiste Tina Reynaert autour de la musique du compositeur américain Morton Feldman (élève de John Cage). Il y a présenté entre autres une série de dessins qu'il appelle »« Partitions Visuelles », sur lesquelles la pianiste a fait des improvisations.
L'architecture du Centre Culturel de Wégimont est moderniste avec des lignes horizontales très prononcées. Le bâtiment est, selon les plans, composé de deux parties symétriques se trouvant de part et d'autre de l'entrée. Lors de son expo, du 19 janvier jusqu'au 18 février prochain et qui porte comme titre « La mer et le miroir », Roel Goussey y montrera une série d'œuvres basées sur cette particularité architecturale. D'ailleurs pour l'artiste, il est évident que, faire une exposition, c'est réunir dans une architecture donnée une série d'œuvres qui entrent en confrontation entre elles et avec l'espace, de façon à former une seule œuvre nouvelle au sein de laquelle des créations nouvelles et d'autres existantes peuvent entrer en dialogue

Catharina Helsmoortel

Les couleurs

Les couleurs de la mer ... quand l'horizon chavire

La mer est partout présente dans l'œuvre de Roel Goussey, dans ses peintures, dans ses dessins et son œuvre graphique (lithographies, xylographies, sérigraphies).
Né à Ostende, Roel Goussey a toujours vécu avec la mer, l'aimant et l'observant matin, midi et soir, au soleil ou par temps gris, sous les nuages et sous la pluie, en été comme en hiver. Quand le temps le permet, il aime s'y baigner et se laisser porter par les flots qui, dit- il, lui procure une sensation extraordinaire. t...:eau est une matière d'une douceur incomparable qui vous enveloppe voluptueusement, résiste un peu, se retire, revient... Le corps n'a plus de poids, il ne vous encombre plus. C'est une immense sensation de liberté et de légèreté. On plonge, on resurgit, on se retourne, l'horizon vacille, tout bascule, le ciel est en bas, la mer en haut ou inversement…

Roel Goussey, Sans titre, 2020, peinture, 37 x 64cm

Les œuvres de Roel Goussey sur le thème de la mer, où se superposent des plages de couleurs uniformes traversées par la seule ligne de l'horizon, expriment cette liberté, cet infini et cette réversibilité. Et, les infinies variations chromatiques des bleus céruléen, nuit, outremer ou de Prusse, associés à des verts céladon, turquoise, jade, amande ou kaki restituent les mille sensations des éléments qui agitent les ciels et les flots éternellement changeants de la mer du Nord.
À première vue les œuvres de Roel Goussey sont austères, rigoureuses, minimalistes. Les lignes horizontales qui définissent et construisent les plans de couleurs organisent l'espace en strates stables et équilibrées. Mais à y regarder de plus près, les passages entre les nuances colorées, qui mènent d'un bleu clair et léger à un vert opale pour finir sur un bleu outremer ou un vert kaki sombre et profond, se mettent à vibrer. Les plages colorées se brouillent, s'écartent et se remettent en place. Les lignes ondulent, frémissent... puis s'apaisent, l'infinie variété des bleus scintille, s'illuminent, pour retrouver ensuite leur densité. Une douce paix alors s'installe et envahit l'âme. Le regard captivé circule dans l'abîme de l'océan, s'y enfonce, s'y perd et balaie d'un seul coup le grouillement infernal de la vie et des choses qui habitent et agitent notre monde.

Anne Gersten

Dominique Collignon et Yves Piedboeuf Sublimes

2023-11-03T12:01:21Z

Que cherche la peinture à dissimuler lorsqu'elle s'éloigne de la représentation ? Et que cherche-t-elle à montrer au-delà de ce qui est, lorsqu'en brouillant les pistes, elle nous entraine vers des terres inconnues et inexplorées ?
Lorsque l'image, perçue par la rétine, s'efface et se brouille, fait place enfin au ressenti révélé par l'acte de peindre ?
Durant l'été 1885, Cézanne explore une perception visuelle neuve en sortant la peinture de l'imagerie classique et du rendu de la perspective.
Maintes fois condamnée à l'oubli et reléguée dans les sous-sols des musées, la peinture toujours renaît de ses cendres. Elle a, tout au long du XX^e siècle, trouvé son vocabulaire propre. En bouleversant les codes de l'observation, le peintre offre au spectateur la faculté d'immersion dans ces mondes voilés qui révèlent les tréfonds de son histoire personnelle.
Convoquant toutes les ressources de la perception de l'image, le dessin, la photographie, la peinture, l'artiste désormais fait part d'un monde sensible et dissimulé, jamais ostentatoire, mais toujours généreux, car il faut donner de soi-même et sans pudeur pour offrir à l'œil qui regarde la faculté de se saisir de l'œuvre et de la faire sienne.

À la galerie de Wégimont
Du 18 novembre au 17 décembre 2023
Vernissage le vendredi 17 novembre 2023 à 18h30

Dominique Collignon

La roche du chat Semois, 2022, huile sur toile, 50 x 40 cm

Gaumaise et fière, Dominique Collignon partage sa vie entre Virton et la Loire. Ni Dieu ni maître, si ce n'est le grand Olivier Debré, dont elle visite le musée qui lui est consacré à Tours. Dominique a entamé un parcours de peinture dans la veine impressionniste - que l'on peut aussi bien qualifier de ressentie - et poursuit inlassablement la pratique de son art dans la plus grande tradition. Diplômée de l'École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris, où le Maître Debré présidant son jury lui recommande chaleureusement de persévérer, son œuvre n'est pour autant pas classique. Il importe de chercher dans chaque tableau cette perception que l'on pourrait éprouver en voyant défiler dans une nonchalance convenue les paysages lors d'un voyage en train.
La voici qui revient de Céret, petite ville de peintres au cœur des Pyrénées orientales, à proximité de Banyuls et Collioure, où son ami Alain Schmidt l'a invitée à occuper sa « minuscule galerie » en compagnie de Marylène Daussin.
Lorsqu'elle ne peint pas, « La Dom » cultive son potager ou part en s'égarant à la cueillette des champignons. Nourrissant son jardin intérieur, elle alimente son imaginaire pour l'offrir à nos yeux émerveillés. Un vrai bonheur !

Jean-Paul Laixhay
août 2023

Le petit chemin des noisettes, 2022, huile sur toile, 80 x 100 cm

Quelques autres regards : à propos de Dominique Collignon

L'art de Dominique Collignon est celui des choses, choses attentivement regardées, incrustées dans l'oeil et qui prennent du relief dans ces toiles, perdent leur éclat, leur flambant arrogant et se polissent, se peaufinent, se patinent. Acceptent le temps sur leur corps et prennent de la consistance dans l'eau épaisse des vernis. Et un savon peut être beau, comme un bunker, car ce n'est pas la chose qui est belle, mais ce que l'on y met de désir, de présence au monde, de poésie emplie. De souffle qui passe comme un vent sur le cœur, en un mot : de peinture

François Liénard,
juin 2005

Les couches de peinture à l'huile de Dominique Collignon sont autant de couches de brume. Ses arbres ont du flou plein leurs feuilles. Au milieu de ses herbes folles flottent des flocons de fleurs. Ses étangs sont des miroirs où se reflètent des forêts tempérées d'un fin brouillard. Ses horizons, ses ciels sont dissimulés et révélés par le même rideau nébuleux, impalpable, que celui dont elle revêt, sur la terre, les parcelles de nature que ses paysages intérieurs ont choisi de faire revivre en peinture. « Entre apparition et disparition, entre lumière et obscurité, en se fondant ou en les laissant fondre en eux, les regards d'inconnus peuvent reconnaître dans ces microcosmes voilés certaines lueurs enfouies dans leurs propres tréfonds… »

Alain Renoy,
septembre 2023

L'or des cimes de la Semois, 2022, huile sur toile, 100 x 80 cm

Dominique Collignon aime la peinture vivante ; elle aime ce qui bouge, ce qui bruit autour d'elle et la fait bouger : la vie. Elle regarde, écoute, touche, enregistre des sensations, des émotions qui ont les couleurs de son âme.
Elle se souvient d'avant et de demain. Le mouvement qui la porte à peindre est le même que celui qui porte tout un chacun à parler, à sourire, à pleurer, à danser : le besoin vital de se connaître vivant et de le faire savoir.
Elle prend le pinceau, le couteau comme l'enfant son doigt, le poète son stylo, le guitariste sa guitare. C'est un mouvement naturel, instinctif, qui vient de l'intérieur de soi et va vers l'autre, un mouvement qui permet d'entrer dans sa peau, de s'y sentir à l'aise, puis d'en sortir, de partager.

Guy Goffette,
décembre 1989

Brumes d'anges Loire, 2022, huile sur toile, 70 x 90 cm

Biographie :
Vit et travaille à Virton en Belgique
Depuis 1984, nombreuses expositions en Belgique et en France
Email

Prix

1985 Prix du Conseil supérieur du Mérite artistique européen (MAEKV), Ostende.
Prix Peinture Henri Litt, Verviers.
1989 2^e Prix au Salon estival d'Art contemporain, Virton.
1994 1^er Prix Marie Howet.
2009 Prix Albert Jos de l'Académie royale de Belgique.
2010 Sélectionnée par Canvas, RTBF, exposée à BOZAR.

Yves Piedbœuf

Sans titre, 2023, acrylique et huile sur toile, 150 x 150 cm

Diplômé de l'École Saint-Luc de Liège en 1990, Yves Piedbœuf poursuit un parcours de peintre et de photographe, parallèlement à l'enseignement qu'il donne dans ce même institut. Il pourrait être géographe, reporter, astrologue … il est plasticien. Il est aussi rêveur et historien. Car ce qui préoccupe cet artiste touche-à-tout, c'est la genèse d'un parcours, d'un événement, celui qui s'est passé et qui peut-être se passera, le regard du spectateur fera le reste !
Son oeil s'attarde sur la mémoire et sur la vie des choses qui fuient et se dissolvent, sur la vie et la mort. Privilégiant quelquefois la photographie (le dessin et la peinture ne sont jamais loin), il s'amuse des profondeurs de champs, manipule le flou et le net, le grain, les collages, les perspectives, le statique et le mouvant …
En jalonnant son parcours d'images de racines, de lichens, de cabanes, de troncs d'arbres et de ligaments, Yves nourrit sa perception intérieure de clichés, de photographies anciennes qu'il rephotographie quelquefois et les réinterprète pour mieux nous indiquer la survivance de ses impressions intimes, palimpsestes improbables, témoins de ses vagabondages.
Une autre dimension encore : au travers de sa démarche, il y a quelque chose de l'ordre de la conjuration, du rite, en antidote au monde cyberaseptisé, un rebasculement à l'élémentaire et au silence, à la méditation.
Quel cadeau !
Dans la présentation des œuvres, peintures, dessins, photographies, qui nourrissent la pratique de ces deux plasticiens, l'exposition rend compte de cette mise à distance de ces médiums classiques à leur genre initial par le « non-dit », un moyen de troubler la perception et rendre la lecture — visuelle et narrative — mystérieuse et quelquefois intrigante. … SENSIBLE.

Jean-Paul Laixhay
août 2023

À propos de Yves Piedbœuf

Sans titre, 2023, acrylique et huile sur toile, 150 x 150 cm

Dans son œuvre, pas de séduction ostentatoire, c'est l'ombre qui prime parfois sur la lumière. Une radicalité vraie qui témoigne de l'esprit du temps et d'un sentiment de tragique face à la finitude…

Lino Polegato,
Galerie Flux,
Liège, 2009

...Personne ne savait au juste où tu te terrais durant des matinées entières après avoir déambulé sans destination précise, ivre d'un paysage qui te dépassait.
Était-ce en bord d'Aisne ? Était-ce à Devantave ?
À Oster ? Ou plus loin encore ?

Tu considérais les bouleaux dans leur multitude.
Tu scrutais leurs troncs pour mieux en épier la vie.
Les tâches de lichen qui les recouvraient fixaient une cartographie improbable sur laquelle tu projetais tes détresses et tes rêves.
Leur écorce bichromatique t'obsédait.
Les chatons de leurs feuilles apaisaient ton angoisse.

Te couchant sur le sol, tu t'imaginais croître de la terre.
Tu aurais pu y enfouir tes pieds, tes jambes, ton tronc.
Elle t'aurait enserré. Elle aurait fini par t'ensevelir.
Un peu d'humus aux commissures.
Le rictus déformé par le givre.
Déjà tu étais racine.

Éric Therer,
2023

Sans titre, 2023, acrylique et huile sur toile, 150 x 150 cm

Les histoires sans paroles d'Yves Piedbœuf
L'Unheimliche — ce concept freudien si célèbre et fragile à la fois — a sûrement déjà été mis à toutes les sauces, y compris dans la grande cuisine photographique. Ce savant dosage d'étrange et de familier, de proche et d'inaccessible, de jamais-vu et de déjà- là, n'est pourtant pas un mot vide ni un vain mélange, quand on se penche sur les photos d'Yves Piedbœuf.
Première, et comme immédiate, s'engage la perplexité.
Quelque chose a eu lieu, mais quoi ? Trois fois rien s'apprête à se passer ou à se dire, mais comment ? L'instant semble prêt à fuir, mais quand ? Dans cette photographie en apparence classique, dans ce 24x36 noir et blanc qu'on apparenterait commodément à « l'instant décisif », quelque chose d'indécis s'entête malgré tout et dévie sans cesse. Comme une lumière ténue, un souvenir fugace - une réminiscence, une rémanence même, beau mot qui donne à la série son titre allusif.
Les choses pourtant paraissent simples, mais souvent semble manquer un complément essentiel : une légende ou une explication ; un contexte ou un décor ; un bras même, ou bien une tête, ou les deux ; ou encore un interlocuteur.
Et c'est de ce côté incomplet, lacunaire que cette séquence, qui n'en est pas une, tire son côté intrigant.
Comme un jeu sur le hors-champ dont aucun plan suivant ne viendrait donner la clé ; comme un jeu sur le hors-temps, qui rend l'image difficile à dater ; comme une imprécision même à travers les détails, d'où sourd une dimension à la fois intime et universelle.
Ce jeu — car il y en a chez Piedbœuf, plus sûrement encore dans ses photos que dans sa peinture — ne saurait s'accommoder de mise en scène ou de préméditation.
Un je ne-sais- quoi de spontané parvient à capter le tragique de l'éphémère, de l'inaccompli, du transitoire.
Ça pourrait vite tourner à l'obsession, cette affaire-là ;
d'ailleurs ça y tourne, n'en doutons pas. Tant de choses ne sont plus là, mais y sont quand même, vous savez : le désir ou la lumière d'une étoile, un parfum après qu'on a fermé les yeux, une lueur malgré la disparition…
Une magie, un magnétisme familier. Tendresse esquissée ou violence contenue.
Peut-être tout cela ne veut-il rien dire — mais dans la vie, ne dit-on que ce qu'on veut ? — Peut-être convient-il de regarder ces images avec un oeil de peintre et une âme d'enfant. Peut-être importe-t-il surtout qu'une image soit porteuse de peut-être, davantage que de mots, d'explications ou de certitudes…

Emmanuel d'Autreppe,
avril 2021

Sans titre, 2023, noir et blanc, tirage jet d'encre sur papier « esquisse », 60 x 80 cm

Biographie :
Vit et travaille à Somme-Leuze en Belgique
Depuis 1988, nombreuses expositions en Belgique,
France, Hollande, Finlande, Japon
Email
Prix

1990 Prix du Ministre Président de l'Exécutif de la Communauté Française de Belgique
Prix Charlemagne, Berneau 1991
Prix du Rotary de Visé 1992
Prix du Rotary de Maastricht 2008
Prix de la SABAM,
Galerie Juvénal, Huy 2009
Acquisition d'une peinture par la Province de Liège

Sans titre, 2023, noir et blanc, tirage jet d'encre sur papier « esquisse », 60 x 80 cm

Michaël Kravagna

2023-10-02T21:07:13Z

Du samedi 23 septembre au dimanche 22 octobre 2023
Vernissage le vendredi 22 septembre à 18h30
L'artiste sera présent le 8 octobre

Michael Kravagna, sans titre, 2017, huile, tempera et pigments sur toile, 95 x 95 cm

https://www.kravagna.com/

Hâtez-vous lentement et, sans perdre courage
Vingt fois remettez votre ouvrage
Polissez-le et repolissez-le sans cesse
Ajoutez quelques fois et souvent effacez
Nicolas Boileau

Dès le premier coup d'œil, comme un accord plaqué sur le clavier, la « polyphonie » [1] de couleurs des œuvres de Michael Kravagna envahit tout l'espace et résonne au plus profond de l'être. Du rouge au vert, du jaune au violet, de l'oranger au bleu et, en contrepoint, toutes les nuances intermédiaires, y compris le noir et le blanc, les couleurs vibrent, irradiantes ou pénétrantes, et transmuent la matière en lumière.
D'emblée encore, on découvre des tableaux au format quasi unique, le carré, de toutes dimensions, du plus petit, intimiste, au plus grand, grandiose et monumental, autant de fragments d'un tout global.

L'anatomie du tableau [2]

Michael Kravagna , sans titre, 2015, huile, tempera et pigments sur toile, 190 x 220 cm

La matière colorée, dense, charnue, couvre entièrement la toile et semble parcourue de bas en haut d'un réseau de lignes parallèles méthodiquement tracées. Et pourtant, çà et là, les lignes ondulent, hésitent, s'interrompent s'ouvrant sur une béance, abîme obscur ou éclat de lumière. À y regarder de plus près, ces lignes n'en sont pas vraiment, elles ne dessinent rien, ne cernent le contour d'aucune forme, elles ne sont que des rides,des fissures, des sillons, des traces laissées par l'outil du peintre au travail. L'œil les parcourt, cherche à les suivre, balaie inlassablement la surface de la toile, s'accroche, là à une rugosité, là glisse sur une brillance, va et revient encore.
Ces tracés dans l'épaisse surface picturale, tels des sédiments et résidus organiques amoncelés en strates successives, suivent l'horizontale, le lien à la terre, de la structure fondamentale du tableau. Peu à peu, ils dérapent, s'effritent, se déchirent... la matière éclate et laisse entrevoir les fragments dévoilés de nappes souterraines.
Et l'on se prend à y voir les craquelures d'une terre desséchée par le soleil, le rythme des rides laissées par les vagues dans le sable ou celles, frissonnantes, de l'eau agitée par le vent, les ombres profondes dessinées par les crevasses sur un glacier étincelant, celles de bandes de nuages sombres dans un ciel lumineux, les jets légers de brins d'herbe émergeant d'une plaine enneigée,les blessures de l'écorce éclatée d'un vieil arbre…

Qu'on ne s'y trompe ! Michael Kravagna ne peint pas de paysages,même... abstraits ! C'est pourtant le propre de la peinture informelle que de laisser au spectateur la liberté d'y projeter les images de son propre univers quand le geste du peintre esquisse des rêves, des mondes réels ou imaginaires et que la résonance de la couleur lui renvoie en écho le chant de son âme.
Mais là n'est pas l'objectif de la démarche artistique du peintre.Michael Kravagna ne veut rien représenter ni même suggérer, il ne cherche pas non plus à livrer quelques impressions ou émotions personnelles, il aspire seulement à trouver dans l'acte de peindre lui-même le sens véritable de la peinture.

La peinture « mise à nu »
et peindre comme acte vital.

Michael Kravagna, sans titre, 2017, huile, tempera et pigments sur toile, 120 x 120 cm

Le sens de l'œuvre d'art, sa raison d'être et ce qu'elle communique réside dans le processus même de sa genèse et de son accomplissement.
L'artiste prépare ses couleurs lui-même. Il broie les pigments naturels (terres, bois brûlés, laques…) ou chimiques qu'il mixe à l'eau, à l'œuf, à l'huile, à la caséine, à la térébenthine, au bitume ou à l'acrylique. Tous les mélanges et les textures, du glacis léger à la matière épaisse, sont expérimentés, combinés,superposés. Dans la substance soigneusement préparée, l'artiste plonge son pinceau, souvent une large brosse ou une palette, et le travail commence. Chargé de couleur, l'outil attaque la toile, glisse,s'attarde, traverse, part et revient. Le geste lent, régulier et précis, ne souffre d'aucune contrainte, d'aucune soumission ou concession à une quelconque forme. La couleur envahit tout l'espace de la toile, s'y accroche ou s'étale et s'étire en strates horizontales. L'épaisseur de la couche picturale,opaque ou translucide, varie au cours du processus de recouvrement.Les couches s'accumulent et l'on perçoit là où la main se fait légère, parfois la tissure de la toile, parfois le halo lumineux ou la résonance sourde d'une couche antérieure.

Michael Kravagna, sans titre, 2020, huile, tempera et pigments sur toile, 60 x 60 cm

L'œuvre de Michael Kravagna est un travail sur la couleur dans les deux sens du terme, que l'on parle de l'onde de lumière colorée perçue par la vue humaine ou de la matière picturale,substance colorante. Couleur et matière ou matière et couleur,les deux ne font qu'un. La matière est maîtrisée, dominée,domestiquée. Elle ne s'inscrit pourtant dans aucun contour,ne donne forme à aucune image, elle est là, présente dans sa réalité physique, sa substantialité, sa sensualité. Quant à la couleur, sa destinée rejoint celle de la matière par résonance,sa vibration et sa capacité émotionnelle.Le tableau ne raconte pas d'histoire ; il est l'histoire, une histoire picturale, celle de son élaboration dans l'espace et dans le temps. Fruit d'un long et patient travail de la matière picturale amoncelée en couches successives, à chaque fois grattées,raclées, effacées, déconstruites et reconstruites, en un geste cent fois recommencé. Le surplus disparaît, l'essence reste et ressurgit dans les brèches, les craquelures et la transparence des glacis. Le processus d'exécution du tableau est sa fin, autrement dit, la facture et le résultat se confondent, le contenu est le contenant.Mais avant tout, l'œuvre se saisit dans sa globalité, dans l'espace-temps, ici et maintenant. Elle n'a ni commencement ni fin ; les motifs, empreintes de l'outil dans la matière, se répètent indéfiniment, il n'y a pas de haut et de bas, de proche ou de lointain, tout est à la surface, même si l'on y pénètre par endroits. C'est un all over où tous les contraires se rejoignent en un tout unique, issu d'un processus pictural déconstructiviste dans le sens où la déconstruction est un outil de travail et de compréhension de l'ordre des choses.Si de la contemplation des œuvres de l'artiste, des images ou des émotions surgissent, elles ne proviennent que de la richesse des textures, des matières, des couleurs et des lumières.Michael Kravagna reconnaît qu'un parallèle existe avec la nature,mais, ce ne sont pas les aspects habituels d'un paysage qui l'intéresse, ce sont ses structures, ses lignes de force, ses processus de croissance. Tout le mystère des trajectoires improbables du parcours sinueux d'une rivière, des bifurcations des chemins dans la montagne, des ramifications inextricables des branches de l'arbre, des proliférations géométriques des cristaux de neige... Tout le mystère de la vie aussi ! Comment les choses émergent, se modifient, disparaissent et renaissent…
C'est la tentative de compréhension de ces phénomènes et leur observation attentive qui sont à l'œuvre dans le travail de Michael Kravagna, le plus souvent de manière intuitive, souligne-t-il. En effet, le modèle ne lui est jamais imposé de l'extérieur et s'il devient reconnaissable, si des images de la nature surgissent dans l'œil du spectateur, c'est par un phénomène de convergence.

La répétition [3]

Michael Kravagna, sans titre, 2017, huile, tempera et pigments sur toile, 160 x 160 cm

Faut-il le redire ? Michael Kravagna répète inlassablement le même geste de balayage de la toile, il va et vient, ajoute et retranche,défait et reprend. Les strates de matières en mille nuances colorées s'accumulent, se superposent, disparaissent et ressurgissent en une cadence constante et régulière. L'artiste entasse, efface, passe et repasse.
Mais la répétition n'est pas une redite à l'identique. Chaque nouveau tableau, au gré du choix des matières, des couleurs et des techniques, est une « variation sur un même thème », une page sans cesse réécrite et recomposée.
Une chose qui n'est dite ou n'arrive qu'une seule fois ne semble pas crédible. Son contraire pourrait être tout aussi pertinent,remarque l'artiste. La répétition s'apparente dès lors à une méthode d'investigation, d'apprentissage et de connaissance.Expérimenter, insister, répéter obstinément, c'est aussi, une fois toutes les ressources épuisées, tenter de s'approcher le plus près possible de cette cime inaccessible qu'est la perfection.
Et si la répétition était un rituel ? Infinies variations d'une œuvre d'art totale inscrite dans la marche du monde et vécue comme un acte existentiel qui abolit toute distinction entre l'art et la vie.

Anne Gersten

[1] Polyphonie est le titre d'un ouvrage consacré à Michael Kravagna
paru aux Éditions eastern belgium at night, en 2016

[2] Titre de l'exposition proposé par l'artiste.

[3] La répétition est le titre de l'exposition actuellement (du 04.02.23 au 27.01.25) présentée au Centre Pompidou-Metz. À travers un choix dans les collections du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou, l'exposition s'attache à montrer comment la création peut aussi procéder par répétition, insistance, multiplication, accumulation, plutôt que dans des œuvres ou des gestes isolés. Le point de départ de l'exposition est l'œuvre de Marie Laurencin intitulée : La répétition peinte en 1936. Le sujet du tableau est une répétition de chant, musique et danse et la composition reprend – répète – celle de Pablo Picasso dans Les demoiselles d'Avignon, tableau emblématique des débuts du modernisme

Wégimont Culture

Mon Colonnel & Spits

Bern Wery

Roel Goussey

La mer et le miroir

L'homme et l'œuvre

Les couleurs de la mer ... quand l'horizon chavire

Dominique Collignon et Yves Piedboeuf Sublimes

Dominique Collignon

Yves Piedbœuf

Michaël Kravagna

L'anatomie du tableau [2]

La peinture « mise à nu » et peindre comme acte vital.

La répétition [3]

La peinture « mise à nu »
et peindre comme acte vital.