Wégimont Culture

La revue

2015-05-03T22:13:00Z

La revue Wégimont Culture informe ses lecteurs des activités de l'association : expositions, voyages, conférences, …
Mais elle est d'avantage qu'un bulletin de liaison. Tous les deux mois, en effet, des articles de fonds, dus à des spécialistes, abordent différents aspects de l'art et de l'architecture, autant dans leur histoire que dans leur actualité.
La revue est envoyée gratuitement à tous les membres de l'asbl ainsi qu'aux artistes qui collaborent avec elle.

- Revue

Christian Boltanski au Musée d' Art Contemporain du Grand Hornu

2015-05-03T06:59:00Z

Sommaire

Cet article, écrit par Sophie Horenbach, a été publié dans la revue Wégimont Culture de mai 2015 en référence au voyage organisé par l'association à Mons, capitale européenne de la culture 2015.

Laurent Busine, conservateur du MAC's : « L'art contemporain n'est pas plus ardu que bien d'autres formes d'art. Je crois même que l'art ancien est plus complexe à expliquer, puisqu'il fait référence, dans bien des cas, à des connaissances oubliées ou méconnues. »

Le Mac's : un peu d'histoire

Installé au cœur de la Province de Hainaut, le Grand-Hornu compte parmi les plus beaux lieux de patrimoine industriel néo-classique d'Europe et est inscrit sur la liste du Patrimoine mondial de l'humanité depuis 2012.
Cet ensemble monumental est conçu au 19^e siècle par Henri Degorge, entrepreneur français tenté par l'aventure du charbon. Le site naît en pleine révolution industrielle dans une région qui est, à l'époque, la seconde place industrielle du monde.
Très vite, le Grand-Hornu va devenir une des plus grosses entreprises houillères de la toute jeune Belgique produisant en exportant plus de 50% des besoins en charbon d'un grand territoire allant du Nord de la France au sud de la région parisienne.
Devenu symbole de l'industrie du charbon, il est aussi un fabuleux laboratoire technologique, social et humain. On invente à Hornu de nouvelles techniques d'extraction, de nouvelles machines utilisant la vapeur et on y installe le premier chemin de fer privé du pays pour soutenir le développement économique de l'entreprise.
On construit aussi un quartier, le coron, qui, avec ses 450 maisons, offre un confort de vie meilleur aux ouvriers des charbonnages. En effet, les maisons y sont bâties en dur, spacieuses, approvisionnées en eau chaude et bénéficient d'un jardin.
L'après-guerre va plonger le Grand-Hornu dans un long sommeil quand est conclu le Traité du Charbon et de l'Acier (CECA) en 1954 pour rationaliser la production. L'exploitation industrielle s'arrête et le site est abandonné. Lorsqu'à la fin des années soixante une poignée de passionnés de patrimoine se bat pour le sauver d'une destruction programmée, ce dernier n'est plus que l'ombre de lui-même, dévasté par le temps et le vandalisme.
En 1971, l'architecte Henri Guchez assure définitivement son sauvetage en le rachetant. Il entame une première phase de rénovation et y installe ses bureaux. C'est ensuite la Province de Hainaut qui rachète le site et entame en 1989 la seconde phase des travaux de rénovation. Au début des années 90, la Communauté française décide d'y installer son futur Musée des Arts Contemporains. En développant le MAC's, elle assure la remise en état de la partie du site qui restait à réhabiliter. Son architecture, revue par l'architecte belge Pierre Hebbelinck, dialogue harmonieusement et intelligemment avec le bâti industriel.
Depuis 2002, sous l'oeil attentif de Laurent Busine, le site du Grand-Hornu est l'un des premiers lieux culturels de Belgique.

« Le propos que je développe, pour employer une formule un peu lapidaire, est le suivant : pour qu'un jour il y ait le musée de tous, il faut d'abord qu'il y ait le musée de chacun. Et jamais l'inverse, parce que ce serait de la tyrannie intellectuelle, ce serait imposer un canevas à tout le monde pour que chacun s'y retrouve. Pour moi, chacun doit d'abord retrouver en quoi une œuvre contemporaine lui parle, pour qu'à partir de ce moment-là l'échange qu'il va établir avec ses contemporains soit enrichi du propos singulier de chacun. C'est comme cela qu'alors on arrive au musée de tous : parce que chacun y retrouve une part qui lui est singulière. » Laurent Busine

Christian Boltanski

Christian Liberté Boltanski est un artiste plasticien contemporain français, essentiellement célèbre pour ses installations. Il est marié à l'artiste Annette Messager.

Né en 1944 à Paris d'un père juif, il se souvient que celui-ci vivait caché sous le plancher. Christian Boltanski a donc été conçu pendant la seconde guerre mondiale : celle-ci l'a profondément marqué et reste un élément déterminant de son travail.
Il connait une scolarité très difficile et quitte l'école à 13 ans. Il n'a jamais suivi de formation artistique au sens traditionnel du terme, mais il se met à peindre dès l'âge de 14 ans, des centaines de tableaux. Il vit cloîtré, terrorisé, recroquevillé dans sa famille : il ne sortira seul dans la rue qu'à partir de 18 ans. « Bricoleur de l'âme », l'artiste commence alors à collectionner des séries d'objets : il archive, pour lutter contre la mort. Ce sont des vêtements, des boîtes, des photos anciennes, des luminaires, des bougies, des bottins téléphoniques, des objets trouvés qu'il va inventorier pour créer des sanctuaires qui renvoient à son enfance ou à des individus oubliés par la grande « Histoire », tout spécialement celle de la Shoah.

« ...Il faut rappeler sans cesse que chaque personne existe » Boltanski.

Depuis plusieurs années, Christian Boltanski favorise dans son travail de gigantesques installations comme Personnes dans le cadre de Monumenta au Grand Palais à Paris (2010) ou encore Chance au Pavillon français de la 54^e biennale de Venise (2011). Avec le temps, ses œuvres deviennent de plus en plus complexes, composées de sons, de lumières, de mouvements.
Ses thèmes privilégiés sont la mémoire et l'oubli, la vie et la mort, questionnant la frontière entre présence et absence, entre apparition et disparition. Il se définit comme un « minimaliste expressionniste » : s'il est né en même temps que le minimalisme, il lui rajoute une charge affective ; inversement, s'il exprime beaucoup d'émotions fortes, il garde un peu de froideur, une sorte de recul.

Petit guide de l'exposition

Toutes les œuvres présentées de Boltanski n'ont pas été réalisées pour l'exposition du Grand-Hornu, mais sélectionnées à cet effet. Il y a un véritable fil conducteur, un cheminement presque liturgique et imprégné par le lieu, qui mène le visiteur d'une salle à l'autre. Tous les sens du visiteur doivent être en éveil : la vue bien sûr, mais également le toucher, l'ouïe et l'odorat. C'est une exposition à vivre : le spectateur est dans et non devant l'œuvre ! Il doit jouer le jeu (le je aussi !), càd s'approprier la mise en scène, s'en imprégner.

Quelques étapes déterminantes du parcours m'ont particulièrement marquée :
– L'exposition démarre par une œuvre monumentale qui invite au recueillement : Les registres du Grand-Hornu où les mineurs sont encore des êtres humains avec un nom et un visage. Il s'agit d'une accumulation poétique de boîtes à biscuits en fer rouillé, évoquant urnes funéraires ou coffres à trésors, sur lesquelles sont collées des étiquettes blanches et des photographies en noir et blanc d'anciens mineurs du Grand Hornu. Elles sont éclairées par de vieilles lampes de bureau qui évoquent celles des mineurs.
– Les archives du cœur : Cette installation permet, grâce à un dispositif spécifique, d'enregistrer les battements de cœur des visiteurs qui le souhaitent. Ensuite, ceux-ci sont envoyés au Japon, sur l'île de Teshima, où ils sont conservés. Le bruit du battement de cœur revient régulièrement dans l'exposition et connecte le visiteur à ces signaux de vie.
Après ces deux étapes, le visiteur est petit à petit confronté à la disparition de l'individu, qui, usé, est traité de plus en plus comme un objet industriel.
– Les compteurs : Ils détaillent chaque seconde de la vie de 29 individus. La date de naissance introduite dans le compteur permet de calculer la somme des secondes vécues par ces différentes personnes jusqu'à aujourd'hui. Le temps passe, inexorablement.
– Les miroirs noirs : Grâce à cette expérience, le visiteur est mis dans les conditions de travail du mineur, plongé dans le noir avec une faible lumière. Le visiteur peut admirer son propre reflet dans plusieurs miroirs noirs : l'effacement est tangible. Une ampoule s'allume et s'éteint au rythme d'un battement de cœur. « Je voulais que le battement de cœur diffusé à plusieurs endroits devienne comme un son industriel qui évoquerait le mélange de l'individu et de la machine. » explique Boltanski.
– La salle des pendus : La question de la mort, de l'oubli, de l'absence de l'individu y est manifeste. Au charbonnage, la « salle des pendus » désignait le vestiaire dans lequel se changeaient les mineurs. Avant d'entrer dans la mine, ils suspendaient leurs vêtements au plafond par un crochet. Si certains vêtements n'étaient pas récupérés en fin de journée, il était alors quasi certain que leurs propriétaires étaient morts, sans doute d'un coup de grisou. Ici, le visiteur doit se frayer (non sans frayeur) un chemin à travers des manteaux noirs qui tournent, inlassablement, comme des fantômes désincarnés. Au final, un immense amas - à la fois terril et cimetière - d'habits sombres, déshumanisés et inertes, l'attend. Impressionnant.

Et après ?

L'exposition se termine enfin par une question suggestive : Et après ?
C'est d'abord la question de l'« après Laurent Busine », qui est au cœur (et le cœur) du Grand Hornu.
Mais aussi...
Et après la vie ? Seule la mort nous remet sur un pied d'égalité.
Et après le charbonnage ? Le Musée.
Et après l'exposition ? Des souvenirs, des discussions, des émotions.
Bonne visite !

Sophie Horenbach

A voir : Les vies possibles de Christian Boltanski, un film de Heinz Peter Schwerfel, Arte éditions, 2010

Fragments d'un dédale

2014-08-14T08:14:00Z

Cet article « Fragments d'un dédale » d'Emmanuel d'Autreppe est extrait de la revue Wégimont Culture d'octobre 2014. Il a été écrit à l'occasion de l'exposition « Le fil de soi » à laquelle ont participé Thomas Chable, Vincent Dubois, Thierry Falisse, Benoît Félix, Philippe Herbet, Paul Mahoux, Louise Narbo, Margot Raymond, Annabel Werbrouck

Fragments d'un dédale

Paul MAHOUX / Week 41 2012

« Le fil de soi » : énième variation sur le tout-à-l'ego, étirement jusqu'à l'infime d'une intériorité étalée ? Derrière l'élémentaire polysémie que tisse le jeu avec les mots de cet intitulé se cache une proposition modeste mais ferme, peut-être un parti pris, l'ébauche d'une réflexion, voire une forme discrète de manifeste. Ce qui, déjà, ne va pas sans une petite touche de paradoxe.
Journaux de voyage, notes de travail, carnets intimes, projections et confessions, choses vues, sues, lues, entendues ou parfois tout simplement rêvées. « Il faut de l'imagination pour voir la réalité », notait avec malice Hervé Guibert à propos du photographe Kertesz ; et, ajoutera-t-on timidement, il faut toujours une dose de courage voire un brin d'inconscience pour oser parler de soi. Quant à Peter Handke, il tranchera à propos de « l'écriture de soi » d'une manière infiniment lucide, précise, stimulante : « Ecrire, c'est être attentif à la manière dont on vit ».

Paul MAHOUX / Week 42 2012

Certes, l'artiste, à tout le moins celui qui nous touche, nous rencontre, nous émeut, celui-là est toujours dans ce cas, peu ou prou. L'attention, l'écriture de soi ou du moins à partir de soi, l'énonciation, la revendication ou l'endossement, de gré ou de force, d'une certaine forme, d'une certaine dose de subjectivité, font partie de l'attirail définitoire depuis au moins la « première modernité » (celle de Baudelaire, milieu XIX^e, si finement analysée par Benjamin). Ils peuvent prendre maints visages, maints aspects. La conscience, notamment celle de l'artiste, est un phare que l'on a éventuellement cherché à charger comme un baudet…

Paul MAHOUX / Week 43 2012

Mais nous vivons des temps artistiquement complexes et contradictoires, où il est parfois devenu malaisé de s'y retrouver entre des lignes de force ambivalentes, à la limite de l'embobinage ou de l'emberlificotement : starification à outrance, arrogance des formats ou des moyens, diktats du marché et spéculation éhontée, logiques stériles du court terme et de la rentabilité, scénarisation du banal et spectacularisation de l'anodin, opacité du discours, violentes secousses enfin sur les frontières, les limites, les tabous. Folle et terne, hyperconnectée, notre époque d'emballement médiatique et de communication performante n'a pas produit que du bon, si l'on en croit la logorrhée des réseaux sociaux et la bouillie des forums, l'assuétude aux sondages (des « like » par brassées, des amis par milliers, des spectateurs et des électeurs par millions, vertigineuse écume des solitudes), la tyrannie de l'immédiat, la facilité à s'informer qui a fini par tarir la soif de découvrir. Qui, adepte jusqu'à l'overdose de facebook, peut vraiment se dire attentif à la façon dont il vit, préserver le recul nécessaire à l'autocritique, le temps et l'exigence indispensables à la création ? Sans ambage ni nuance, la mode semble résolument à la promotion de soi, livrant un combat sans merci à l'incertitude d'exister.

Paul MAHOUX / Week 45 2013

On concédera à ceux qui dénicheront sous ces constats un relent moralisateur qu'ils ont parfaitement raison : la communication, ou en tout cas l'expression et en priorité l'image ont, en ces temps confus, probablement besoin de retrouver leur sens, de se fonder une hygiène. Ce qui est bien différent d'une rigueur aseptisée ou de principes étroitement vertueux… La liberté de ton est la seule qui vaille et, c'est heureux, nombre d'artistes – dont c'est là le meilleur moyen de donner aux autres – continuent de travailler avant tout pour eux-mêmes, confusément, obstinément.

Annabel WERBROUCK

Au cours du dernier siècle écoulé, et minés par les traumatismes, les moments de barbarie, le reflux des obscurantismes, il est devenu communément admis que « les grands récits » (mythes fondateurs, livres sacrés, doctrines idéologiques, théories scientifiques globalisantes…) ont échoué, et parfois lamentablement échoué. Ont-ils fait place à la multitude de ce que, dans la foulée de Régis Jauffret, l'on pourrait appeler les « microfictions » ou, dans celle de Pierre Michon, le filon de nos « vies minuscules » ? Cela pourrait être pris au dérisoire, pire, pour inoffensif.
Les artistes ici réunis font en tout cas entendre une petite voix : la leur. Et ils racontent de petites histoires, les leurs (ou pas). Il leur arrive de petites choses ou de grandes, qu'ils traduisent en images fixes ou animées, en mots ou en sons qu'ils cousent enfin, assemblent au gré de leur vie comme elle va ou comme elle ne va pas. Avec des façons variables de mêler la pudeur et l'impudeur, le vrai et le faux, l'autobiographie et l'autofiction. Cette forte composante autoréférentielle s'accompagne d'une dimension narrative souvent explicite ; parfois de texte, pas toujours ; et elle mélange volontiers les techniques, brouillant à l'occasion les repères entre le statut d'œuvre et celui de document. On écrit au dos des images, on peint d'après photo, on crayonne dans des marges, on quitte le premier degré pour filer la métaphore… Dans ce groupe de hasard, où il se trouve que les photographes sont majoritaires, jamais les supports ne sont monumentaux ou écrasants : ce qui se cherche sans être sûr de se trouver ce sont la droiture d'une démarche, les replis du privé, l'étrangeté du familier, la singularité d'un propos.

Louise NARBO

Peut-être nous caressons-nous le nombril en regardant le monde ? Peut-être, regardant le monde, ne pouvons-nous nous empêcher de nous caresser le nombril ? Ceux-ci en tout cas assument d'être le pivot fort et fragile de leurs propres expériences et d'en partager les fruits, qu'ils soient beaux ou vilains (il y a longtemps que l'art n'est plus cantonné à la querelle du beau et du vilain). Ils n'ont pas de vérités ultimes à vendre, pas de certitude définitive à redorer. Pas de grosses ficelles, non plus ; juste le fil de leurs idées et un zeste de quant-à-soi. Mais tous, nous parlant d'eux-mêmes, nous parlent aussi de nous, nous invitent à nous comprendre et à les comprendre – mieux, à les accompagner. A être attentifs somme toute, émerveillés et exigeants dans ce monde où si souvent, dans le flux ou dans la masse, se perd trop facilement le fil du nous, notre fil à nous. Un « nous » fait d'hommes et de femmes, différemment, indifféremment : « Un homme labyrinthique ne cherche jamais la Vérité, il ne cherche jamais que son Ariane, quoi qu'il puisse nous dire », écrivait Nietzsche dans Ainsi parlait Zarathoustra (vers 1885). Répondant peut-être en cela au Journal du séducteur de Søren Kierkegaard (1843) : « Toute jeune fille par rapport au labyrinthe de son cœur est une Ariane, qui tient le fil grâce auquel on peut s'y retrouver, mais elle ne sait s'en servir elle-même. »
Les sensibilités, les époques, les écritures sont diverses ; mais l'enjeu du je est un invariant, peut-être un tyran. Et pour faire écho aux échanges de vue qui ont récemment alimenté ces pages on conviendra que, si la critique est Thésée… l'art reste difficile ! On le dit aussi minotaure, ça dépend des versions.
Indépendamment de la bobine que nous tirerons aujourd'hui, qu'il nous tire par-dessus la tête comme un pantin, nous passe sous les pieds comme un funambule, à portée de main comme un guide rassurant, ombilic perdu, idéal emmêlé, le fil de notre vie est le seul dont nous disposions, qui nous soit propre ; le seul surtout qui nous ressemble sans être tout à fait nous.

Emmanuel d'Autreppe, juillet 2014

Pour les informations concernant l'exposition, voir la page « Le fil de soi »