Wégimont Culture

Pierre Pétry

2025-05-03T12:34:26Z

À la fin de l'année 2023, la famille Pétry — et tout particulièrement ses frère et sœurs, Marie-Louise, Suzanne et René — décide de donner à la Fondation l'œuvre de Pierre, artiste animalier de génie, créateur d'un bestiaire… tellement peu ordinaire.

Une exposition de la Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture
Commissariat : Dominique Mathieu et Isabelle Neuray

À la galerie de Wégimont
Du 10 mai au 22 juin 2025
Vernissage le vendredi 9 mai 18h30
Finissage le dimanche 22 juin dès 14h

Pierre Pétry

Pierre Pétry, Autoportrait, s. d.,huile sur papier, 40 x 35 cm

Né le 26 février 1945 au sortir de la guerre, il meurt en 2017 à l'aube de ses 72 ans. Étudiant à l'Académie des Beaux- Arts de Liège entre 1962 et 1971, il est l'élève notamment de Jean Debattice et de Mady Andrien. Il y retournera en tant que professeur (dessin, sculpture, peinture décorative) de 1974 à 2010. Cet artiste a marqué, en Province de Liège et ailleurs, toute une génération de peintres et de sculpteurs, d'esthètes et d'amateurs d'art, sans oublier les amoureux des bêtes et les férus d'hybridité.
« J'ai toujours aimé observer les animaux. Et je me suis créé un univers. Sans y mettre une intention particulière, je peux relever qu'il s'agit toujours d'espèces familières et que je ne les représente jamais dans une attitude agressive ou dans une situation de danger. Je travaille aussi à créer tout un bestiaire hybride où on identifie des figures humaines. Mais il n'y a ni symbolisme, ni narration. » [1]
Démunie face à l'ampleur d'une production artistique désormais orpheline, la fratrie n'a pas souhaité que celle-ci s'éparpille et disparaisse. L'œuvre de Pierre ne devait pas se retrouver dans des mains peu scrupuleuses, faisant fi de sa valeur et de sa portée humaniste. Elle n'allait pas non plus sombrer dans la désolation d'un garde-meuble. Suite à une rencontre fructueuse entre René Pétry et Paul-Emile Mottard, président de la Fondation, le Fonds Pétry est créé. Débute alors l'inventaire de l'œuvre de Pierre, celle qui reposait encore dans son lumineux atelier de la rue Basse-Wez à Liège. Cet ancien bâtiment industriel réhabilité, à l'ombre du parc des Oblats et de la colline de la Chartreuse, Pierre le partageait avec ses voisins et amis, les artistes Michel Léonardi et Roel Goussey. Sa présence y est toujours palpable…
La Fondation a relevé des sculptures de petites et moyennes dimensions, en plâtre, polyester, résine ou terre, aux couleurs souvent vives voire chatoyantes, parfois empruntées à la peinture de carrosserie : personnages anthropomorphes à l'allure simiesque, à la tête de lapin, d'hippopotame, de taureau, ou de drôles d'oiseaux, … ; sculptures animalières, gallinacés et autres volatiles, cochons, lapins, équidés, poissons, pingouins…

Pierre Pétry, La chèvre rose, s.d., huile sur papier, 73 x 55 cm

De grands et petits dessins aussi, à l'huile ou au fusain, et aux sujets concordants.
Sur ce travail justement, Pierre s'exprimait ainsi : « Dans les dessins que je présente ici, c'est la ligne qui sert de guide à la composition. Puis, je reviens avec une matière picturale, de l'huile en bâton, appliquée avec une gestualité expressive. Les fonds blancs sont préservés, comme des silences. Je comprendrais qu'on apparente ces travaux à certains caractères de la peinture rupestre. Il y a aussi une allure d'estampe, peut-être de la lithographie avec des motifs décalés qui se super- posent, puis font naître d'autres images : une tête de cheval qui ressemble à un paysage. »*

Pierre Pétry, Red Rabbit, s.d., huile sur papier, 38 x 33 cm

Il en résulte une œuvre préservée de plus de 200 pièces auxquelles s'ajoutent des peintures de jeunesse, une foule de petits croquis, quelques carnets et des archives. Pierre Pétry a également pratiqué l'échange avec ses collègues et amis artistes puisque ont été découvertes d'autres œuvres aux dédicaces émouvantes. Tout cela témoigne de son long parcours dans l'imagerie onirique animalière, de quelques grands voyages, de son sens de l'ordre, de son goût du beau, de l'amitié, de sa volonté d'exposer, de travailler encore et toujours et ce jusqu'à son dernier souffle en 2017.
Un merci tout particulier est adressé à René, frère aîné de Pierre, grand amoureux des bonnes oies familières, celles de Konrad Lorenz et Selma Lagerlöf… Ce qui nous interpelle et nous éclaire aussi sur cette marotte si particulière de Pierre pour le motif animalier. « D'aussi loin que je me souvienne, a-t-il confié, j'ai toujours pris les animaux comme sujets. »* Pour donner le ton à cette ex- position posthume, la Fondation a invité Dominique Mathieu, fondatrice en 1993 du centre d'art contemporain liégeois Les Brasseurs, véritable laboratoire offrant aux artistes toute liberté pour créer. Elle a très bien connu Pierre qui fréquentait cet espace très convivial ouvert aux rencontres, aux échanges de pratique, à la réflexion. Dans l'exposition que nous vous offrons, Dominique a choisi de privilégier les représentations purement animalières. Un hommage doux et puissant à cet homme discret et élégant, parti sans faire de bruit…

Isabelle Neuray
secrétaire de la Fondation

Pierre Pétry dans son atelier

La Fondation

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture

Pierre Pétry, Allo !, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture, présidée par Paul-Émile Mottard, voit le jour en 2017. Créée à l'initiative de Guy Vandeloise et Juliette Rousseff, un couple d'artistes liégeois désireux de léguer leur patrimoine à la Province de Liège, cette fondation d'utilité publique scelle une alliance entre l'Institution provinciale, les deux artistes et la création plastique. Les époux assurent ainsi la survivance de leur propre création artistique mais aussi de leur patrimoine personnel, un patrimoine immobilier et mobilier de collectionneurs érudits.
Outre le fonds Vandeloise-Rousseff, toujours sujet à se développer, la Fondation crée d'autres fonds distincts qui mettent en valeur des philosophies et des esthétiques de l'art différentes. Elle a la volonté de se tourner vers l'avenir en restant ouverte à des techniques et des attitudes multiples et variées. Elle privilégie les artistes ayant le sens de la liberté dans la recherche, à travers une pratique de l'art fondamentalement liée à la quête et à la construction de soi (psychologique, somatique, philosophique), en résonance avec le monde et par quelque moyen que ce soit.
Principalement dédiée aux arts plastiques, cette jeune fondation a pour mission de lutter contre le démantèlement de collections, d'œuvrer à la sauvegarde, à la conservation et à la valorisation de l'art liégeois des XX^e et XXI^e siècles. Constituant un vecteur de dynamisme et de développement culturels en Province de Liège, la Fondation met en valeur ses missions et les artistes qu'elle promeut par des expositions et rencontres, et l'édition de catalogues et ouvrages de réflexion. Elle s'emploie aussi à soutenir et promouvoir d'autres initiatives aux buts similaires.

Fondation Province de Liège Art et Culture

www.fondationartprovincedeliege.be

Le bestiaire hybride

Le bestiaire hybride : une question d'humanité

« Le rossignol pris pour un moineau,
cela aussi est le printemps
Buson »

Homme à tête d'éléphant, homme à tête de loup, à tête de chat, d'hippopotame, de lapin... Dans l'art de Pierre Pétry, depuis toujours, le monde animal se marie à l'hu- main. À moins évidemment, qu'il ne s'agisse de l'inverse. D'autant qu'à bien le regarder, ce curieux bestiaire arrive à nous surprendre au point que nous ne savons plus si c'est seulement le corps qui est animal ou si ce ne serait pas plutôt la mimique de leur visage, leurs yeux, leur port de tête qui... Les références sont immédiates, les associations faciles : d'Anubis au lapin d'Alice et de Raminagrobis au loup de Tex Avery.

Pierre Pétry, Wolfy, résine, s. d., 61 x 18 x 20 cm

Juxtaposer l'homme à l'animal est certes aussi vieux que le monde… Pour différencier les « tempéraments » humains, pour mieux en faire apparaître les particularités, de- puis longtemps les sociétés ont eu recours à l'affiliation animale, la brebis, l'aigle, le taureau, le lapin... Suivant la vieille physiognomonie, énoncée et illustrée par Gas- pard Lavater ou Charles Lebrun notamment, par simple ressemblance, on s'imaginait pouvoir identifier, dans
les traits physiques d'une tête ou d'un visage, les signes révélateurs d'une personnalité donnée, supposée parta- gée avec l'animal ; certaines expressions quotidiennes n'en ont-elles pas conservé l'empreinte ?
Si, à première vue, les procédés paraissent comparables, la référence, un peu facile, se révèle assez vite dépour- vue de véritable à-propos devant les œuvres de Pierre Pétry. Chez Pierre, s'il est question du monde animal, il est surtout question d'humanité. De profonde et de subtile humanité. Plutôt que le signe d'une volonté réductrice, ou d'une solution un peu rapide, pour ranger les hommes dans des catégories, l'association homme - animal chez Pierre est bien davantage la marque d'une particulière et peu commune attention aux hommes eux-mêmes. Sous ces airs d'amuseur d'enfants en mal de rêves, Pierre, avec son humour et sa réserve, nous murmure quelque chose qui parle de nous. Oui, de nous et ce même s'il avoue un peu vite, comme pour s'en excuser, avoir depuis toujours préféré étudier, dessiner, peindre et sculpter les animaux. Le chemin peut paraître détourné - par pudeur et par discrétion, par élégance aussi et la méthode surprend sans doute, mais, bien que les apparences du jeu soient trompeuses, c'est de nous qu'il parle.

Philippe Delaite

Pierre Pétry, 9 cm, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

[1] Propos de Pierre Pétry recueillis par Pierre Henrion en 2016

Carole Beugniet

2025-03-16T13:03:46Z

À la galerie de Wégimont
Du 22 mars au 27 avril 2025
Vernissage le vendredi 21 mars 2025 à 18h30
L'artiste sera présente les 22 mars, les 6, 19, 20 et 27 avril 2025

Paysages multiples

Paysages multiples

Carole Beugniet, Sans_titre, 2022, mine de plomb, 25 x 25 cm

Depuis plus de vingt ans, Carole Beugniet expérimente les techniques de l'estampe, qu'elle déploie aussi en installations ou en livres d'artiste et développe aujourd'hui avec l'outil numérique. Son thème de prédilection est le paysage mais aussi son environnement quotidien.
Elle travaille à partir de photographies, de croquis et de notes, sur la base de souvenirs ou de son imagination. Sa pratique trouve son origine dans la technique traditionnelle de la gravure au burin et se révèle avec l'usage d'autres techniques comme le monotype, le dessin ou plus récemment l'estampe numérique. Par l'usage de l'encre, l'artiste fait ainsi émerger des formes, orga- niques ou minérales, à la lisière de l'abstraction. Deux éléments sont centraux dans son œuvre : le trait, qu'elle veut pur et délié, et le vide, qui ne s'oppose pas au plein mais représente plutôt « un souffle qui animerait ces lignes ».
Conjuguant ces deux éléments, elle crée des compositions d'une grande vivacité où sont mis en exergue les rendus et les matières. Elle utilise aussi différents formats de papier, parfois monumentaux, comme pour sa série d'estampes numériques Sols rocheux.
D'autres œuvres sont parfois présentées à plat afin que le spectateur parcoure l'œuvre et observe les détails de façon plus intime, telle une déambulation dans le paysage. Lorsqu'elle travaille avec les nouvelles techno- logies, l'artiste scanne ses monotypes, pour en extraire des lignes et des formes, afin de les archiver. Cet inventaire devient le point de départ de nouveaux projets, elle les compose telles des partitions pour réaliser ses interprétations du paysage. Un autre élément primordial dans sa pratique est le papier, dont elle expérimente plusieurs types. En 2018, les estampes imprimées rangées en piles dans l'atelier ont d'ailleurs donné lieu à une série photographique réalisée en triptyque. L'artiste a photographié en plan serré les faces latérales des piles, dévoilant la fragilité du papier, les différentes matières et l'imperfection des découpes. La superposition de traits colorés évoque des strates géologiques ou des paysages de plaines désertiques. Le paysage ne cesse de l'interroger. Elle explore dans ses recherches récentes autour de la cartographie géographique qui « est un type de représentation à mi-chemin entre abstraction et figuration (…) et est une réalité plus subjective que physique de l'espace ». Elle se les approprie, les détourne, pour proposer une réinterprétation poétique d'un territoire.
Ces dernières recherches l'ont naturellement amenée à penser de nouveaux livres d'artistes, mais pour la première fois avec l'envie d'une cocréation. Cette exposition révélera d'ailleurs les livres réalisés avec la poétesse Blandine Poinsignon.

Carole Beugniet, Sans titre, 2024, fusain, 25 x 25 cm

En regards

En regards

Du temps. Temps nécessaire à la rencontre. Au mûrissement.
Temps pour ce qui nous traverse et vient nourrir notre rapport au monde, aux autres, à soi, à la création. L'objectif initial : un livre d'artiste. L'image ne devait pas être une illustration du texte, non plus que le texte un agré- ment de l'image. Un trajet ensemble, donc, avec la liber- té de ne pas savoir dès le départ où nous arriverions ni quand. Carole crée des images, les multiplie, déplace, tourne, assemble et naissent de nouveaux paysages. Comment avec les mots ? Avec les moyens du poème ? - sans que cela tourne au jeu pur - pour trouver ce supplément de sens, de perspective, de grâce ? Je cherche la nudité de la phrase, de la construction, la densité
des mots, l'élan inspiré du haïku qui permet des combinatoires pertinentes, et m'étonne de l'aisance avec laquelle cela se donne. Certainement le fond de toute écriture, mais en acceptant, exceptionnellement, de ne pas fixer de forme finale, d'offrir aux lectrices et lecteurs un matériau choisi avec lequel composer leur poème.

Carole Beugniet, Sans titre, 2022, burin, 54 x 26,5 cm

Ouvrir les possibles de l'image et du texte comme un tout qui se dévoile progressivement. Un paysage que le regard ne peut englober en une fois mais doit parcourir en glissant, se heurtant, s'arrêtant, allant à un autre détail. Et à chaque plongée, tout change, car l'œil ne peut reprendre sa lecture - de l'image, du texte - qu'à un nouvel endroit.
Carole pense ses images comme minérales ; j'y vois aussi quelque chose de végétal, d'anatomique, de cosmique ; j'y vois parfois même des visages. Dans la richesse de ces perceptions et de l'échange, nous creusons ensemble notre recherche. Une mise en mouvement. Ce que nous aimerions que perçoivent et vivent celles et ceux qui regarderont, qui liront. Un déplacement de soi.
Plier, déplier, pour composer, recomposer des paysages dans lesquels autant de chemins seront à inventer. Carole tisse de nouvelles trames où mes mots épousent ses encres, deviennent ponctuations, lignes, formes. Images dans l'image. Joie d'expérimenter, d'aller ensemble : les tentatives, les propositions se multiplient. Jusqu'au moment où images et mots, dans leur enroulement-déroulement, s'entrelacent avec évidence. Une surface dont la linéarité n'est qu'apparente.
Il y a un paysage d'encre que je contemple longtemps dans mon bureau - écho de la grande impression qu'avait produit sur moi, au musée, un exemplaire de La Prose du transsibérien de Blaise Cendrars illustré par Sonia Delaunay. Il fallait aller plus loin et tirer le fil, explorer avec mes mots ce que Carole travaille avec minutie dans les détails de ses images. Habiter son territoire, ses blancs, la profondeur de ses noirs, m'y glisser pour voir ce que ça creuse en moi. Paysage mouvant intérieur-extérieur.

Il y en a un autre paysage dont Carole a pensé le pliage : irrégulier, élégant. Je tourne les pages, encore et encore, m'habitue à la rythmique des encres, des plis. Mes mots viennent s'y glisser, je m'y reprends à plu- sieurs fois, il faut lâcher-prise et composer, composer et lâcher-prise. Regarder, beaucoup. Entendre ce qui se joue. S'arrêter quand ça tombe juste, sonne juste.
Nous n'en finissons pas de nos allers-retours. Je repars avec un paysage à éprouver, Carole avec des mots auxquels accorder un paysage sur mesure. Elle finira, après impression, par un travail de mise en couleur, tout en légèreté, quelques touches pour éclairer ici et là, traces de la lumière diffractée, quelque part entre noir et blanc.

Blandine Poinsignon

Carole Beugniet, Paysages multiples série 2021 estampe numérique n°4 rehaussée de crayon de_couleu et aquarelle, 23 x 23 cm

Biographies

Carole Beugniet est née en 1973 dans l'Oise, elle vit et travaille à Lille. Elle est diplômée de la DNPA, option art, avec les félicitations du jury, de École des Beaux-arts de Valenciennes (1995) et de la DNSEP, option art, École des Beaux-arts de Valenciennes (1997). Elle est membre de l'association de la Malterie, atelier 19 et professeur d'enseignement artistique au Centre des Arts plastiques et visuels de Lille. Elle a obtenu divers prix et bourses, participé à de nombreuses expositions notamment à Lille, à Amiens, à Villeneuve d'Ascq et à Paris ainsi qu'à de nombreuses Biennales ou Triennales de gravure en France et en Belgique.

Blandine Poinsignon est née en 1986 dans les Hauts de France.
Elle est professeur de Lettres et a publié des poèmes et textes dans différentes revues.

Carole Beugniet, Sans titre, 2015, techniques mixtes, gouache, pastel sec, aquarelle, encre, 180 x 80 cm x 4

L'école de Fontin

2025-01-15T10:58:34Z

Du samedi Du 1^er février au dimanche 9 mars 2025
Vernissage le vendredi 31 janvier 2025 à 18h30

On est en 2011, en avril, l'AKDT de Libramont ouvre les inscriptions pour le prochain stage d'été et Jean-Pierre Ransonnet ne s'y trouve pas. Un peu déconfite de ne pas poursuivre cette rencontre annuelle, je lui demande s'il serait d'accord de superviser une bande d'artistes désireux de recevoir ses conseils avisés. Et contre toute attente il accepte ! Il suffisait alors de proposer aux fi- dèles de l'AKDT et aux anciens collègues de l'Académie des Beaux-Arts de Liège d'y participer et tous se révé- lèrent enthousiastes. Un local fut trouvé pour cinq jours, qui devinrent rapidement six, dans le joli village de Fontin sur les hauteurs d'Esneux. Et la nouvelle aventure pouvait commencer ... Elle dure depuis 13 ans, chaque été à la fin du mois de juillet.

La belle équipe

La belle équipe

La Belle Équipe : Anne Lehembre, Marielle Lejeune, Yves Buffalo, Lieve Groeninckx, Nadine Viaene, Cécile Dumortier, Dominique Boucqueau, Sabine Daro, Geneviève Bourlon, Claude Beck, Jean-Jacques Jacob, Jean-Pierre Ransonnet, Josiane Bawin, Myriam Maroy, Édith Bodart.

Une bande d'artistes dont l'amitié s'est forgée avec le temps, dans la joie de peindre mais aussi le désir de poursuivre, approfondir ou tenter d'autres expériences picturales le temps d'une semaine entièrement consacrée à soi. Entre les apéros et les salades partagées à midi, c'est un travail de fond que chacun s'est fixé comme objectif, Jean-Pierre passant de l'un à l'autre pour prodiguer ses conseils, encourager et partager son expérience.

Claude Beck, sans titre, 2024, acrylique sur toile, 30 x 30 cm

Jean-Jacques Jacob, sans titre, 2024, linogravure sur papier Japon, 60 x 50 cm

Anne vient de Bruxelles, Édith de Mozet, Marielle de War- emme, Nadine de Ohain, Myriam de Petit-Hallet, Lieve de la région flamande, Jean-Jacques, Yves et Claude de la région liégeoise, Dominique de Hannut, Geneviève, Sabine, Josiane et moi-même de la région Ourthe Amblève ... On loge chez l'habitant ou non, on suit un horaire strict de travail, interrompu de grands moments de rires et d'amitié.

Édith Bodart, Partition de campagne, 2024, encre sur papier, 29 x 29 cm

La Belle Équipe, ce sont des artistes déjà reconnus ou non, mais où la solidarité joue un rôle essentiel, comme dans le film de Julien Duvivier cher au cœur de Jean-Pierre.
Non, vous ne retrouverez pas la patte du maître dans les œuvres présentées à Wégimont (les artistes ont tous des démarches propres à leur parcours), mais bien son esprit, présent dans le désir de chercher, d'aller plus loin dans le travail.

Cécile Dumortier, Rouge, 2024, acrylique sur toile, 109 x 95 cm

Myriam Maroy, Strange, 2024, acrylique, pastels à l'huile, solvant, crayons et pigments sur papier intissé, 30 x 21 cm

Yves Buffalo, sans titre, 2024, feutre et marqueur sur papier, 37,5 x 85 cm

Alors, on lève son verre à la « gloire », on se dénomme pompeusement l'École de Fontin ! Mais pourquoi pas après tout, d'autres avant nous ont tenté cette expérience et nous la renouvellerons tant que ce sera possible pour chacun ...

Cécile Dumortier

Jean-Pierre Ransonnet

Entretien avec
Jean-Pierre Ransonnet

« Un bon maître a ce souci constant :
enseigner à se passer de lui ! »
André Gide
« Liberté, j'écris (je peins) ton nom. »
Paul Éluard

Jean-Pierre Ransonnet et La pierre de la Falhotte, 2024, exposition au LRS, photographie de Daniel Dutrieux

1944. Depuis le 16 décembre, la forêt ardennaise est massacrée par les bombardements de l'offensive allemande. Jean-Pierre Ransonnet naît le lendemain de Noël dans la cave de la maison familiale à Lierneux. Lierneux, le village de son enfance et de son adolescence, les gens du pays, les sapins qui ponctuent les paysages. Les Lieux, les Liens qu'il tisse avec les copains, l'équipe de foot, les filles au détour du petit pont feront la trame de son questionnement et de son inspiration [1].
Il croise les patients de l'hôpital psychiatrique provincial implanté dans son village depuis un siècle. « Il était normal de voir des ‘fous' se promener dans les rues. Bien sûr, ils nous intriguaient. Mais ils faisaient partie du paysage, au même titre que les autres. Avec le recul, je suis certain que c'est de cette cohabitation spéciale et harmonieuse qu'est né mon intérêt pour l'art brut ».
Dubuffet, Picasso, Matisse, de Kooning, Fautrier sont ses premières références. En art comme dans la vie, il re- fuse le dogmatisme et privilégie la spontanéité et l'au- thenticité de la démarche. « Nous devons regarder nos œuvres de biais », me dira-t-il un jour lors d'une visite de mon atelier. Je ne suis pas un besogneux. Il faut sa- voir lâcher prise. Dans la peinture comme dans la vie. Tant mieux ! Il faut se nourrir de tout et ne pas s'ancrer dans une tâche, dans un créneau. C'est comme ça que nous sommes, donc c'est comme ça que nous travail- lons. Renoncer, encore et toujours à diriger les choses, laisser la peinture s'investir en nous et devenir son instrument. Se mettre en disponibilité ! ».
Plus tard, il découvrira le surréalisme et le dadaïsme, la psychanalyse de Freud et l'écriture automatique, les peintres Balthus, Morandi, de Stael, Rothko. Il est en- gagé comme documentaliste à la librairie Halbart puis à la fondation André Renard. Cette fonction stimule sa curiosité pour l'humanisme et la sociologie. Il est un lecteur assidu de la presse et se construit un regard critique sur la politique et la production du 7^e art qui suit de près l'évolution de la société, l'éclosion de la Nouvelle Vague avec Godart, Chabrol, Truffaut et son acteur alter-égo Jean-Pierre Léaud. La Nouvelle Vague ne se limite pas à un nouveau genre cinémato- graphique, mais se singularise, dans le vent de liberté qu'elle apporte, par l'instantané d'une époque contestataire. Cette curiosité insatiable le conduit à des explorations transgressives et notamment photographiques, pratique qu'il abandonnera quelques années plus tard pour s'en tenir exclusivement à la peinture.
L'enseignement

Jean-Pierre Ransonnet, Paysage orage, 2016, techniques mixtes sur panneau, 120 x 91 cm

À 42 ans, il obtient une charge de cours de dessin à l'Académie des Beaux-Arts de Liège : « J'étais heureux de commencer à enseigner à cet âge-là. Je n'aurais pas voulu être prof à 25 ans. Pas assez de maturité, je cherchais ma voie et n'avais rien à dire aux autres. Mes élèves avaient de 18 à 35 ans. J'étais d'avantage attentif à ce qu'ils proposaient plutôt qu'à leur amener un savoir propre. J'allais à leur rencontre et essayais de les stimuler. Car comment enseigner la peinture et le dessin ? Et aussi faut-il enseigner la peinture ? ».
La révolution impressionniste de la fin du XIX^e siècle a mis à mal la peinture en tant que discipline exacte. Le savoir-faire et le rendu rigoureux de la réalité étaient érigés en règle absolue. La photographie, dès 1850 s'est emparée du portrait fidèle et bientôt de tous les thèmes clas- siques : paysage, nature morte, corps humain, … La guerre de 14-18 dans son cortège d'horreur a ensuite fait prendre conscience de la vacuité des valeurs anciennes : travail, patrie, sacrifice, obéissance aveugle. Place maintenant à un essor nouveau de l'acte créateur, la peinture devient expression vivante et personnelle, le peintre se découvre un vocabulaire propre, ouvre les portes de son imaginaire et de son inconscient, le rêve se mélange à la réalité. Sont mises de côté les notions de perspective et de rendus classiques. La peinture trouve son langage propre.
Proposer dès lors un enseignement adéquat où le respect de la personnalité de chacun(e) devient la règle, où l'authenticité du propos est essentielle. Matisse ouvre une académie en 1907 à Paris, boulevard des Invalides près de l'atelier de Rodin. Il la fermera trois ans plus tard. Son explication fut fort importante pour moi : « Les élèves furent déçus de voir qu'un maître, réputé révolutionnaire pût leur répéter le mot de Courbet : ‘J'ai voulu tout simplement puiser dans l'entière connaissance de la tradition le sentiment raisonné et indépendant de ma propre individualité'. L'effort que je faisais pour pénétrer la pensée de chacun me causait une grande fatigue. Il m'arrivait d'avoir la certitude que l'essai d'un élève était tenté dans une mauvaise direc- tion, et celui-ci m'affirmait (revanche de mes maîtres) : je pense comme cela. Le plus navrant est qu'ils ne conce- vaient pas que je fusse désespéré de les voir faire ‘du Matisse'. Je compris alors qu'il me fallait choisir entre le métier de peintre et celui de professeur. Je fermai bientôt mon académie ». [2]

Les stages à Libramont puis à Fontin

En 1998, c'est dans cet esprit que Jean-Pierre accepte une fonction d'animateur de stages à l'Académie d'été de Libramont. Je suis inscrit en tant que stagiaire. Là naît entre nous une solide amitié. Nous nous voyons réguliè-rement dans mon atelier où il pose un regard constructif sur mon travail, et chez lui où il m'invite à découvrir le sien. Nous parlons du bonheur de peindre, d'actualité, de bon vin et de joie de vivre.
Je suis moi-même devenu enseignant à l'ESA Saint-Luc de Liège et nous échangeons fréquemment notre ressen- ti. Récemment, je lui lis le texte d'Alain Barthes que j'ai évoqué le jour de mon départ à la retraite : « Il est un âge où l'on enseigne ce que l'on sait ; mais il en vient un autre où l'on enseigne ce que l'on ne sait pas : cela s'appelle chercher. Vient peut-être maintenant l'âge d'une autre expérience : celle de désapprendre, de laisser travailler le remaniement imprévisible que l'oubli impose à la sédimentation des savoirs, des cultures, des croyances que l'on a traversés. Cette expérience a, je crois, un nom illustre et démodé, que j'oserai prendre ici sans complexe, au carrefour même de son étymologie : sapientia : nul pouvoir, un peu de sagesse, un peu de savoir et le plus de saveur possible ». [3]
Ces quelques lignes résument si bien l'attitude de Jean-Pierre quant à la transmission du savoir et l'approche délicate de la création. Susciter une direction à prendre sans rien imposer, orienter plutôt que conseiller.
« J'ai aussi été très influencé par Roland Barthes, ses écrits, ses interviews. Un homme extrêmement sensible qui a marqué mon parcours », dit-il.
Et de me citer encore le plaisir du texte traitant de la photographie et de me parler de Breton, Artaud, Bataille, Miller, Beckett … « Lorsque j'ai commencé les stages
à Libramont, je n'imposais jamais quoi que ce soit. Je m'interrogeais sur le parcours des stagiaires et j'étais attentif à ce qu'ils m'apportaient aussi. C'était un échange plutôt qu'une transmission de savoir. Les conseils que je donnais consistaient à susciter leur questionnement dans les directions qu'ils prenaient, les mettre quel- quefois en garde sur certaines orientations, quelques données techniques sur le choix des pigments, la taille des pinceaux, la fluidité de la couleur, toutes approches qu'il faut progressivement assimiler pour trouver son propos personnel. Je n'ai d'ailleurs jamais pensé que j'enseignais. Je m'efforçais d'être ouvert aux capacités des personnes qui s'adressaient à moi. Ce qui m'intéresse est qu'ils soient tous différents, même s'ils sont quelquefois malhabiles. L'essentiel est qu'ils trouvent leur voie et surtout qu'ils ne trichent pas. Quelqu'un qui a déjà beaucoup de technique et qui veut faire de d'esbroufe m'intéresse nettement moins que la personne qui n'en a pas beaucoup et qui cherche son langage personnel. C'est véritablement cette dynamique que
nous avons recréée dans les stages de Fontin : le plus de saveur possible car il faut avant tout se situer dans un esprit de bonheur et de liberté, ce qui n'exclut nullement le travail et la rigueur.

Jean-Pierre Ransonnet, Paysage avec prés, 2005-2007, 148 x 127,5 cm

À Fontin se croisent des personnes d'un certain âge qui ont des parcours différents. C'est le lieu de la rencontre, de l'échange. Les stagiaires se connaissent et constituent maintenant une petite famille pendant une semaine. Dans le travail intense et appliqué où le questionnement donne lieu quelquefois à des moments de décourage- ment, règnent des instants de franche rigolade. L'amitié se perçoit et s'apprécie ».
Il se lève de sa chaise. Son visage s'illumine : « La peinture, c'est les bras ouverts, c'est un regard sur le monde, c'est un langage personnel, c'est la liberté ! L'acte créa- teur est l'arme dont nous nous servons pour changer le monde, le plaisir et la joie de vivre pour adoucir le cours des choses » [4].
« À la gloire ! » proclame en chœur la Belle Équipe. Dérision ou défi ?

Jean-Paul Laixhay
décembre 2024

Discours de Jean-Paul Laixhay

Retour sur les moments forts du discours prononcé par Jean-Paul Laixhay lors du vernissage de l'exposition La Belle Équipe, l'école de Fontin.

Depuis 1969, l'asbl Wégimont Culture s'attache à promouvoir, à travers diverses activités, l'art en général et, par ses expo- sitions, soutient plus particulièrement la création contem- poraine. L'objectif est de servir par-là la promotion des arts plastiques d'aujourd'hui, à travers toutes leurs formes d'expression, la peinture comme la sculpture, le dessin, la gravure ou la photographie. Historiens d'art, artistes, architectes, professeurs, mais aussi représentants d'autres professions, tous passionnés par l'art et bénévoles, forment une équipe qui travaille à mettre à la portée du plus grand nombre le vaste domaine de l'art, tant du passé que de la création contemporaine.
Sous la menace d'un changement radical de la perception de nos démocraties, il nous semble indispensable de rappeler que l'art et la culture englobent une vaste gamme d'ex- pressions humaines : L'expression personnelle : l'art permet aux individus d'exprimer leurs pensées, leurs émotions et leur vision du monde. C'est un moyen de communication qui transcende souvent les barrières linguistiques.
La réflexion sociale : l'art peut servir de miroir à la société, abor- dant des thèmes tels que l'identité, la justice sociale et les enjeux contemporains. Il incite à la réflexion et peut même inspirer le changement.
La cohésion communautaire : les événements culturels, tels que les festivals et les expositions, rassemblent les gens et ren- forcent le sentiment d'appartenance à une communauté.
L'éducation et la sensibilisation : la culture éduque et sensibilise les gens à différentes perspectives et expériences, favori- sant ainsi l'empathie et la compréhension.
Le bien-être mental : s'engager avec l'art, que ce soit en le
créant ou en l'appréciant, peut avoir des effets béné- fiques sur La santé mentale, en réduisant le stress et en améliorant l'humeur.
L'économie : l'industrie créative contribue également à l'éco- nomie, en créant des emplois et en attirant le tourisme.
Peut-on dès lors se passer d'un ministère de la culture ?
Peut-on développer des projets, soutenir des associa- tions, promouvoir l'éclosion de jeunes artistes, mettre en lumière le talent d'artistes moins confirmés ? De quelle culture parle-t-on lorsque l'on cite pour exemple les États-Unis qui n'en possèdent pas et dont pourtant — je cite — « la culture dominerait le monde » ?
S'agit-il des grands événements « bankables », des grands- messes organisées à grands renforts de tapage mé- diatique et de moyens surdimensionnés dont le seul objectif est de promouvoir des entreprises lucratives ? Il semble que désormais au pays de l'oncle Sam le mot « tarif » remplace désormais les mots rencontre, sensibi- lité, émotion,… amour.
André Malraux, ministre des Affaires culturelles sous le Général de Gaulle, disait : « la culture est l'héritage de la noblesse du monde ». La noblesse du monde, voici ce à quoi nous croyons et ce que nous nous appliquons à défendre envers et contre tout avec notre ASBL.

Jean-Paul Laixhay

[1] Alain Delaunois, Jean-Pierre Ransonnet, Les lieux, les liens, éditions Yellow Now, 2000, introduction de Julie Bawin.

[2] Écrits et propos sur l'art. Henri Matisse, Collection Savoir, Hermann éditeurs des Sciences et des Arts, 2018

[3] Roland Barthes, Leçons, Collège de France, éditions du Seuil, 1978.

[4] Voir le catalogue de l'exposition N'y voir que du bleu, paru en octobre 2019 à l'occasion du 50^e anniversaire de l'association de Wégimont Culture (textes de Anne Gersten)

Jean Janssis

2024-11-03T14:30:06Z

À la galerie de Wégimont
Du 9 novembre au 15 décembre 2024
Vernissage le vendredi 8 novembre à 18h30
L'artiste sera présent les 8 et 24 novembre, et le 15 décembre

Jean Janssis se raconte

Jean Janssis se raconte

À 16 ans je voulais être écrivain. De 1968 à 1971, j'ai noirci les centaines de pages de mon cher journal. En 1975, après mes études de Lettres, me voici professeur de français et de sémiologie dans une école d'art, à Liège. J'étais loin d'imaginer que la photographie allait devenir une passion dévorante. J'achète un Nikkormat, puis un agrandisseur, un Durst M800, j'équipe un laboratoire dans la cave. Je parcours la Belgique, la France. Toute l'Italie me fascine. J'ai arpenté l'Etna, j'ai marché sur les pavés de Pompéi. Taormine, la gare, le restaurant d'en face, de train en train. C'était hier.
J'achète un moyen format, un Bronica 6X6, j'installe un studio dans le grenier. Mes amis se prêtent au jeu. C'est du théâtre, du cinéma, rien n'est vrai mais tout est sincère. J'ai le sentiment de créer, de construire, d'échafauder.
Leur ventre, leur sexe, leurs jambes, leur visage sont mon matériau. En dessin, en photo, les bras sont toujours encombrants. La Vénus de Milo n'a pas de bras.
Ne plus être maniéré, éviter les postures, les accoutre- ments. Il me faudra du temps. Moi, l'enfant sage, le bon élève, me voici insolent, subversif.
Il y a eu Mapplethorpe et Witkin, aujourd'hui McGinley et Ren Hang.
Jusqu'au début des années 2000, je pouvais déshabiller mes modèles en studio et sur la plage, aujourd'hui les choses ont changé ! Ces photos-là sont le reflet de mes jeunes années. Elles sont européennes et je m'acharne avec obsession à les refaire encore et encore pour retenir tout ce qui s'effiloche, disparaît. Je ne suis pas dans le rôle du spectateur, du témoin, mais dans celui de l'acteur, de l'amant.
L'inspiration ne tombe pas du ciel, elle est sous mes yeux, en chair et en os. Ils ou elles l'appellent Yves, Jean-Luc, Luc, Dany, France, Sylvie, Manu, Marco, Alex… J'en ai fait des géants, des héros, des saints, des martyrs. Mes photos sont nées dans l'étroitesse d'un grenier propice au rapprochement, à la proximité, au gros plan. D'autres sont nées de la montagne, de la neige et de la mer qui lave tout.
Mes photos prennent corps dans mon laboratoire, la forge.
Elles sont façonnées d'argile ; mes pigments sont des terres, des ocres. Elles sont exposées à la lumière ultra- violette ; longuement baignées dans l'eau pour appa- raître ; et enfin séchées à l'air libre.

À corps perdus

Jean Janssis
À corps perdus
Une photographie de Jean Janssis est un drame, une révélation, un mystère. Une mise en scène aussi, dans laquelle il nous donne à voir l'homme, « objet » de sa convoitise, de son admiration et de son amour, dans toute sa triviale splendeur, son insolente jeunesse et sa fascinante beauté.
À l'ère du numérique, de la profusion d'images colorées et du papier glacé, du pris sur le vif, de l'instantané et du mou- vement, les photographies de Jean Janssis semblent appartenir à une autre époque. Pas de couleur, des to- nalités noirâtres et sépia qui rappellent les vieux clichés d'antan, du papier crème duveteux aux bords effilochés, habituellement réservé au dessin ou à l'estampe. Surprenant encore, le format, celui d'une affiche publicitaire ou celui d'un tableau, plutôt…
Et pourtant, rien de tout cela !
Jean Janssis utilise une technique très ancienne, la gomme bichromatée qui remonte aux origines de la photographie et du mouvement pictorialiste, abandonnée tout aussitôt. À force de recherches, d'essais et d'erreurs, il en a redécouvert tous les secrets qui allaient donner à ses images la matérialité qu'il recherchait.
Sur l'épreuve subsiste en léger relief, comme un voile de sable ou de poussière, les traces de pigments charbonneux qui accrochent ou absorbent la lumière. C'est tout l'art du clair-obscur, du jeu pictural, sculptural ou matié- riste de l'ombre et de la lumière, qui n'est pas loin d'un tableau du Caravage, d'une sculpture de Michel-Ange ou d'une eau-forte de Rembrandt.
L'homme est au cœur de l'œuvre de Jean Janssis, l'homme universel magnifié dans l'éclatante beauté de son corps mais aussi montré, étiré, recroquevillé, écartelé, tron- qué, dans une mise en scène à la fois sophistiquée et dépouillée, d'une grande pureté.
Violemment baignés de lumière un corps nu, entier, ou quelques fragments de corps, un torse, une épaule, un bras, une main, un pied, un sexe jaillissent d'un abys- se insondable avant d'être à nouveau absorbés par les ténèbres. Les ombres qui rôdent autour de ces corps sublimes érodent leur contour, s'engouffrent dans les creux, noyant irrémédiablement quelques parties de corps, inaccessibles, objets peut-être, d'un irrésistible désir. Un trouble, une « inquiétante étrangeté » s'installent lorsqu'on tente de cheminer dans ce noir dévorant qui envahit l'espace, qui empêche de voir, dissimule et en même temps révèle les zones d'ombre de l'être, du corps et de l'âme. N'est-ce pas une frontière qui s'érige, indécise, imprécise, entre le noir et le blanc le chaos et la lumière, le bien et le mal, la vie et la mort ?
Voluptueuse, désirable, irrésistible beauté.
Peut-on te toucher, te mettre à l'épreuve, te blesser Peut-on, pour mieux en jouir, te priver de liberté Peut-on t'enfermer de peur que tu ne t'échappes ?
C'est à ce jeu, à ce risque, que se livre Jean Janssis …
à corps perdus !

Anne Gersten

Thierry Grootaers

2024-09-09T08:54:03Z

Du 21 septembre au 27 octobre 2024
Vernissage le vendredi 20 septembre à 18h30
L'artiste sera présent les 28 septembre et 27 octobre 2024

Conversation avec Thierry Grootaers

À quelques kilomètres de Visé, sur la rive droite de la Meuse, majestueuse à cet endroit, se cache un petit village qui, c'est certain, ne figurera jamais dans un guide touris- tique. Un seul coup d'œil, depuis ma voiture, suffit d'ailleurs pour m'en convaincre.
Témoignant tous du même vide architectural, je découvre, sur le chemin qui me mène chez Thierry Grootaers, des dizaines de petits pavillons aux couleurs fanées et une série de bungalows « clé sur porte » bordés par les inévitables haies de thuyas laissant entrevoir, çà et là, quelques géraniums achetés avec leurs jardinières vertes au BRICO du coin.
Le décor est planté et, comme le chantait Charles Aznavour, « il est triste à pleurer ».
Et pourtant, c'est dans ce « no man's land », ni urbain ni rural, que l'artiste a délibérément choisi de vivre, d'aménager son atelier et son grand jardin.
Mon GPS m'indique que je suis arrivée, Thierry m'accueille sur le pas de sa porte et, dès le hall d'entrée, je change complètement d'univers. Les lieux reflètent souvent la personnalité de ceux qui les occupent. Sa maison, très différente de ses voisins, est vaste, ancienne et construite en briques rouges. En montant les escaliers pour le suivre, je m'arrête et prends le temps de regarder ce qui est en soi une exposition. Sur les murs, l'artiste a accroché sa collection de vieilles cartes postales, des tableaux d'amis artistes, des affiches publicitaires des années soixante, des souvenirs de famille, des ex-voto à foison, d'anciens jouets chinés en brocante. L'ensemble dégage le charme de certains musées ethnographiques « style capharnaüm » qu'on peut encore trouver, en cherchant bien, dans le fin fond de nos provinces.

Au second étage, quand il m'ouvre la porte de son atelier,
dans cette vaste pièce mansardée blanche et lumineuse, la magie opère …
Rapidement, je capte au hasard quelques œuvres :
– Une maison blanche devenue nichoir décorée d'un grand sablier bleu vif se dégage sur le fond d'un paysage de bouleaux morts nimbés de couleur feu.
– À gauche, une autre toile avec d'autres maisons, celles-ci sont peintes en rose, en turquoise et en jaune et leurs panneaux photovoltaïques ressemblent à s'y méprendre aux boîtes de crayons Caran d'Ache qui ont enchanté des générations d'enfants.
– Et puis là, cette suite de palissades ponctuées de couleurs vives où deux arbres, rapidement tracés, enca- drent une sculpture. Est-ce un totem, un épouvantail ?
Je pose la question à l'artiste. « Les deux, me dit-il, mais c'est aussi une référence, un clin d'œil à une œuvre qui m'a beaucoup marqué : L'Homme-oiseau de Thierry de Cordier que j'avais découverte au SMAK de Gand, il est présent dans plusieurs de mes tableaux, je le modifie, cependant c'est toujours lui qu'on peut deviner dessiné en filigrane. En tout cas, il sera présent à la Galerie de Wégimont, certains le débusqueront peut-être. »
« Cette exposition, continue-t-il, sera centrée sur ce que son titre indique déjà, Pas de porte, cet interstice ambigu qui fixe la limite entre moi et les autres, ma maison et les paysages environnants, mon journal intime et le monde extérieur. »
« Je marche beaucoup, je me promène, je regarde, je prends des photos et je parle aux gens. Tout m'intéresse, le logo jaune du BRICO au-dessus des toits gris, les rideaux en plastique de couleur, les potales garnies de fleurs artificielles, mes copains qui coupent un arbre, ma femme avec son gsm dans le jardin ou pourquoi pas, des casiers de bière rouges vifs rangés à côté des barbecues. Je ne fais aucun tri, je n'établis aucune hiérarchie, je travaille sur le motif comme le faisaient les anciens, Van Gogh et son chevalet figurent d'ailleurs dans mes tableaux. »
« Lorsque j'ai fini mes provisions, je ramène tout à l'atelier et là, ça vient comme ça vient. Je peins vite, je mets des couches de fond grises puis, je balance ce que j'ai récolté. La peinture m'aspire, je pose d'abord des plaques de couleur puis je superpose, j'efface, je raconte une histoire. Quant aux couleurs, je me donne le choix. S'il y a trop de vert dans ce paysage, je reviens avec du rouge sur les pelouses, puis, j'attends et souvent, je réajuste. Derrière mes travaux, j'archive toujours les dates de mes interventions, à la manière de Jean-Pierre Ransonnet qui fut mon professeur à l'Académie royale des Beaux- Arts de Liège et à qui je dois ce rapport au temps et cet amour de faire. Parallèlement à mon travail de peintre, chaque jour, je pose un geste artistique, c'est une sorte de gymnastique qui m'entretient. Je le fais sur une collection de vieux papiers récupérés chez les bouqui- nistes, je les exposerai peut-être un jour. »
« Tout cela, pour moi, ce n'est pas du travail, je ne l'associe jamais à l'angoisse ou à la souffrance de la création, je suis plutôt un artiste heureux et comme le disait Bram van Velde, seule la peinture pouvait prendre en charge mon aventure' ».

Puisque Thierry me parle de lui-même, je lui propose, sous la forme d'un jeu, de répondre à un extrait du question- naire de Bernard Pivot, largement republié depuis son récent décès.

Quel serait votre plus grand malheur ?
— Être aveugle.
Ce que vous voudriez être ?
— Ce que je suis.
Votre couleur préférée ?
— Le rouge.
Votre peintre préféré ?
— James Ensor mais aussi mon arrière-grand-père, artiste au- todidacte qui peignait des copies de tableaux signés par des artistes de renom pour les offrir à ses amis.
Quelle est la phrase qui vous définit ?
— J'aime bien partir mais j'aime bien revenir.
Une question que vous vous posez ?
— Que voit-on depuis mon seuil ?
Une obsession peut-être ?
— Sortir les « non-sujets » de leurs anonymats.

Après s'être prêté à cet exercice, Thierry me propose un café dans sa cuisine qu'il a aménagée à son image, comme l'atelier ou le jardin, tout ce qu'il touche porte sa marque et son empreinte.
En prenant congé de lui, je parcours une seconde fois le chemin qui traverse les paysages, les maisons, les gens qu'il peint et qu'il dessine et je les vois autrement.
Désormais pour moi, ils sont indissociables de la signature de Thierry Grootaers.

Dominique Mathieu